Kineast

Faust

2012-01-27T02:31:00.000-08:00

Spielen wir Tourist in Weimar und schnappen uns einmal all die ganzen Flyer mit Veranstaltungshinweisen im Klassiker-Overkill der Kulturstadt. Ein Name taucht immer wieder auf. „Faust – Auf den Busch geklopft.“, „Faust 1 - Zu zweit“, „Faust (Magarethe)“, „Faust 2 - Zu dritt“ - Ganz klar, dass die bedeutendste Arbeit des Dichterfürsten Goethe gerade hier besonders oft und vielseitig dargeboten wird, ist das Werk schließlich in dieser schönen Stadt entstanden. Seit einigen Tagen gibt es nun einen weiteren Faust – und zwar im Kino. Der russische Regisseur Alexander Sokurov inszenierte mit „Faust“ den abschließenden vierten Teil seiner Reihe über „Das Böse und die Macht“

Faust ist ein Gelehrter. Heißt Magister, heißt Doktor gar. Hat sozusagen sämtliche Studienabschlüsse absolviert, die man sich vorstellen kann – auch nach heutigen Maßstäben. Doch all sein Wissen nützt ihm nichts bei der Suche nach den wichtigen Antworten. Hat der Mensch eine Seele? Wo ist die Seele? Im Körper scheint sie sich nicht zu befinden, denn er hat überall nachgesehen. Zusätzlich plagen ihn Geldsorgen. Er kann sich nicht einmal das Gift leisten, dass er gerne schlucken möchte, um seinem Dasein zu entfliehen. Also geht er zum Wucherer, um dort einen Ring zu verpfänden. Dem Wucherer gelingt es jedoch, Faust von seinem Vorhaben abzubringen. Zunächst scheint es so, als wolle er Faust lediglich zeigen, dass das Leben lebenswert ist und es auch schöne Dinge gibt. Schön wäre in diesem Fall Margarethe. Der Wucherer will Faust helfen, sie zu bekommen, geht dabei allerdings mit merkwürdigen Methoden sogar über Leichen. Faust ahnt nicht, dass er Teil eines diabolischen Spiels geworden ist.

Alexander Sokurov ist ein bedeutender Künstler seines Handwerks. Er scheint immer nur den extremen Weg zu suchen, seine Kunst zu verwirklichen. Seinen Film „Russian Ark“ drehte er ohne einen einzigen Schnitt zu tätigen. Die gesamten 92 Minuten wurden ohne Unterbrechungen am Stück gefilmt. Eine enorme Leistung des gesamten Teams hinter diesem Projekt. Seine Tetralogie zum Thema „Das Böse und die Macht“ widmete er Hitler, Lenin, dem japanischen Kaiser Hirohito und zu guter Letzt Faust. Ein schwer nachzuvollziehender Schritt, handelte es sich in den anderen Filme um real existierende Persönlichkeiten, wohingegen Faust – in dieser Version – eine fiktive Gestalt ist. Noch mehr Dinge lassen sich schwer nachvollziehen. Das ungewöhnliche Bildformat von 4:3 beispielsweise, oder das verwaschene Bild, die blassen Farben und die sehr häufig eintretenden verzerrten Perspektiven. Außerdem bieten sich dem Zuschauer zahlreiche groteske Szenen, die ein ums andere Mal sehr ernsthafte Situationen, wie eine Beerdigung, ins Lächerliche zu ziehen scheinen. Die sprunghafte Veränderung der Reihenfolge der Ereignisse, die man aus der Goetheschen Vorlage kennt, kann indes als künstlerische Freiheit gewertet werden. Der ganze Film ist Kunst und ich für meinen Teil habe wenig verstanden, oder richtig gedeutet. Wer hier lediglich eine filmische Adaption des Theaterstücks erwartet, wird enttäuscht werden. Der Film wurde zwar komplett in deutscher Originalsprache gedreht, nutzt aber selten den Originaltext. Hin und wieder gibt es Zitate, die jedoch unvollständig und teilweise an den falschen Stellen zum Besten gegeben werden. Nicht aber, dass hier eine oberflächliche Auseinandersetzung mit der Vorlage diagnostiziert werden darf; Sokurov scheint sich sogar sehr intensiv mit dem Text beschäftigt zu haben. Kenner des Stückes finden zahlreiche Zitate und Elemente wieder, die sogar auf den zweiten Teil der Tragödie hinweisen. Doch auch hier scheint man sich zu viel vorgenommen zu haben, denn weder der erste Teil, noch der zweite Teil sind hier vollständig umgesetzt. Alexander Sokurov hat einen sehr speziellen Stil, und den zieht er kompromisslos durch. Das jemand so etwas heutzutage noch in diesem Ausmaß wagt, ist beeindruckend, leider führt es dazu, dass man größtenteils verwirrt im Kino sitzt und angestrengt auf den Moment wartet, in dem sich alles klärt. Dieser Moment kommt leider nicht und alle Offenheit gegenüber dem Künstler nützt nichts. Man versteht es einfach nicht.

„Faust“ ist wie ein Fiebertraum von einem Film. Es ist, als wollte der Regisseur zunächst viel mehr darstellen, als es in diesem speziellem Stil möglich ist und nach der Hälfte des Films kürzt er dafür prägende Handlungsstrecken heraus. Hat sich Sokurov zu viel vorgenommen und am Ende lediglich versucht, zu retten, was zu retten ist? Ist sein Konzept dem falschen Ansatz gefolgt? Oder wollte er wirklich, dass der Film genau so ist, wie er ist? Bin ich vielleicht einfach durch dieses Monstrum an Kunst überfordert gewesen? Wahrscheinlich, denn der Film wurde auf den renommierten Filmfestivals weltweit im vergangenen Jahr mit Preisen überhäuft. Soll man sich diesen Film nun ansehen? Ich sage, ja. Vielleicht ist es Kunst, die erst dadurch zur Kunst wird, dass sie betrachtet wird. So ähnlich, wie die Mona Lisa. Ganz im Ernst, aber wirklich schön ist sie nicht und trotzdem gucken sie alle an.

Faust (RU / D / Ö, 2011): R.: Alexander Sokurov; D.: Johannes Zeiler, Anton Adsinsky, Georg Friedrich, u.a.; M.: Andrey Sigle; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

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Verblendung

2012-01-19T03:53:00.000-08:00

„Manche Bücher sollte man einfach nicht verfilmen“, war das Fazit einer Diskussion, die ich mit Hans vor einigen Jahren hatte. Es ging damals um den ersten Teil der Millenium-Trilogie, der unter der Regie von Niels Arden Oplev im Winter 2009 in den deutschen Kinos lief. Dass eine Produktion, die eigentlich für das Fernsehen gedacht war, den hohen Erwartungen nicht gerecht werden konnte, die man nach Lesen der Romane vielleicht gehabt haben könnte, war eigentlich weniger überraschend. Die große Überraschung folgte etwa ein Jahr später, als zum ersten Mal verlautbart wurde, dass David Fincher derzeit sehr an der Verfilmung der Trilogie interessiert sei, und das, noch während die schwedische Version im Kino lief. Nun ist es soweit und „Verblendung“ läuft in den deutschen Kinos. Schon wieder.

Die Story hat sich nicht verändert. Mikael ist Journalist bei „Millenium“, einer Zeitschrift, die vorwiegend politische Skandale aufdeckt und mächtige Männer in Misskredit bringt. Bei seinem letzten Streich hat Mikael allerdings nicht aufgepasst. Er wurde hereingelegt und hat nun eine Verleumdungsklage am Hals. Einer der reichsten Männer des Landes, Henrik Vanger, bietet ihm Hilfe an, wenn Mikael für ihn das rätselhafte Verschwinden seiner Nichte vor 40 Jahren aufklärt. Die Vanger-Familie ist allerdings voller Intrigen; die Familienmitglieder reden aus unterschiedlichen Gründen nicht miteinander und so wird es dem gebrandmarkten Journalisten nicht eben einfach gemacht. Die Hilfe kommt von Lisbeth Salander, einer sozialen Außenseiterin und Ermittlerin. Ihre Stärken liegen im virtuellen Ausspionieren der Opfer. Zusammen ergründen sie den Fall und stoßen auf ein grausiges Geheimnis.

Es ist irgendwie merkwürdig, weil man die ganze Zeit das Gefühl hat, einen Film zu sehen, den man schon kennt, aber irgendwie auch nicht. Auch, wenn David Fincher behauptet, er hätte die schwedischen Filme nicht gesehen und sich lediglich an Hand der Buchvorlage orientiert, geschehen so unglaubliche Dinge, wie die verblüffende Ähnlichkeit zwischen den beiden Harriets. Das Haus der Vangers sieht genau so aus. Die Einstellung von Mikael an der Jagdhütte ist fast die gleiche, ebenso, wie die in der Vergwaltigungsszene. Als Erklärung für die doch recht große Ähnlichkeit der beiden Filme dient der Umstand, dass viele Mitglieder der Stockholm-Crew schon damals mit gearbeitet hätten. Natürlich sieht alles ähnlich aus, aber irgendwie wirkt alles noch ein bisschen intensiver. Fincher macht alles etwas runder und eleganter. Die Bilder sind einprägsamer, die Story hat mehr Platz, sich zu entfalten und die Figuren wirken gründlicher ausgearbeitet. Hier spielen auch die Interpretationen der beiden Hauptdarsteller, Daniel Craig und Rooney Mara eine große Rolle. Mikael zeigt echte Angst und verspürt stets starke Unsicherheit, sobald es ums Handfeste geht. An solchen Stellen tritt im Regelfall Lisbeth Salander auf, die aber auch hier weniger hart und kalt wirkt. Auch ihre menschlichere Art macht diese Figur tiefgründiger, als in der schwedischen Verfilmung. Das größte Problem taucht tatsächlich erst dann auf, wenn man sowohl die Romane kennt, als auch die früheren Filme gesehen hat. Für diejenigen gibt es nämlich keine neuen Erkenntnisse und es kommt selten Spannung auf. Man weiß eben einfach schon, wer der Mörder ist. Selbst, wenn man es vorher vielleicht vergessen hat, fällt es einem wieder ein, sobald der Film beginnt.

„Verblendung“ hat auch in seiner Neuauflage nichts von der Faszination, die diese beiden sehr speziellen Hauptcharaktere ausüben, eingebüßt. Alles ist besser und aufwändiger produziert, die Musik ebenso eindringlich, wie der überraschend ästhetische Vorspann. Daniel Craig ist ein guter Schauspieler und David Fincher ein guter Regisseur. Wer noch nie Kontakt mit Stieg Larssons Romanen oder den früheren Verfilmungen hatte, wird hier sehr viel Aufregung und Spannung finden und wahrscheinlich die ein oder andere schlaflose Nacht erleben.

The Girl With The Dragon Tattoo (USA, 2011): R.: David Fincher; D.: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, u.a.; M.: Trent Reznor; Offizielle Homepage

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Neustarts ab dem 12. Januar 2012

2012-01-12T05:24:00.000-08:00

Verblendung
David Fincher hat sich an die erneute Verfilmung der Millenium-Trilogie von Stieg Larsson gewagt. Weil die Filme in Europa sehr erfolgreich waren, sich die amerikanischen Zuschauer aber nicht gerne europäische FIlme ansehen, wurde jetzt also ein Remake mit amerikanischen Schauspielern - namentlich Daniel Craig und Rooney Mara - produziert. Doch Halt! Es ist ja gar kein Remake sondern eine Neuinterpretation der Buchvorlage. Dass es natürlich trotzdem eine gewisse Ähnlichkeit mit den schwedischen Filmen geben wird, ist irgendwie klar.
Wer sich also die ungeschwedete Version von Stieg Larssons Bestseller-Romanen ansehen möchte, sollte das ab heute in den deutschen Kinos tun.

Offroad
Deutsche Genrefilme haben es schwer. Letztes Jahr kreppierte der Endzeit Thriller "Hell" jämmerlich an den Kinokassen und etwaige Tarantinoverschnitte, wie "Bang Boom Bang" und Ähnliches haben es nie geschafft, eine nennenswerte Fangemeinde um sich zu versammeln.
Nora Tschirner macht sich in diesem waschechten Roadmovie auf eine Tour in einem geklauten Auto voll mit Koks.
Action, Spannung und staubige Straßen gibt es also ab heute in den deutschen Kinos.

Reality XL
Wo wir gerade von deutschen Genrefilmen gesprochen haben, fällt uns doch glatt noch ein Titel ein. "Reality XL" erzählt von merkwürdigen Vorkommnissen in einem Physiklabor. Nach Ende einer Schicht kommt nur noch ein Vertreter des diensthabenden Teams aus dem Raum mit dem Teilchenbeschleuniger wieder heraus. Der wird natürlich befragt und verstrickt sich dabei immer mehr in wiedersprüchlichen Aussagen. Oder verschwimmt hier eher die Grenze zwischen Einbildung und Realität?
Gruslige Schockeffekte und Psychospielchen mit Heiner Lauterbach - ab heute in den deutschen kInos.

Ziemlich beste Freunde

2012-01-12T05:10:00.000-08:00

Die große Hoffnung der deutschen Kinobetreiber, dass das Neujahrstief nicht eintrifft, scheint sich auch diesmal wieder zu erfüllen. Im vergangenen Jahr hatten wir an dieser Stelle etwa ein „Black Swan“, der weder Zuschauer noch Betreiber enttäuscht haben dürfte. Und diesmal haben wir einen französischen Film. Das finde ich spannend. Französische Filme waren in den letzten Jahren nämlich entweder liebenswerte, manchmal ein bisschen zu alberne Komödien, oder es waren super harte Horror- oder Folterfilme, ala „Martyrs“ oder „Frontier(s)“. Man muss nicht lange überlegen, in welche Schublade wohl der neue Film der Regisseure Eric Toledano und Oliver Nakache „Ziemlich beste Freunde“ gehört.

Philippe ist ein sehr reicher, aber vom Schicksal gebeutelter Mann. Er hat ein sehr großes und luxuriöses Haus, kann diese aber nur mit dem Rollstuhl erkunden, denn er ist vom Hals abwärts gelähmt. Da er einen schwierigen Charakter zu haben scheint, hält es das Pflegepersonal oft nicht lange bei ihm aus. Besonders die Pfleger, die sich Tag und Nacht um seine Bedürfnisse kümmern müssen und somit 24 Stunden am Tag mit ihm verbringen, werfen häufiger denn je das Handtuch. Eines Tages lädt Philippe wieder zahlreiche Bewerber ein, die allesamt hoch motiviert und vorbereitet ins Vorstellungsgespräch kommen. Nur Driss ist alles egal, denn er taucht dort nur auf, weil er für das Arbeitsamt eine Unterschrift braucht. Philippe hat das Gefühl, dass Driss der einzige Bewerber ist, der ehrlich gewesen ist und will ihm eine Chance geben. Driss wird der neue persönliche Pfleger von Philippe. Zumindest auf Probe. Sträubt sich Driss zunächst noch, geht er zunehmend in seiner Rolle auf. Gleichzeitig wirbelt er Philippes Leben und Ansichten ordentlich durcheinander. Doch der merkt, dass ihm das gefällt und er schon viel zu lange auf Abwechslung verzichtet hat. Tatsächlich werden die beiden nach einer Weile ziemlich beste Freunde.

Französische Komödien haben ihren ganz eigenen Charme. Besonders die der letzten Jahre aus der Feder eines Kad Merad oder Dany Boon, haben einen ganz eigenen Stil, der irgendwie entrückt und weltfremd wirkt und zusätzlich immer wieder übertriebene Slapstickeinlagen kredenzt. Und ganz ehrlich gesagt, geht mir genau dieser Stil auf die Nerven. Ich habe keine Lust mehr auf vertrottelte arme Schweine, die sich in unmögliche Situationen bringen und dabei unglaublich viel Spaß haben. Ich will keine überzeichneten Figuren mehr haben, die man im wahren Leben nie antreffen würde. Warum fällt es den Franzosen so schwer, ganz normale Filme zu machen? Warum müssen sie es immer übertreiben - auf die eine oder andere Art? Und da kommt „Ziemlich beste Freunde“ daher, der doch tatsächlich endlich mal anders ist. Der typische französische Unterton ist nicht zu spüren. Der Film fängt sogar ziemlich amerikanisch an, mit einer spektakulären Verfolgungsjagd. Die Figuren wirken gründlich ausgearbeitet und brauchen eben nicht diese übertriebene Attitüde, um deren Oberflächlichkeit zu kaschieren. Sie sind schlicht, aber nicht einfallslos. Hier treffen zwei extrem unterschiedliche Menschen auf einander und allein die Unterschiedlichkeit ist komisch. Die Regisseure lassen diese Konstellation für sich arbeiten und provozieren keine übertriebenen oder unrealistischen Gagfeuerwerke. Die Situation an sich reicht diesem Film völlig aus und bietet obendrein genug Raum für eine gut platzierte und nicht unpassende Ernsthaftigkeit.

„Ziemlich beste Freunde“ bringt frischen Wind in de Gestade der ehrwürdigen französischen Komödie. Der Film wagt einfach den Blick über den Tellerrand und macht dabei eine wesentlich bessere Figur, als die letzten Werke der Monsieurs Boon und Merad. Eine kurzweilige und sehenswerte, sehr sympathische kleine Komödie, die den französischen Film zwar nicht allein zu retten vermag, ihm aber einen Schubs in die richtige Richtung gibt. Wegen einer speziellen Szene, die unter anderem mit Frisuren und Bärten zu tun hat, soll der Film übrigens jetzt in Frankreich auf den Index. Das beste Zeichen, dass hier alles richtig gemacht wurde.

Intouchables (F, 2011):R.: Nakache & Toledano; D.: Francois Cluzet, Omar Sy, Audrey Fleurot, u.a.; M.: Ludovico Einaudi; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus, CineStar

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Neustarts ab dem 5. Januar 2012

2012-01-05T06:19:00.000-08:00

Das Jahr geht los und startet etwas schüchtern mit einigen nicht ganz so großen Titeln. Vielleicht ist das aber auch nur das Atemholen, bevor es richtig kracht.

New Kids Nitro
Los geht's mit einer Fortsetzung. Die Holländische Oberprollkomödie "New Kids Turbo" handelte damals von fünf Jugendlichen in ihrem kleinen friesländischem Dörfchen, die allerlei Blödsinn angestellt haben und vor allem nicht mit entsprechend dumm-prolligen Sprüchen gegeizt haben. Gemäß allen Fortsetzungsregeln wird das ursprüngliche Konzept einfach breit gewalzt. Alles ist noch blöder, alberner, noch prolliger.
"New Kids Nitro" ist sehr spezieller Humor, aber wer keine Lust auf Feinsinnigkeit hat, und lieber mit presslufthammerartigen Kettensägen schwingenden Mettwurstattitüden vorlieb nimmt, ist hier genau richtig.

Desweiteren starten heute noch zahlreiche kleinere Filme, deren Bedeutung man schlicht nicht überbewerten sollte. Die wichtigsten aber hier nochmal im Überblick.

Ziemlich beste Freunde- Eine französische Komödie um einen Querschnitzgelähmten und dessen eher unorthodoxer Pflegekraft. Dazu in der nächsten Woche mehr.

Chinese zum Mitnehmen - Wieder eine Komödie um einen Pedanten, der gerne spekatukläre Zeitungsartikel sammelt und eines Tages unverhofft auf einen Chinesen trifft...
Klingt komisch? Ist auch komisch.

Jonas - Chrisztian Ulmen drückt als pickeliger pubertierender Teenager noch einmal die Schulbank. Man lernt halt nie aus...

Der Gott des Gemetzels

2012-01-05T06:10:00.000-08:00

Und damit beginnen wir das Kinojahr 2012, welches natürlich noch tausendmal besser werden wird, als das vergangene Jahr. Uns erwarten zahlreiche Fortsetzungen, denn Hollywood wagt es derzeit nicht, irgendwas Neues zu etablieren. So werden also die erfolgreichsten Filme des Jahrzehnts mehr oder weniger gut fortgesetzt. Ob es an der Apokalypse liegt? War Roland Emmerichs „2012“ so eindrucksvoll, dass tatsächlich alle Leute denken, die Welt würde untergehen?
Egal! Bevor wir uns so richtig ins neue Jahr stürzen widmen wir uns kurz einem Film, der gerade noch so im Jahr 2011 angelaufen ist. Es ist der neue Film eines Regisseurs, der sich schon teuflischen Dämonen, komischen Vampiren und noch komischeren Piraten gewidmet hat. Er hat aber auch die Kunst des Kammerspiels absolut perfektioniert und inszenierte zum Beispiel ein beklemmend, faszinierendes „Der Tod und das Mädchen“ Nun meldet er sich in seiner Königsdisziplin zurück und bringt ein zeitgenössisches Theaterstück auf die Leinwand. Hier kommt „Der Gott des Gemetzels“

In einer kleinen, gemütlichen Wohnung mitten in New York treffen sich die Ehepaare Longstreet und Cowan. Es gilt, ein ernstes Thema aus zu diskutieren. Der Sohn der Cowans hat dem Sohn der Longstreets im Streit zwei Zähne ausgeschlagen. Ganz klar, dass diese Angelegenheit geklärt werden muss. Obwohl die beiden Paare sehr unterschiedlich sind, gelingt eine höfliche und gepflegte Konversation. Das begeistert Michael Longstreet dermaßen, dass er die Cowans sogar noch zum Kaffee trinken einlädt. Der Cobbler wird aus dem Kühlschrank geholt und der Espresso kredenzt. Smalltalk wird immer wieder durch eingehende Anrufe auf Mr Cowans Handy unterbrochen. Der ist nämlich Rechtsanwalt und vertritt derzeit ein großes Pharmaunternehmen. Allerdings scheint es mit dem neuen Produkt der Firma einige Probleme zu geben. Während der Telefonate herrscht stets unbehagliches Schweigen seitens der Anwesenden. Und dann schaukelt sich die ganze Situation hoch. Immer wieder hängt sich der Anwalt an bestimmten Formulierungen von Mrs Longstreet auf, der Vater des Geschädigten versucht, die Wogen zu glätten und plaudert über seinen Job als Klospülungsvertreter, was den Anwalt wiederum dazu provoziert, sich über ihn lustig zu machen. Die Mütter wollen beim Thema bleiben und geraten dabei immer heftiger aneinander, auch wenn sie zunächst ihr Interesse für Kunst teilen – und dann doch nicht mehr. Alles eskaliert, als zum hundertsten Mal das Handy von Mr Cowan klingelt.

Roman Polanski wird stets eine etwas verrückt lustige Haltung nachgesagt. Woher dieses Image genau kommt, kann man nur vermuten. Sicher, seine Vampirparodie war enorm witzig und auch sein Ausflug in die Weiten des piratenverseuchten Ozeans entbehrte nicht einer gewissen Komik. Doch immer wieder präsentiert er uns ernsthafte und ernst zu nehmende Arbeiten. Abgesehen von irgendwelchen Skandalen und Gerichtsverhandlungen, die diesen Regisseur vielleicht heimsuchen, ist er ein guter Handwerker und ein Meister der schlichten und intensiven Inszenierung. Das mag auch daran liegen, dass seine kreativen Ursprünge eher auf der Theaterbühne liegen und nicht hinter der Kamera. Bei „Der Gott des Gemetzels“ haben wir alle Zutaten für ein spannendes Kammerspiel. Vier sehr gute Schauspieler in einem - oberflächlich betrachtet - geschmackvoll eingerichtetem Wohnzimmer, ein heikles Gesprächsthema und jede Menge festgefahrene Meinungen und Ansichten. Okay, wahrscheinlich hätte jeder Regisseur mit ein bisschen Verstand im Kopf daraus ein spannendes Kammerstück machen können. Wichtig ist hier die Idee und der Mut, so etwas heutzutage überhaupt inszenieren zu wollen. Es passiert - oberflächlich betrachtet - tatsächlich nicht viel. Der unbedarfte Zuschauer denkt vielleicht: „Die labern eineinhalb Stunden lang nur und gehen nicht mal vor die Tür. Stinklangweiliger Mist!“ Aber die Dynamik der Beziehungen untereinander und die Charakterentwicklung passiert so subtil und realistisch und man hat die ganze Zeit das Gefühl, man kenne das von selbst geführten Diskussionen. Die Charaktere sind natürlich ganz klar gezeichnet und in dieser etwas naiven Form sogar überzeichnet. Aber nur mit derartig eindeutigen Charakterzügen funktioniert dieser Film auch so gut und wir haben die nötige Dynamik, die es braucht, um es eben nicht langweilig werden zu lassen. Klar, dass sehr viel von dieser Wirkung durch die Leistung der vier Darsteller erzielt wird. Auch, wenn mir persönlich Christoph Waltz am besten gefallen hat, kann man nicht sagen, dass einer besonders herausfällt. Alle spielen gleich gut.

„Der Gott des Gemetzels“ ist ein Spiegel. Er zeigt uns, was vermutlich tagtäglich in Millionen von Wohnzimmern statt finden kann. Es ist bitterböse und unterhaltsam zugleich. Die Kultiviertheit und Zivilisiertheit, die wir uns so – Gott verdammt nochmal - hart erarbeitet haben, ist mit einem Glas Scotch, oder eben einen Stockhieb weg gewischt. Großartig. Genau das Richtige, um für den Weltuntergang in Stimmung zu kommen.

Carnage (USA, 2011): R.: Roman Polanski; D.: Kate Winslet, Jodie Foster, Christoph Waltz, John C. Reilly, u.a.; M.: Alexandre Desplat; Offizielle Homepafge

In Weimar: lichthaus

Der Filmblog zum Hören: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Trailerpark - Batman, Beutlins und Aliens

2011-12-23T06:38:00.000-08:00

Im letzten Post des Jahres gibt es einen kleinen Trailerpark, denn in dieser Woche gab es gleich drei heiß erwartete Vertreter, dieses einminütigen Vergnügens, welches ja letztendlich doch nur zur Folge hat, dass man sich noch viel mehr auf die Filme freut und die Wartezeit noch schlimmer wird.

Dark Knight Rises

Ich war schon immer Batman-Fan. Lange bevor Christopher Nolans erster Fledermausfilm in den Kinos lief und bevor plötzlich die ganze Welt Joker-Fan wurde. Ich erinnere mich noch, dass ich im zarten Alter von vielleicht 10 Jahren den ersten Film von Tim Burton im Fernsehen bestaunte und irgendwie sofort davon fasziniert war. Seitdem durchlief der dunkle Rächer zahlreiche Entwicklungen. Die unglaublich düstere und doch sehr ernsthaft inszenierte Machart Burtons wurde vom absoluten Gegenteil, nämlich einem knallbunten Stil und lockeren Sprüchen abgelöst. War „Batman Forever“ noch halbwegs ertragbar, ging Joel Schuhmacher mit „Batman & Robin“ komplett baden und man merkte ziemlich schnell, dass kein Publikum der Welt mehr Lust auf trashige 60er Jahre-Ästhetik hatte – zumindest nicht, wenn es um Batman ging. „Batman Begins“ lieferte einen Hoffnungsschimmer und diese Hoffnung wurde mit „The Dark Knight“ erfüllt. Der bisher letzte Film legte die Messlatte und damit die Erwartungshaltung an jegliche Nachfolger enorm hoch. Vor allem aber kann man sicher sein, dass ein derartiger Film nie wieder gelingt. Diese Woche nun erschien der erste offizielle Trailer zu „Dark Knight Rises“, der die Nolan-Trilogie beenden soll. Story-Einzelheiten sind noch nicht bekannt, aber wer sich ein bisschen mit Batman und vor allem den Comics auskennt, kann sich schon denken, was kommt, wenn er einen Blick auf den Cast und die Charaktere wirft. Einer der interessantesten Superschurken überhaupt kommt endlich nach Gotham: Bane. Außerdem gibt es eine neue Catwoman und angeblich spielt die Tchter des Schurken aus dem ersten Teil Talia al Guhl auch eine Rolle. Experten klingeln die Ohren und sofort macht sich ein Wort mit unglaublicher Penetranz und einer Mischung aus Aufregung, Skepsis und Inkontinenz erregender Vorfreude im Kopf breit: „Knightfall!“ Ob und wie es wirklich dazu kommt, erfahren wir wohl wirklich erst, wenn der Film Ende Juli in den Kinos weltweit startet. Bis dahin ist Zittern angesagt und für alle, denen die letzten zwanzig Sätze gar nichts gesagt haben, dringender Nachholebedarf in Sachen Batman-Historie.

Der Hobbit – Eine unerwartete Reise

Peter Jackson tut es wieder. Er nimmt uns auf ein neues Abenteuer mit nach Mittelerde und verfilmt die Vorgeschichte zur Herr-der-Ringe-Trilogie. „Der Hobbit“ berichtet vom ersten großen Abenteuer Bilbo Beutlins. Mit einer Gruppe von Zwergen macht er sich nämlich auf zum einsamen Berg hoch im Norden, um dort einen Drachen aus zu tricksen, um dann wiederum den Schatz zu klauen, den die Echse scharf bewacht. Das Buch gefällt mir persönlich wesentlich besser, als die Bücher zum „Herrn der Ringe“. Es ist eindeutig für etwas jüngere Leser geschrieben und hat einen völlig anderen Stil. Außerdem erleben Bilbo und seine Freunde ein sehr spannendes Abenteuer in dessen Verlauf wirklich alle wichtigen Figuren der früheren Filme eingeführt werden und kurze Auftritte pflegen. Von den alten Bekannten dürfen wir uns auf Gandalf, Elrond, Galadriel und natürlich Gollum freuen, allesamt dargestellt von den Schauspielern, die sie früher bereits mimten. Martin Freeman, den man aus „Per Anhalter durch die Galaxis“ kennen könnte gibt einen überzeugenden Bilbo ab. Abgesehen davon sieht alles genau so aus, wie man es kennt und das ist einfach nur wunderschön. Es ist genau das, was wir alle wollen. Peter Jackson verändert nichts am Stil, oder an der Ästhetik. Alles ist genau, wie in der Trilogie, nur dass eben eine neue Geschichte erzählt wird. Ich freue mich unglaublich auf diesen Film, der in zwei Teilen erscheinen wird und – um die Qual zu vergrößern – in genau einem Jahr starten wird.

Prometheus

Die Alien-FIlme hatten schon immer etwas ganz besonderes an sich. Ich weiß nicht genau, woran es lag. Vielleicht war es der Gedanke, dass trotz all der Faszination, die das große Weltall birgt, etwas dermaßen Gefährliches lauert, dass man am besten keinen Fuß in dieses All setzt. Vielleicht war es die beklemmende Atmosphäre und die unglaubliche Spannung. Vielleicht war es auch diese gewisse Widerwärtigkeit, die das Alien als solches barg. Alle vier Filme waren speziell für sich perfekt. Jeder Film wurde von sehr unterschiedlichen Regisseuren produziert und deshalb waren sie auch so abwechslungsreich. Ja! Auch „Alien Resurection“ zählt für mich dazu, auch wenn ein Großteil der Fangemeinde eben diesen vierten Teil boykottiert. Zugegeben, die Story war ein bisschen an den Haaren herbei gezogen, aber wartet erstmal ab, bis ihr hört, worum es nun gehen soll. Auf der Erde wird ein Signal aus den dem Weltall empfangen. Dieses Signal wird analysiert und es ist klar: Wir sind nicht allein! Ein Schiff wird gebaut und eine Crew zusammengestellt und zu den Ursprungskoordinaten des Signals geschickt. Hier wartet ein fremder Planet, eine bestimmte Alienrasse, von der vermutet wird, dass sie irgendwas mit der Schöpfung der Menschheit zu tun hat und...tja...und was? Ridley Scott hält sich sehr bedeckt, aber er hat bereits bestätigt, dass es am Ende des Films eine eindeutige Brücke zum allerersten Alien-Film geben soll. Das heißt, man wird die Viecher irgendwie sehen, auch wenn im ersten offiziellen Trailer noch nichts davon zu sehen ist. Stilistisch beschreitet man wieder ursprüngliche Pfade. Es wird düster, spannend und schockierend mit unglaublich einprägsamen Bildern. Im August startet das Prequel und bis dahin ist wohl – wie sollte es auch anders sein – Warten angesagt.

Soweit die kleine Trailershow zum Ende des Jahres. Ich gehe jetzt und feiere Weihnachten, was ihr im übrigen auch tun solltet. Und ich wünsche auch viel Spaß dabei, einen guten Rutsch ins neue Jahr und, dass ihr auch 2012 wieder fleißig den Kineasten lest.

-Jan-

Cheyenne - This Must Be The Place

2011-12-22T06:04:00.000-08:00

Die Suche nach dem Sinn des Lebens hat sich schon immer sehr kompliziert gestaltet. Man muss nämlich zunächst heraus finden, nach was man sucht. „42“ mag die Antwort sein, aber wie lautet die Frage? Ihr kennt das Spiel. Man führt ein gut betuchtes Leben, weil man in den 80ern ein erfolgreicher Rockstar war. So erfolgreich, dass man jetzt Langeweile mit einer Depression verwechselt. Plötzlich stellt man fest, dass das Leben nicht so sein muss, wie es ist. Aber eigentlich ist man doch damit zufrieden, wie es ist. Oder? „This must be the place“ Oder?

Cheyenne war offensichtlich noch nie ein besonders lebenslustiger Mensch. Das ist dermaßen offensichtlich, dass es schwer fällt, etwas offensichtlicheres festzustellen. Er hat ein großes Haus, lebt mit seiner Frau zusammen, müsste glücklich sein, ist es aber nicht, weil er deprimierend sein muss. Früher hat er dadurch den großen Wurf gemacht. Hat deprimierende Songs geschrieben und wurde berühmt. Man könnte sagen, er hat Spaß am traurig sein. Andere stellen fest, er hat im Alter von 15 Jahren angefangen, sich zu schminken und hat 30 Jahre später nicht damit aufgehört. Er mag ein komischer Vogel sein, aber tief in seinem Innersten ist Cheyenne ein Kind geblieben, welches sich nie mit den großen Problemen des Lebens auseinander setzen musste, die in den späteren Songs besungen wurden. Das muss er allerdings jetzt nachholen. Sein Vater liegt im Sterben und hat der Nachwelt und seinem Sohn eine unglaublich fordernde Aufgabe hinterlassen. Cheyenne muss nach Amerika reisen und dort einen geflohenen Naziverbrecher aus Auschwitz jagen.

Sean Penn ist ein Schauspieler, der sich zuverlässig aus dem filmischen Abseits von Nebenrolle zu Nebenrolle gehangelt hat. Wenn man ganz genau aufpasst erkennt man zum Beispiel in Brian De Palmas „Carlitos Way“ zwei Dinge. Sean Penn spielt den Anwalt und besten Freund von Carlito und Sean Penn war schon immer ein guter und enorm wandlungsfähiger Schauspieler. Diese Wandlungsfähigkeit wurde 2008 mit einem Oscar für den besten Hauptdarsteller in Gus Van Sants „Milk“ honoriert. Nun setzt er als Cheyenne noch einen drauf. Man kann ein Phänomen beobachten, welches sehr selten in Filmen auftaucht, aber wenn man es erlebt, ist die Begeisterung groß. Sean Penn verinnerlicht die Rolle sehr stark und man gewinnt den Eindruck, er ist Cheyenne, ohne ihn spielen zu müssen. Dieser Eindruck verstärkt sich zum Beispiel, wenn sich Cheyenne mit realen Menschen, wie David Byrne unterhält. Obendrein erlebt Cheyenne eine aufregende aber schöne Geschichte, die sich zu einem waschechten Roadtrip quer durch die USA entwickelt. Er begegnet sämtlichen Menschen, denen man auf so einer Reise begegnen muss, erlebt alle notwendigen Dinge, die so ein Trip braucht. Trotzdem läuft der Film sehr weit fern ab jeglicher Konventlionen. Es ist kein typischer Roadmovie, aber es bietet einen unvergleichlichen Blick auf ein faszinierendes Land mit merkwürdigen aber nicht minder faszinierenden Bewohnern. Diese besondere scheinbar außen stehende Perspektive rührt daher, dass Regisseur Paolo Sorrentino kein Amerikaner ist. Der gebürtige Italiener wagt erstmals einen Blick über die Grenzen seiner Heimat und schafft ein einmaliges und sympathisches Bild und gleichzeitig einen ebenso einmaligen Charakter, der trotz seines schlichten Gemüts unglaubliche Tiefe zeigt.

„Cheyenne – This must be the Place“ macht sich gar nicht erst die Mühe, die Frage nach dem Sinn des Lebens zu suchen, denn schließlich ist die Hauptfigur in New Mexico und nicht in Indien. Abgesehen davon darf man eine der schillerndsten und coolsten Filmfiguren beobachten, die seit langem über die Leinwand gewandert ist. In Verbindung mit der tollen Story ist dieser Film schon jetzt ein unsterbliches Meisterwerk.
Never For Money – Allways for Love

This Must Be The Place (I,GB, USA, 2011): R.: Paolo Sorrentino; D.: Sean Penn, Frances McDormand, Judd Hirsch, u.a.; M.: David Byrne, u.a.

In Weimar: lichthaus

Der Filmblog zum Hören: Im neuen Jahr wieder jeden Donnerstag, 12:25 auf Radio Lotte Weimar.

Die Haut in der ich wohne

2011-12-12T02:37:00.000-08:00

Pedro Almodovar ist ein Regisseur, dessen Ruhm irgendwie nicht zu seinen Filmen zu passen scheint. Fans des spanischen Filmemachers lieben seine Filme und können stets kaum die Zeit abwarten, bis sein nächstes Werk erscheint. Die Erwartungen sind immer wieder enorm hoch und man munkelt, diskutiert und fachsimpelt schon lange, bevor irgendjemand den Film überhaupt gesehen hat. Und dann sitzt man endlich im Kino und alles ist anders. Nicht, weil der Film schlecht wäre, oder man enttäuscht ist. Almodovar hat einen so bezaubernden und schlichten Stil, dass man den Eindruck gewinnt, er selbst schere sich gar nicht um die ganze Aufregung, die entsteht, wenn sein neuer Film angekündigt wird. So zumindest ging es mir nun, nachdem ich endlich „Die Haut in der ich wohne“ sehen konnte.

Zur Story will man gar nicht so viel sagen. Eigentlich hat man nur angst, man nehme zu viel vorweg und damit den Spaß derer, die den Film noch nicht kennen. So viel ist klar: Es geht um Robert Ledgard. Er ist Arzt und zählt zu den besten Chirurgen des Landes. In seiner eigenen Klinik behandelt er diskret und gut bezahlt ganz besondere Patienten. Zumindest glaubt das sein Team an Ärzten, die ihm stets bei Nacht und Nebel im isolierten OP assistieren. Seit einiger Zeit hat er nur noch eine Patientin, die das Haus nicht verlassen darf und die stets in einem verschlossenem Zimmer lebt. Niemand weiß, wer sie ist und was Ledgard mit ihr macht. Das Geheimnis droht aufzufliegen, als plötzlich und unverhofft der Sohn der Haushälterin an der Tür steht. Der polizeilich gesuchte Räuber scheint etwas über die Vergangenheit des Doktors zu wissen, was auf keinen Fall an die Öffentlichkeit dringen darf.

Die Geschichte ist schräg und nimmt im Laufe des Films immer merkwürdigere Züge an. Almodovar erzählt stets Geschichten, die zwar komplex sind, aber auch klar einer geraden Linie folgen. Auch, wenn man nun durch das ungewöhnliche Setting zunächst den Eindruck gewinnt, es handele sich um etwas vollkommen neues und man überall mit Schnappatmung liest, Almodovar hätte einen harten Psychothriller gemacht, was ja nun so gar nicht zu dem Spanier passen will, ist eigentlich alles, wie gewohnt. Der Stil, der im wesentlichen durch die einprägsame Bildsprache entsteht, ist typisch für den Regisseur. Es ist toll, mit welcher Leichtigkeit hier Bilder gebaut werden, die ganz beiläufig in die Handlung einfließen. Durch die knalligen Farben und die sehr intensive Musik wird hier ein Gefühl des Bombastischen und Dramatischen geschaffen. Etwas, was die wenigsten Regisseure schaffen, ohne auf moderne, zum Beispiel digitale, Spielereien zurück zu greifen. Almodovar verzichtet nicht nur auf derartiges Werkzeug, er setzt sogar gradezu altmodische Mittel ein, die noch aus den Anfangstagen der Filmgeschichte zu stammen scheinen. Essentielle Botschaften des Films werden nicht durch gesprochene Worte, sondern durch Musik oder eben Bilder vermittelt. Das verpasst auch „Die Haut in der ich wohne“ einen altmodischen Touch, ohne dass es den Film alt macht. Apropos altmodisch: Antonio Banderas sieht mit seinen 51 Jahren immer noch so aus, als wäre er Mitte Zwanzig. Abgesehen davon spielt er den wahnsinnigen Doktor sehr überzeugend und mit einer beängstigenden Intensität.

„Die Haut in der ich wohne“ ist auf gewisse Weise ganz anders und trotzdem ein typischer Almodovar. Spannend ist, dass der Stil, den er bisher stets für ausgewachsene Dramen verwendet hat, auch hier wunderbar funktioniert. Und wenn man genau hinsieht, findet man auch hier die grundlegenden Themen wieder, die er auch sonst abhandelt. Die Frage nach dem Gewissen, danach, wie weit man für die Lebe gehen kann und nicht zu Letzt die Frage nach der eigenen Identität.

La piel que habito (ESP, 2011): R.: Pedro Almodovar; D.: Antonio Banderas, Elana Amaya, Marisa Paredes, u.a.; M.: Alberto Iglesias; Offizielle Homepage

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Neustarts am 24. November 2011

2011-11-24T08:20:00.000-08:00

Twilight 4 – Breaking Dawn – Bis(s) zum Ende der Nacht Teil 1
Was kann es bedeuten, wenn ein Film kommt, dessen Titel so lang ist, dass man baden gehen kann, während ihn einer herunter betet? Das Finale der Vampirsaga um Vampir Edward und Menschin Bella geht in die erste Runde und der weltweite Vampirwahn läuft zu absoluten Höchstformen auf. Ich selbst habe keinen einzigen der Filme gesehen. Völlig überkitschter Mist, der so überflüssig ist, wie alkoholfreies Bier. Doch ständig höre ich aus völlig unerwarteten Ecken, es sei gar nicht so schlecht und hätte etwas. Was es nun genau hat, kann man jedenfalls ab heute in den deutschen Kinos sehen. Das echte Finale der Reihe kommt dann im Sommer, so ähnlich, wie bei einer anderen Filmreihe, die zum Ende einen ähnlich langen Titel vorzuweisen hatte.

Der Gott des Gemetzels
Keine Angst, es handelt sich hierbei nicht um einen mittelalterlichten Schlachtfilm. Es ist auch kein Horrorfilm und auch keine undergroundige Folterorgie. Hier kommt der neue Film von Roman Polanski, der seine größten Stärken immer in kleinen kammerspielartigen Dramen einsetzen konnte. Es geht um zwei Elternpaare, deren Kinder sich auf dem Schulhof eine Prügelei geliefert haben. Grund genug, sich doch mal zu treffen und die Problematik in Ruhe zu besprechen. Finden Sie nicht? Die Story, basierend auf einem Theaterstück von von Yasmina Reza ist Klasse, die Schauspieler der absolute Wahnsinn und Roman Polanski ist seit dem faszinierend-verstörendem „Der Tot und das Mädchen“ ein absoluter Meister dieses Fachs. Der Gott des Gemetzels – Ab heute in den deutschen Kinos und demnächst auch in Weimar.

I'm not a f**king Princess

2011-11-24T07:37:00.000-08:00

Die Pariser Schauspielerin Eva Ionesco widmet sich in ihrer zweiten Regiearbeit einem schwierigen Thema. Irgendwie bekommen wir Beklemmungen, wenn wir darüber reden müssen. Ist das, worum es hier geht noch Kunst? Wie weit darf Kunst gehen? Wie geht man mit Kunst um, die eindeutig zu weit gegangen ist? Wie weit darf man gehen, bevor die moralische Gesellschaft zurück schlägt. Diese Fragen stellt "I'm not a F**king Princess" und beantwortet sie auf eine recht eigentümlich Art.

Hanah ist Künstlerin und stellt nach mehrfachen Fehlschlägen fest, dass sie nicht als Malerin geeignet zu sein scheint. Ein befreundeter Maler schenkt ihr eine Fotoaparat und gibt ihr damit zweifelsfrei zu verstehen, auf welchem Gebiet der bildenden Kunst sie sich wohl eher betätigen sollte. Hanah kniet sich total in diese neue Welt herein. Sie arbeitet so sehr an ihrer Karriere, dass sich ihre kleine Tochter Violetta vernachlässigt fühlt. Eines Tages nimmt Hanah ihre Tochter mit in ihr Atelier, um ihr zu zeigen, womit sie so viel Zeit verbringt. Aus einem minimalem Impuls heraus, macht Hanah ein Foto von Violetta und ihr fällt in diesem Moment die prickelnde und fast schon laszive Ausstrahlung ihres Kindes auf. So geht es weiter und die Fotos werden immer aufreizender, die Posen immer gewagter und die Kunstspezialisten immer erregter, angesichts dieser tabuträchtigen, aber ästhetisch hoch anspruchsvollen Kunstfotografien. Durch die Fotos wird Violetta regelrecht zu einem Kunstobjekt: Sie scheint sich rein äußerlich in eine lebende Puppe zu verwandeln und entfernt sich so immer mehr von ihrem Leben in der wirklichen Welt.

Dieser Film polarisiert das eigene Gewissen. Einerseits kann man sich der Faszination des Kunstgedankens nicht entziehen, andererseits will man bei manchen Szenen nicht hin sehen. Regelrechte Qualen durchlebt man, wenn die Mutter die kleine Tochter auffordert, sich auszuziehen, oder sich nicht so zu haben, ihre Beine zu spreizen. Keine Angst; der Film arbeitet sehr viel mit der Vorstellungskraft des Zuschauers und Darstellerin Anamaria Vartolomei zeigt nicht annähernd so viel nackte Haut, wie seinerzeit die echte Violetta. Beeindruckend ist der innere, wie auch äußere Wandel des kleinen Mädchens. Sie wird durch ihre Mutter zu einem lebenden Kunstwerk gemacht, und weil sie es in ihren jungen Jahren nicht besser weiß, nimmt sie die Rolle der Prinzessin in sich auf. Interessant ist auch die plötzlich zuschlagende Keule der gesellschaftlichen Doppelmoral. Erst werden die pikanten Fotos von der Kunstwelt und der Öffentlichkeit gefeiert und dann wird die Künstlerin verklagt und das Jugendamt steht mit wedelndem Zeigefinger vor der Tür. Plötzlich sagen alle: „Also, so geht's ja nicht!“ Der Film setzt außerdem sehr gekonnt passende Musik ein. Während der Foto-Shootings hört man stets eine sphärische Fläche von Klängen, wohingegen während der Szenen in der echten Welt kaum Musik zu hören ist und der Lautstärkepegel der Nebengeräusche enorm angezogen wird. Durch diesen hörbaren harten Unterschied, werden diese beiden Ebenen von Violettas Wahrnehmung wirksam getrennt.

„I'm not a f**king Princess“ ist harter Tobak, der sich der Thematik auf eine Leichtigkeit nähert, die schockiert und gleichzeitig fasziniert. Der Film ist auch gleichzeitig Tabubrecher und Gesellschaftsstudie. Einfacher wird es nach dem Kinobesuch auch nicht, über das Thema zu reden. Unser Alltag hilft, es zu verdrängen, aber im Kopf hört es lange nicht auf.

My Little Princess (F, 2011): R.: Eva Ionesco; D.: Isabelle Huppert, Anamaria Vartolomei, Denis Lavant, u.a.; M.: Bertrand Burgalat; Offizielle Homepage

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Neustarts am 17. November 2011

2011-11-18T03:34:00.000-08:00

Es ist Zeit für eine neue Rubrik. Im Radio hört man schon länger die wöchentlichen Tipps, welche Filme man sich brandneu und taufrisch ansehen sollte. Ab jetzt kann man das auch auf dem Blog nach lesen.
Los geht's!

Arthur Weihnachtsmann
Kein Weihnachtsfest ohne knuddelige CGI-Kinderfilme! Gemäß diesem Vorsatz serviert uns Hollywood in diesem Jahr „Arthur Weihnachtsmann“ Es geht um den tollpatschigen Sohn des Weihnachtsmannes, der durch sein tollpatschiges Verhalten ganz schön viele tollpatschige Katastrophen verursacht und fast dafür sorgt, dass Weihnachten ausfällt. Die Story ist natürlich nicht besonders einfallsreich, oder kreativ. Aber Mann! Sehen die Viecher wieder niedlich aus. Vor allem die kleinen Gehilfengnome sind ja so was von süß. Wer sich also in eine schöne kleine vorweihnachtliche Stimmung bringen will, kann das ab heute mit „Arthur Weihnachtsmann“ in den deutschen Kinos tun.

Tom Sawyer
Hier haben wir eine Neuverfilmung des Klassikers von Mark Twain. Diesmal ist es aber eine deutsche Produktion. Das mutet ein bisschen merkwürdig an, wenn all die bekannten deutschen Schauspieler versuchen, so amerikanisch zu sein. Der Zielgruppe – Kindern nämlich – dürfte das allerdings egal sein. Wir haben schöne Kostüme, gute Schauspieler, eine tolle Landschaft; wer hätte gedacht, dass es im Harz aussehen könnte, wie in Ohio?. Tom Sawyer – Ab heute in den deutschen Kinos

Thing
Beinahe 30 Jahre nach Erscheinen des beklemmenden Horror-Klassikers von John Carpenter kommt hier kein Remake, auch kein Reboot und schon gar keine Fortsetzung. Dieser Film erzählt tatsächlich die Vorgeschichte. Wir erfahren also, wie das norwegische Forscherteam am Nordpol den Meteoriten findet und Kontakt mit dem Ding aus einer anderen Welt aufnimmt. Das Problem an dem Ding ist, dass es sich in alle Lebewesen verwandeln kann, die es berührt. Neben dem Effektefeuerwerk kann man sich also auf spannende Psychospielchen freuen und bestenfalls weiß man nie, wer nun wirklich wer ist. Hoffentlich kann der Film den hohen Erwartungen stand halten Die Version von 1982 ist nämlich einer meiner Lieblingshorrorfilme.

Das Wort zum Donnerstag

2011-11-18T03:29:00.000-08:00

Mitte November und es sieht so aus, als wäre das Kinojahr wirklich langsam gelaufen. Ich weiß, das habe ich schon sehr oft gesagt, aber so langsam scheint wirklich die Luft raus zu sein. Na gut! Wir erwarten sehnlich den Start des neuen Cronenbergs und bei uns ist noch immer nicht der neue Almodovar gelaufen. Es gibt in meinem Bekanntenkreis ein absolutes Verbot, irgendwas über „Die Haut in der ich wohne“ zu erzählen. Nur, weil der Verleih gepennt hat, und nicht ahnen konnte, dass die paar Kopien nicht reichen, lass ich mir nicht den Spaß verderben.

Aber irgendwie sind die Höhepunkte des Jahres 2011 vorbei. Es gab sehr viele Filme, die unglaublich gut waren. Man musste manchmal ein bisschen auf sie warten, und einige Filme über sich ergehen lassen, die weniger gut waren. Los ging's gleich mit einer Enttäuschung, aber keiner Überraschung. „Die Chroniken von Narnia – Die Reise auf der Morgenröte“ war genau so schwach, wie man es angesichts der schwachen Vorgänger erwarten durfte. Kein würdiger Abschluss, aber wenigstens ist es jetzt vorbei. Das Jahr der Fortsetzungen machte seinen Namen alle Ehre und warf gleich darauf den dritten Teil der Focker-Filme mit Robert De Niro und Ben Stiller ins Rennen. Auch hier gab es wenig Überraschungen, man war aber angemessen unterhalten und freute sich über gut gelaunte Superschauspieler. Dann wurde die Geduld wirklich heraus gefordert. „The Green Hornet“ von Michel Gondry bot nicht mehr als unteren Durchschnitt mit völlig alberner und überzogener Geschichte und blöden Figuren. Ein saudummer Film, dessen Überflüssigkeit nur noch von der Penetranz des Hauptdarstellers Seth Rogan übertroffen wurde. Gott sei Dank blieb mir gar nicht so viel Zeit, mich darüber zu ärgern, denn dann kam mit „Black Swan“ der erste richtige Höhepunkt im Jahr. Ich war so begeistert, dass ich schon angst bekam, das neue Jahr hätte all sein Pulver bereits im Januar verschossen und ich müsste mich den Rest von 2011 nur noch mit Gurken herum ärgern.

Der Februar belehrte mich eines Besseren. „Hereafter“, „127 Hours“ und „The King's Speech“ belohnten die Wartezeit und nährten die Freude, ins Kino zu gehen. Und dann gab es einige Ankündigungen, die mich ziemlich aufgeregt machten. Der neue Coen-Film stand vor der Tür und von „True Grit“ versprach ich mir einen intensiven und super spannenden Neo-Western mit einem fantastischen Jeff Bridges. Dass, meine Erwartungen nicht erfüllt wurden, ist nicht dem Film vorzuwerfen, aber irgendwie bin ich noch immer nicht ganz versöhnt. Das zeigt mal wieder, wie unterschiedlich der Eindruck, den man durch einen Trailer gewinnt im Vergleich zum eigentlichen Produkt sein kann. Nächster persönlicher Höhepunkt bildete „Sucker Punch“. Den Ankündigungen entsprechend sollte es ein Actionreißer werden, in dem heiße, knapp bekleidete Mädels massenhaft Monster metzelten. Und genau das war es auch. Welche kosmische Bedeutung Zack Snyder auch immer in sein Werk hinein gedichtet haben wollte, ich habe sie nicht gesehen und war deshalb auch nicht entttäsucht darüber. Im Gegenteil. Derartig kurzweilige Unterhaltung habe ich lange nicht mehr genießen dürfen. Es ist der perfekte Film, einfach nur abzuschalten und zu gaffen.
Anschließend gab es, eine kleine Durststrecke zu absolvieren. „World Incasion: Battle Los Angeles“ war Mist. Jaja. Alle haben's gewusst, aber ich wollte mich auf was cooles freuen. Schwamm drüber! „Thor“ war mittelmäßig okay. Viele gute Ansätze und Ideen aber viel verschenktes Potential. Eine Krankheit, die vielen Marvelverfilmungen innewohnt, die in letzter Zeit heraus kamen. Dann gab's Gänsehaut mit einem schockierend ehrlichen „Winter's Bone“, der ohne jeden Vorbehalt in die Schublade „Böse Filme“ geschoben werden muss. Im Juni war ich eigentlich den ganzen Monat über ziemlich platt. Schuld daran war der neue Film von Terence Malick. „Tree Of Life“ jagt mir immer noch wohlige Schauer über den Rücken, wenn ich nur daran denke. Ein unglaublich intensiver Film, der viel mehr erzählt, als man fassen kann. Dieser Film war die größte Überraschung und traf vollkommen unverhofft. Im Juli ging dann eine filmische Ära zu Ende, die vor zehn Jahren begann. Der letzte Film der Harry Potter Reihe lief an. Relativ ernüchtert von den letzten Vorgängerfilmen, war ich vom letzten Teil doch recht angetan. Ein würdiges Ende mit viel Tragik und Epicness. So muss es laufen. Abschluss heißt allerdings auch Abschluss. Wehe, es kommen irgendwelche Fortsetzungen oder Spin-Offs. Die werden dann wild entschlossen boykottiert. Der August bot mit „Super 8“ eine nostalgische Reise in die Vergangenheit und ließ feststellen, das J.J. Abrahms ein verlässlicher Filmemacher ist und man freut sich mehr als nur ein bisschen auf seine nächsten Projekte.

Im September ging es nach Leipzig zur Filmkunstmesse. Hier gab es einige sehr schöne Filme zu sehen, die mittlerweile angelaufen sind, oder erst noch kommen. Das absolute Highlight hier war der neue Film von Nicolas Winding Refn „Drive“. Dieser Film zählt für mich zu den Besten, die ich je gesehen habe. „Drive“ wäre ganz sicher der beste Film des Jahres 2011 gewesen. Allerdings startet er erst im Januar 2012 und wird somit automatisch zum besten Film nächsten Jahres gekürt. Ich kann mir im Moment nichts vorstellen, was dieses Werk übertreffen könnte. Ein schönes Festivalerlebnis bot das Preview von „Melancholia“. Lars von Trier konnte ich bis her nie so richtig genießen, aber diesmal hatte er es irgendwie geschafft. Der Film war klasse und mittlerweile dürfte ihn wohl jeder Interessierte gesehen haben.

2012 wird wieder die übliche Mischung aus lang angekündigten Blockbustern und vielen kleinen Filmen bieten. The Dark Knight Rises ist da ein wichtiger Fixpunkt, dem ich schon jetzt entgegen fiebere. Abgesehen davon bleibe ich einfach dabei, mich auf gute Filme zu freuen und hoffe, es ist nicht zu viel Mist dabei. Aber das Jahr ist lang und Überraschungen gibt es immer. Und dieses Jahr ist auch noch nicht vorbei. Es sind immerhin noch sechs Wochen, in denen viel passieren kann.

Der Doppelmoppel

2011-11-16T04:51:00.000-08:00

Ihr vermisst die letzte Rezension zu "Tyrannosaur"? Darauf müsst Ihr nicht warten, denn sie ist längst online. Den Film habe ich bereits im September auf der Filmkunstmesse in Leipzig gesehen und ihn jetzt zum Start im Sender besprochen. Da ich dachte, es wäre ein bisschen sinnlos, den gleichen Text zwei mal zu posten, spare ich mir das, und verweise an dieser Stelle auf den Artikel aus Leipzig. Viel Spaß beim nochmaligen Lesen.

Zur Rezension über "Tyrannosaur - Eine Liebesgeschichte" geht's hier!

Die Abenteuer von Tim und Struppi - Das Geheimnis der Einhorn

2011-11-09T04:29:00.000-08:00

Manchmal ist es schon lustig, was uns mit schlichten Werbeslogans eingetrichtert wird. Wenn man jetzt ganz unverbindlich fragt, wer denn einer der berühmtesten Comichelden der Welt ist, kommt man wahrscheinlich auf Superman, oder Batman. Vielleicht sogar Spider-Man, oder neuerdings auch Captain America. Doch die amerikanischen Superhelden sind nicht der Anfang der Comicgeschichte. Bereits 1929 erblickte der vom belgischen Zeichner Herge erfundene Reporter Tim und sein verdammt smarter kleiner Knuddelhund Struppi das Licht der Comicwelt und entwickelte sich tatsächlich zu einem der beliebtesten und bedeutendsten Figuren der europäischen Comickultur. Nun hat sich Steven Spielberg dieses Monstrum aus Superlativen geschnappt und verfilmt. Und das Ergebnis ist – gelinde gesagt – beeindruckend.

Tim ist ein aufgeweckter junger Reporter, der stets neugierig auf der Suche nach einer packenden Story durch die Weltgeschichte wandert. Eines Tages findet er auf einem Flohmarkt das Modell eines alten Schiffes – der Einhorn. Zunächst ist er nur von dessen Detailreichtum und Schönheit verzaubert. Doch als er es kaufen will, tauchen gleich zwei fremde Männer auf, die das Modell um jeden Preis haben wollen. Tim bleibt hart und behält das Schiff. Kaum zu Hause angekommen, erwacht bereits die Neugier und Tim versucht, heraus zu bekommen, was es mit dem Schiff auf sich hat. Als dann noch eingebrochen wird und das Model verschwindet, weiß er, es muss sich um ein großes Geheimnis handeln. Die Spur führt zu den Haddocks, einem altehrwürdigen Geschlecht echter Seebären, doch der einzige noch lebende Vertreter der Familie ist verschwunden und der merkwürdige Herr Sakharine hat irgendwas mit der ganzen Geschichte zu tun. Ehe es sich Tim versieht, ist er in ein aufregendes und gefährliches Abenteuer verstrickt.

Bei all den Comicverfilmungen, die am laufenden Band erscheinen, kann man schnell den Überblick verlieren, ganz zu schweigen vom Interesse. Für viele ist der neue Spielberg also wahrscheinlich lediglich nur ein weiterer Comicfilm unter vielen. Doch gibt es einen Unterschied. Spielberg hat nicht umsonst die Finger von all den Superhelden gelassen, die derzeit im Expressverfahren und nach Schema F auf die Leinwand flattern. Spielberg hat sich eine ganz besondere Vorlage ausgesucht und sie auch in etwas ganz besonderes verwandelt. Im Gegensatz zu seinen Kollegen hat er keine neue Story für den Film erfunden, sondern hält sich eins zu eins an die papierne Vorlage. Die Rechnung dahinter ist ganz einfach. Die Dramaturgie und Spannungskurve, die schon in Comicform funktioniert hat, funktioniert auch auf der Leinwand. Hier wird nichts hinzu gedichtet und es werden auch keine krampfhaften Storykapriolen vollführt, nur um etwa möglichst viele Figuren zu zeigen, obwohl diese in der Vorlage noch lange nicht auftauchen. Im Gegenteil; man lässt sich sogar relativ viel Zeit, die Figuren dieser Geschichte zu etablieren und auszubauen. Die Charaktere sind natürlich recht einfach gestrickt und behalten ihre comichafte Natur. Das ist natürlich auch dem Look des Films geschuldet. Die ersten Trailer ließen vermuten, es handele sich um eine Realverfilmung. Allerdings ist alles – also wirklich alles am Computer entstanden. Die zahlreichen, nicht unbekannten Schauspieler mimen die Figuren mit Hilfe der immer besser entwickelten Motion-Capturing-Technik, die man seinerzeit sehr eindrucksvoll bereits an Gollum bestaunen durfte. Kein Wunder also, dass Andy Serkis auch wieder mit von der Partie ist und den bärbeißigen, aber herzensguten Kapitän Haddock spielt. Das ganze Verfahren wurde soweit perfektioniert, dass man vor Staunen den Mund nicht zu bekommt. Es sieht wirklich alles unglaublich toll aus. An vielen Stellen fühlt man sich sogar genötigt, Vergleiche zu Camerons „Avatar“ zu ziehen. Tricktechnisch liegen Tim und Struppi in diesem Vergleich sogar eine Nasenlänge vorn.

„Die Abenteuer von Tim und Struppi – Das Geheimnis der Einhorn“ macht großen Spaß und Spielberg und Jackson haben es nicht nur vollbracht, eine schöne Adaption einer bekannten Comicgeschichte zu basteln, sie haben ihren ganz typischen Stil mit eingebracht und mehr als einmal kommt – sagen wir mal – Indy-Feeling auf. Die Bilder sehen geil aus. Also wirklich geil. So geil, dass man sich fragt, ob es mit echten Schauspielern und echten Kulissen nicht noch geiler ausgesehen hätte. Mal sehen, was der zweite Teil bringt. Der kommt irgendwann in den nächsten Jahren, müsste konsequenter Weise „Der Schatz Rackhams des Roten“ heißen und diesmal unter Regie von Peter Jackson entstehen.

The Adventures Of Tintin – The Secret Of The Unicorn (USA, 2011): R.: Steven Spielberg; D.: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, u.a.; M.: John Williams; Offizielle Homepage

In Weimar: CineStar

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The Guard - Ein Ire sieht schwarz

2011-10-27T02:07:00.000-07:00

Es gab schon allerlei merkwürdige Filmpärchen, die allein wegen ihrer, oft übertrieben dargestellten Gegensätze für Lacher gesorgt haben. Dieses Konzept bot in den letzten Jahren Stoff für viele, meist platte Komödien, die allein durch ihre Masse auffielen und im Gespräch blieben, selten aber wirklich anspruchsvoll unterhalten konnten. Genau an solche Filme denkt man nun auch, wenn man den Trailer zu „The Guard – Ein Ire sieht schwarz“ betrachtet.

Gerry Boyle ist Polizist in der Provinz. Vor allem aber ist er, wie viele andere auch ein Ire. „Polizist“ ist seine Berufsbezeichnung, aber egal, ob er die Uniform trägt oder nicht: Er ist irischer, als U2 und Kerrygold zusammen. Im Laufe vieler Dienstjahre hat er nicht viel Aufregendes erlebt. Hin und wieder ein paar besoffene Kids, die sich mit ihren Sportwagen um Bäume wickeln und Leute, die spurlos verschwinden, ihre Autos aber am Selbstmord-Hot-Spot des Dorfes abstellen. Eines Tages kommt der FBI-Agent Wendell nach Irland. Er kündigt die Ankunft einer großen Ladung Koks aus Kolumbien an. Die irischen Hintermänner der Drogentransaktion sind bekannt und nun gilt es, mittels gezielter Ermittlungsarbeit und gründlicher Befragung der Einheimischen, den Zeitpunkt und den Ort der Übergabe heraus zu finden. Boyle hat allerdings mit einem Mord in einem Ferienhaus zu tun und nimmt sich außerdem seinen freien Tag. Nicht nur, dass er sich sehr unkooperativ verhält, er macht auch noch durch sehr unangemessene rassistische Bemerkungen gegenüber seines schwarzen FBI-Kollegen auf sich aufmerksam. Aber so sind Iren nun mal.

Eines merkt man ganz schnell: Der irische Humor ist für unsere Verhältnisse sehr bissig und schwarz. Vor allem kommen die Schläge ganz unerwartet und insgeheim gluckst man auch bei den härtesten Rassistensprüchen. Boyle lässt derartige Bemerkungen mit einer Beiläufigkeit vom Stapel, dass man sich stets vor lauter Überraschung am Guinness verschluckt. Trotz des derben Tons, ist der Film sehr präzise und sauber gemacht. Es gibt stets ganz klare Bilder und fast schon klinisch-perfekte Kamerafahrten. Die raue irische Landschaft bietet einen krassen Kontrast zu diesem sauberen Stil. Sehr klar umrissen und präzise gespielt sind auch die Figuren im Film. Die Rollenverteilung ist völlig klar. Es gibt den typischen Antihelden, es gibt den typischen Recht schaffenden, moralisch gefestigten Helden, es gibt die trotteligen Dorfpolizisten, typische Frauen, weniger typische Frauen und ganz klassische Bösewichte. Diese klaren Charakterdefinitionen verwischen aber immer wieder und sehr coole Dialoge machen alle Figuren – ob Gute oder Böse – sehr sympathisch. Das macht es manchmal schwer, sich als Zuschauer für eine Seite zu entscheiden und das sorgt für eine ungewohnte Dynamik in der Story. Brendan Gleeson und Don Cheadle zeigen in dieser Zusammenarbeit, wie gut sie mit Gegensätzen umgehen können und beweisen einmal mehr, dass sie gute Schauspieler sind.

„The Guard – Ein Ire sieht schwarz“ ist eine Komödie mit bitterbösen Einwürfen, bei denen man manchmal fast peinlich berührt ist, dass man sie trotzdem so witzig findet. Ansonsten ist der Film absolut untypisch für alle Genreschubladen, in die man ihn vielleicht vorher stecken wollte. Es ist kein typischer Gangsterfilm und auch keine typische Buddykomödie. Es ist wohl einfach nur ein irischer Film.

The Guard (IRL, 2011): R.: John Michael McDonagh; D.: Brendan Gleeson, Don Cheadle, Mark Strong, u.a.; M.: Calexico; Offizielle Homepage

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Contagion

2011-10-21T05:09:00.000-07:00

Erinnert ihr euch noch an die Schweinegrippe? Oder wie lief das bei der Vogelgrippe? Nicht zu vergessen, die alljährliche Warnung vor irgendeinem Bazillus, der uns immer wieder und ständig ans Leder will. Doch ist das auch wahr? Nicht wenige vertreten da die Meinung, dass dieses ganze Theater lediglich Panikmache sei, um den multinationalen Pharmakonzernen die Taschen voll mit Geld zu schaufeln. Also ignoriert man diese ganzen Impfungen und tut einfach das, was man schon immer getan hat, wenn man sich eine Erkältung eingefangen hat. Aber was ist, falls es doch mal ernst wird?

Beth Emhoff ist viel unterwegs und ist gerade von einer Geschäftsreise aus China ins nordamerikanische Heimatstädtchen zurück gekehrt. Allerdings fühlt sie sich nicht so gut, schiebt das Unwohlsein aber der Erschöpfung und dem Jetlag zu. Ihr Ehemann kann allerdings gar nicht so schnell gucken, so schnell bricht sie plötzlich unter Krämpfen zusammen, fällt anschließend ins Koma und stirbt nur wenige Stunden später. Die Ärzte haben gar keine Zeit, sich all zu lange darüber zu wundern, denn überall auf der Welt erkranken die Menschen an einem unbekannten, aber unglaublich aggressiven Virus und sterben den Ärzten in einem nie da gewesenem Tempo unter den Händen weg. Wissenschaftler begeben sich nun auf die fieberhafte Suche nach einem Gegenmittel, während überall die sozialen Strukturen aus den Fugen geraten. In Städten sind die Menschen nun den Gefahren von Paniken, Unruhen und Plünderungen ausgeliefert und müssen sich zusätzlich des Krankheitserregers erwehren.

Steven Soderbergh ist kein Künstler. Er ist purer Handwerker und hat auch nie Zweifel darüber aufkommen lassen. Eben weil er sich auf das Handwerk konzentriert und sich nicht durch solchen Firlefanz, wie Ästhetik, oder gar dem Kreieren metaphorischer Sinnbilder ablenken lässt, hat er ironischer Weise einen ganz eignen und typischen Stil geschaffen. Bei Soderbergh ist immer alles ganz klar und detailliert dargestellt und dieser Stil funktioniert gut, egal, ob er nun eine Komödie oder einen Thriller produziert. Ganz schlicht und nüchtern – ja geradezu kalt – berichtet der Film von den Ereignissen und sorgt so für ein Gefühl der Echtheit, welches man bei diesem Thema vielleicht gar nicht so intensiv erleben möchte. Logische Konsequenz dieses Konzepts – und vielleicht der einzige kleine Wermutstropfen: Insgesamt hätte ich mir den Film spannender gewünscht. Eigentlich ist man ja froh, dass es eben kein reißerischer und übertriebener Actionfilm geworden ist, aber wenn man sich an Dustin Hofmann in „Outbreak“ erinnert, vermisst man bei „Contagion“ schon ein bisschen das aufregende Gefühl des Hin-und Herrutschens im Kinosessel. Ebenso schlicht, wie der Erzählstil des Films, sind die Darstellungen des sagenhaften Casts. Alle Darsteller scheinen perfekt für die jeweilige Rolle besetzt zu sein – selbst Gwyneth Paltrow – und füllen diese Rollen entsprechend überzeugend. Und durch den Verzicht auf allerlei Schmuckwerk funktioniert dieser Film so gut. Dieser fast schon dokumentarische Stil sorgt eigentlich für die meiste Gänsehaut. Wir haben Angst vor Finanzkrisen, Terroristen oder Außerirdischen? Es reicht ein kleiner verdammter Bazillus, den man einatmet, um den ganzen Planeten leer zu fegen. Das finde ich gruslig.

„Contagion“ tickt anders, als Genre-Brüder. Das merkt man spätestens dann, wenn eine der Hauptrollen bereits nach etwa drei Minuten das Zeitliche segnet. Obendrein bietet der Film eine unverhohlene und sehr mutig inszenierte Gesellschaftskritik und durch das starke und massenwirksame Szenario kommt diese Kritik sogar bei einer sehr großen Zahl von Menschen an und verbreitet sich vielleicht. So ähnlich, wie ein Virus.

Contagion (USA, 2011): R.: Steven Soderbergh; D.: Matt Damon, Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, u.a.; M.: Cliff Martinez; Offizielle Homepage

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Restless

2011-10-19T05:01:00.000-07:00

Gus Van sant ist ein regisseur, der sich stets für die einfachere Lösung entscheidet, wenn er einen Film macht. Nie wird es bei ihm spektakuläre Actionszenen oder noch nie dagewesene Spezialeffekte geben. Er schafft es aber immer, trotz – oder wegen – seines schlichten Stils, einen enormen Tiefgang zu erzielen. Er widmet sich immer in erster Linie den Menschen in seinen Geschichten. Immer geht es um ihre Gefühle, darum, wohin sie von ihren entscheidungen gebracht werden. Das war bei „Good Will Hunting“ so, ebenso bei „Elephant“ und so ist es auch in seinem neuen Film „Restless“

Es geht um Enoch, der ein bisschen seltsam ist. Er spricht mit dem Geist eines japanischen Kamikazepiloten und besucht gerne Beerdigungen völlig fremder Menschen. Er kann nicht genau sagen, was ihm daran so fasziniert. Eines Tages trifft er auf einer Trauerfeier Annabel. Sie teilt seine Vorliebe für Trauerfälle, interessiert sich im Gegensatz zu Enoch nicht für den Tod, sondern für alle Facetten des Lebens. So ist sie zum Beispiel eine leidenschaftliche Vogelkundlerin und zeichnet gerne. Überhaupt scheint sie mit ihrem wachen Verhalten den etwas in sich gekehrten Enoch aus der Reserve zu locken. Zwei Dinge sind schnell klar. Die beiden verlieben sich und trotz ihres Glücks hat alles einen ganz furchtbar tragischen Haken.

Gus Van Sant hatte zusammen mit Matt Damon und Ben Affleck mit „Good Will Hunting“ einen wunderbaren kleinen Film geschaffen, der irgendwie perfekt die Waage hielt zwischen einer ganz zarten, anmutigen Schönheit und tiefer Tragik. Besonders die Stimmungen und Dialoge zwischen den Figuren waren gleichermaßen voller Hingabe und etwas, was man irgendwie schwer fassen konnte. Ganz klar war die Botschaft. Das Leben schenkt dir nichts und du musst es selbst in die Hand nehmen. Bei „Good Will Hunting“ bestand die Tragik noch in dem Umstand, dass die Hauptfigur es eben einfach nicht in die Hand nahm und sich ihr Lebensglück aus Stolz immer wieder versagte. Bei „Restless“ funktioniert es ein bisschen anders. Hier gibt es nicht einmal die Möglichkeit, etwas in die Hand zu nehmen. Hier steht ein junges und glückliches Liebespaar ganz alleine der geballten Macht der höheren Gewalt gegenüber. Klingt sehr nach einer typischen Tragödie. Aber der Film handelt all diese schwermütigen Themen auf eine dezent lockere und sehr natürliche Art und Weise ab. Eben wieder diese anmutige Schönheit und die leise Tragik, die in perfekter Harmonie Hand in Hand gehen. Die beiden Hauptdarsteller Henry Hopper und Mia Wasikowska spielen ganz dezent und schlicht, schaffen es aber auf überzeugende Art, den beiden klar umrissenen Figuren Leben ein zu hauchen. Eigentlich straft jede weitere Hervorhebung einer Sache, die mir besonders aufgefallen ist, den ganzen Stil des Films Lügen, denn eigentlich gibt es nichts, was hervorstechen kann. Alles ist ein stimmiges Ganzes. Eine schöne Geschichte, mit tollen Schauspielern, schöner Musik und einem talentierten Regisseur, der das Gefühl für die Geschichte nie aus den Augen verliert.

„Restless“ ist schön, aber auch tragisch. Es geht um das Finden des Glücks und das Festhalten des Selben. Und wie kein anderer Film, erinnert uns „Restless“ daran, dass alles irgendwann endet. Wie in einem Elliot Smith Song.

Restless (USA, 2011): R.: Gus Van Sant; D.: Henry Hopper, Mia Wasikowska. Ryo Kase, u.a.; M.: Danny Elfman; Offizielle Homepage

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Melancholia

2011-10-04T05:28:00.000-07:00

Bundesstart: 6. Oktober 2011

Über Lars von Trier muss man an dieser Stelle gar nicht mehr viel sagen. Oft gelobt und noch öfter diskutiert, hat er sich in der Filmwelt einen festen Platz als ambitionierter Künstler geschaffen. Seine Filme heben sich stets von allem anderen ab und lassen sich schwer in eine bestimmte Genre-Schublade stecken. Es gibt viele Fans, die seine Arbeiten abgöttisch lieben und es gibt mindestens genau so viele Menschen, die oft nichts damit anfangen können. Ich zähle mich eher zu Letzreren. Anstatt mich darüber aufzuregen, erkenne ich von Triers Werk als abstrakte Kunst an, die das Medium Film nicht nur auf unkonventionelle Weise nutzt, sondern es jedes Mal aufs neue zu revolutionieren versucht. Genug der Wortklaubereien und Zeit für Klartext: Hier kommt „Melancholia“

Justin ist frisch verheiratet und ist mit ihrem Bräutigam auf dem Weg zur Hochzeitsfeier. Diese findet im nagelneu errichtetem Familienanwesen ihres Schwagers John statt. Die ganze Familie ist versammelt. Die Stimmung ist gedrückt, denn das Brautpaar hat sich verspätet und es gilt ein langes Programm zu absolvieren. Während des Essens, des Tanzes und des Anschneidens der Hochzeitstorte werden viele Reden geschwungen und schnell wird klar, dass die Familie tief gespalten ist und Justin zum Dreh- und Angelpunkt des familiären Glücks geworden ist. Sie sieht sich also enormen Druck ausgesetzt und ist sich sicher, diesem nicht standhalten zu können. Ihre Schwester Claire sorgt sich derweil um etwas völlig anderes. Aus den Tiefen des Weltalls kommt der Planet Melancholia auf die Erde zugerast. Auch, wenn die Wissenschaftler allesamt versichern, der Planet würde die Erde nur knapp passieren und das Ereignis als spektakuläres Naturschauspiel feiern, verbreitet die Ankunft des Planeten eine gedrückte Stimmung und man kann sich des Eindrucks nicht erwehren, dass die gesamte Hochzeit unter keinem guten Stern steht.

Die beiden Storyteile sind sehr simpel und durch lediglich sehr groben Elementen miteinander verbunden. Trotzdem hängt alles zusammen und ist mit schlichten, aber wirkungsvollen Bildern untermalt. Die Einführung des Films ist in hochauflösender Suprazeitlupe gedreht und bildet den visuellen Höhepunkt des gesamten Films. Hier tobt sich von Trier richtig aus, nur um dann die eigentliche Geschichte in einem sehr harten Dogma-Stil zu erzählen. Durch den reduzierten Stil haben allerdings die Schauspieler alle Möglichkeiten, sich zu entfalten und sie liefern allesamt eine sehr intensive Darstellung ab. Sie wirken in diesem Film ganz natürlich. Man bekommt den Eindruck, ganz normale Menschen zu beobachten und keine Schauspieler, die so tun, als wären sie ganz normale Menschen. Das hätte ich Kirsten Dunst zum Beispiel nicht zugetraut. Doch besonders sie wächst enorm über sich hinaus und vermittelt eine tiefgespaltene Person, die im Verlauf des Films unglaublich viele Facetten des menschlichen Verhaltens zeigt. Trotz des abstrakten Stils des Films, wird die Geschichte auf sehr klare Weise erzählt. Die Story ist sowieso das Wichtigste und gewinnt immer mehr an Intensität und man ist förmlich zum Zerreißen angespannt. Das ist eine Eigenschaft, die fast alle von Trier-Filme teilen. Ob der Mann jetzt Künstler, oder Visionär ist, er weiß, wie man Geschichten erzählt. Das führt mich zu der Vermutung, dass er durch seinen unkonventionellen Stil bewusst provoziert. Andere Regisseure seines Formats haben diesen radikalen Kunststil nämlich wesentlich konsequenter durchgezogen.

„Melancholia“ ist anders. Anders, als andere Filme und anders, als „Antichrist“, der schockierende von Trier-Vorgänger. Doch auch hier verarbeitet der Künstler tief verwurzelte Depressionen, die durch die unglaublichen Dimensionen des Filmes sogar noch intensiver rüber kommen, als bei all seinen Filmen davor. Unabhängig davon, ob man alles versteht, oder ob man von Triers Auffassung über das Leben und der Menschheit teilen kann, „Melancholia“ ist beeindruckend. Auf gewisse Art der Höhepunkt von Triers' Schaffens. Doch auch hier gilt die Regel des schwer Einzuordnenden. Superlative funktionieren hier nicht, denn der Film lässt sich eigentlich mit nichts vergleichen.

Melancholia (DK, S, GB, 2011): R.: Lars von Trier; D.: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt, u.a.; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

Der Filmblog zum Hören: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Der große Crash - Margin Call

2011-09-30T08:40:00.000-07:00

Kaum ein anderes Thema prägt unsere täglichen Nachrichten derzeit mehr. Finanzkrisen und Börsencrashs. Fotos von entsetzten Gesichtern der Broker zieren die Tageszeitungen und Oliver Stone sieht sich genötigt nach zwanzig Jahren eine Fortsetzung seines Wall Street Thrillers „Wall Street“ zu drehen. Doch auch andere Filmschaffende beschäftigen sich mit der Thematik. Regieneuling JC Chandor inszenierte nun auf Initiative Kevin Spaceys und Jeremy Irons '„Der Große Crash – Margin Call“ und stellt die Ereignisse um den Lehmann Crash 2008 nach.

New York, vor drei Jahren. Bei einem Bankenkonzern werden zahlreiche Mitarbeiter entlassen. Eine Prozedur, welche oft vorkommt und bei welcher die Firma sehr effizient und routiniert vor geht. Diesmal trifft es auch den Abteilungsleiter für Risikomanagement, Eric. Bevor er geht, drückt er einen der jüngeren Mitarbeiter noch ein paar Daten in die Hand. Nach Analyse dieser Daten stellt sich heraus, dass sich die Firma offensichtlich verspekuliert hat und kurz vor dem Zusammenbruch steht. Auch etwas, was jeden Tag passieren kann in diesem Geschäft. Allerdings hat es diesmal niemand kommen sehen. Schnell werden die Bosse zusammengetrommelt und man entscheidet sich für eine sehr folgenschwere Lösung.

Die Einzelheiten des gesamten im Film beschriebenen Vorgangs kapiert wahrscheinlich kein Mensch, der sich nicht mit dem ganzen Aktiengeschäft auskennt. Das trifft auf so ziemlich jeden Menschen zu, den ich kenne. Es ist mir nach wie vor ein Rätsel, wie jemand mit reinen Fantasiebeträgen reich werden kann. Offensichtlich geht es aber, denn die Figuren im Film haben allesamt ein nettes Sümmchen auf ihren Konten angehäuft. An dieser Stelle unternimmt der Film auch gar keinen Versuch, dem Zuschauer die Komplexität und Verworrenheit der Wall Street näher zu bringen. Hin und wieder kommen einem dramaturgische Kniffe zu Hilfe. Zum Beispiel weiß man, dass man über den eben gehörten Satz schnell noch mal nachdenken muss, wenn die Musik einsetzt. Außerdem führen die Figuren an manchen Stellen erläuternde Gespräche. Das sind Zugeständnisse an den Zuschauer, die allerdings nicht unpassend oder zu konstruiert wirken. Insgesamt hat der Film einen sehr zugänglichen Ton, was nicht zu letzt der geradezu sagenhaften Riege an hochkarätigen Schauspielern zu verdanken ist. Kevin Spacey, Demi Moore, Jeremy Irons, Paul Bettany und Zachary Quinto sind allesamt gute Schauspieler, und dem Zuschauer diese Geschichte zu vermitteln, ist vielleicht ihre größte Herausforderung gewesen. Man fragt sich natürlich, wie es denn sein kann, dass einige einzelne Menschen mit derartig großen Beträgen hantieren können, und damit ein ganzes Finanzsystem zu Fall bringen können. Der Punkt ist, dass es so bombastisch und kompliziert anmutet und sich kein normaler Mensch damit auseinander setzen will. Paul Bettany sinniert sogar: „Die Menschen wollen das. Sie geben uns einen Haufen Geld, damit wir das tun, was wir tun.“ Überhaupt wird immer nur von „der Sache“ oder „dem Geschäft“ gesprochen, was die gesamte Problematik der allgemeinen Unwissenheit unterstreicht. Selbstverständlich wird auch der moralische Aspekt „der Sache“ angesprochen, der manchen Figuren mehr und anderen weniger zu Schaffen macht. Aber egal, welche Skrupel diese Figuren auch haben mögen, nichts hindert sie daran, alles zu tun, da sie letztlich alle auf ihren eigenen Vorteil bedacht sind.

„Der große Crash – Margin Call“ ist auf den ersten Blick nichts Besonderes. Solche Szenen und Gespräche hat man schon in „Wall Street“ und zahlreichen ähnlichen Filmen gehört und gesehen. Interessant ist allerdings die Botschaft, die dahinter steht, die sich dem Zuschauer erst viel später erschließt. Egal, wie groß „die Sache“ auch ist, nichts verhindert den großen Crash und der nächste wartet schon. Und noch eine Sache ist absolut sicher. Kein Börsencrash der Welt hat bis jetzt dafür gesorgt, dass sich irgendwas verändert. Und diese Erkenntnis gibt nun vielleicht ein paar Menschen mehr zu denken.

Margin Call (USA, 2011): R.: J.C . Chandor; D.: Kevin Spacey, Jeremy Irons, Paul Bettany, Zachary Quinto, u.a.; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

Der Filmblog zum Hören: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Filmkunstmesse Leipzig - Donnerstag

2011-09-23T09:52:00.000-07:00

Der letzte Abend in Leipzig. Morgen geht es wieder nach Hause. Auch, wenn die Filmkunstmesse für mich nicht ganz so gelaufen ist, wie ich es mir vorgestellt hatte, war es eine schöne Woche und ich habe einige hochinteressante Filme sehen können. Zeit für ein kleines Resumé.
Das Highlight für mich war auf jeden Fall „Melancholia“ (*), was man ja bereits gestern an einem leicht verzückten Tonfall bemerkt haben dürfte. Auch der Eröffnungsfilm „Habemus Papam“ war eine angenehme Überraschung. Das ist sowieso das, was am meisten Spaß macht. Man bekommt gute Filme zu sehen, die man überhaupt nicht auf dem Zettel hatte und sie machen Spaß. Insgesamt hinterlässt die Organisation des Festivals leider einen leicht fahlen Nachgeschmack. All diese Veranstaltungen, zu denen man als akkreditiertes Mitglied der Presse nur halb oder gar keinen Zutritt hatte machen keinen besonders guten Eindruck. Natürlich muss man anmerken, dass es sich um eine Fachmesse für die Branche handelt. Aber wenn man sich entscheidet, diese Messe zu öffnen, dann doch bitte richtig. Leipzig ist ein guter Standort und die Filmauswahl ist hervorragend. Es wäre schade, wenn dieses Potential verschenkt werden würde und ich hoffe sehr, dass die Filmkunstmesse in den nächsten Ausgaben offener wird, und so auch die Möglichkeit erhält, zu wachsen.

19:45 Uhr

Bei der Vorstellung der Programmkinostudie 2011 wurde immer wieder der deutsche Film erwähnt, und wie wertvoll Programmkinos für den deutschen Film wären. Also suche ich mir für heute einen entsprechenden Film aus. In der Schauburg wird der neue Film von „Friendship!“ - Regisseur Markus Goller gezeigt.
„Eine ganz heiße Nummer“ ist der Titel und er spielt in einem kleinen bayrischen Dorf. Hier hat die Finanzkrise zugeschlagen und die Glashütte des Ortes muss geschlossen werden, so dass viele Einwohner ihren Job verlieren. Aber auch der ansässige Lebensmittelladen hat zu kämpfen, denn die Einwohner fahren lieber zum nächsten Supermarkt, weil es dort natürlich billiger ist. Die drei Damen des Ladens, Waltraud, Maria und Lena versuchen nach Kräften, den Laden zu halten, doch da flattert ein Brief von der Bank ins Haus. Der Kredit wird gekündigt und sie müssen sehr schnell sehr viel Geld auftreiben. Maria wird indes ständig von einem obszönen Anrufer belästigt und da kommt ihr eine Idee, mit der die anderen beiden zunächst gar nicht einverstanden sind und von der das Dorf natürlich auch absolut nie etwas erfahren darf, schon gar nicht, da sich der Dekan zum Besuch angekündigt hat.

Der Film funktioniert nach dem gleichen Prinzip, wie schon „Sommer in Orange“ oder „Kalender Girls“ und lebt vor allem von den starken Kontrasten, die natürlich zahlreiche skurrile und komische Situationen provozieren. Das ganze in enorm ausgeprägter bayrischer Mundart, ergibt eine lockere Komödie, die zu unterhalten versteht. Schön ist, dass man Gisela Schneeberger wieder sieht, die ich zu Letzt in Gerhard Polts „Man spricht Deutsh“ erlebt habe und der diese Rolle wie auf den Leib geschneidert ist, Lustig sind auch die ersten Gehversuche als Telefonistinnen, die vor allem durch den Dialekt enorm großen Spaß machen. Auch, wenn der Film nicht die gleiche Intensität und Rafinesse, wie seinerzeit „Friendship“ erreicht, ist er eine liebenswerte kleine Komödie geworden, die ganz frech an den Stellen weiter geht, vor denen „Sommer in Orange“ ganz brav halt gemacht hat.
„Eine ganz heiße Nummer“ läuft ab dem 27. Oktober in den Kinos und ist – wie sollte es auch anders sein – sehr zu empfehlen.
Nett war außerdem, dass Regisseur Markus Goller selbst anwesend war, sich den Film mit dem Publikum zusammen angesehen hat und anschließend sehr sympathisch Fragen beantwortet hat. So kam dann doch am letzten Abend noch einmal richtiges Festivalfeeling auf.

Das war es von der Filmkunstmesse in diesem Jahr. Auf dem Blog wird es noch ein bisschen weiter gehen und all die Filme, die jetzt in aller Kürze besprochen wurden, begegnen uns natürlich wieder.

Eine ganz heiße Nummer (D, 2011): R.: Markus Goller; D.: Gisela Schneeberger, Bettina Mittendorfer, Rosalie Tomass, u.a.; M.: Peter Horn u,a,; Offizielle Homepage

Kineast On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

(*) Freitag Vormittag durfte ich noch unverhofft „Drive“ sehen. Die Sache mit dem Highlight ist also nicht mehr ganz so eindeutig. Dazu dann später mehr...

Filmkunstmesse Leipzig - Mittwoch

2011-09-22T04:23:00.000-07:00

12:00 Uhr

Der dritte Tag in Leipzig verwöhnt wieder mit perfektem spätsommerlichen Wetter und das motiviert. Auf einen dezenten Hinweis eines Hörers hin werden die letzten Kleinigkeiten an der Technik gefixt, so dass diese kurz vor Toresschluss dann endlich so funktioniert, wie sie soll.

17:00 Uhr

Per Mail flattert eine Einladung herein. Der Vorstand der Filmförderungsanstalt – kurz FFA – stellt die Programmkinostudie 2011 vor. Hier wird in Statistiken und Zahlen dargelegt, wie viele Programmkinos es in Deutschland gibt, wie viele Arthousefilme im Jahr in entsprechenden Kinos laufen, wie viele Zuschauer in Arthousefilme und -kinos gehen, wie alt diese Zuschauer sind, wie viel sie im Kino essen und trinken, und und und... Enorm viele Zahlen, die insgesamt ein sehr interessantes Bild ergeben, nämlich, dass es Programmkinos vorwiegend in großen Städten gibt, dass der Marktanteil insgesamt in diesem Jahr ein bisschen zurück gegangen ist, dass Kunstfilme, oder eben Arthousefilme ihre größten Erfolge in reinen Programmkinos erzielen, und dass es trotz einer zunehmenden Digitalisierung des Kinos – nicht zu Letzt durch 3D – es vor allem die Filme sind, die auf derartige technische Spielerein verzichten, die von den meisten Zuschauern am besten bewertet werden. Im Zusammenhang damit, ruft der Veranstalter der Filmkunstmesse Leipzig, die AG Kino, übrigens zu einem Umrüstungsstopp in allen Mitgliedstheatern auf. Der Grund hierfür ist, dass einige Verleihfirmen in letzter Zeit gerne Kinos vernachlässigt haben, die noch nicht über digitale Ausrüstung verfügen, sich nun aber immer noch weigern, die anfallenden Umrüstungskosten für die Lichtspielhäuser zumindest teilweise zu tragen. Die Ergebnisse der Studie und alle Zahlen und Statistiken einzeln abrufbar, findet ihr hier.

20:30 Uhr

Foyer Schauburg

Wie gestern angekündigt, mache ich mich auf den Weg, um mir „Melancholia“ anzusehen. Auch, wenn mir von Triers letzter Film „Antichrist“ nicht gefallen hat, kam ich nicht umhin, mich vom Hype um sein neues Werk anstecken zu lassen. Der letzte Trailer versprach unglaublich tolle Bilder und sofort musste ich an „Tree Of Life“ denken. Also auf zur Schauburg, ein weiteres sehr sympathisches Kino in Leipzig. Hier erwartet mich eine große Menschenmenge, die sich um den Eingang und die Kasse des Kinos drängt. Offensichtlich wollen all diese Menschen in den gleichen Film. Es heißt Schlangestehen und dann heißt es „Wir sind voll“. Resigniert will ich schon gehen, da verkündet jemand das unerwartete Auftauchen weiterer sechs Tickets. Unglaubliche Szenen spielen sich ab, die nicht weiter vertieft werden müssen. Fakt ist: Ich bin der letzte Mensch, der in den Saal eingelassen wird und noch während ich meinen Platz in der ersten Reihe suche, starrt mich Kirsten Dunst in Supra-Zeitlupe an und dazu erklingt das Tristan-Thema von Richard Wagner. Und dann geht es los und hört erst nach zwei Stunden auf. An dieser Stelle will ich gar nicht mehr verraten, denn irgendwie braucht der Film auch noch eine Weile, um sich zu setzen. Nur so viel: Es ist ein beeindruckender Film und Lars von Trier hat sein Talent für das Tragische und für das Kreieren einprägsamer Bilder weder verloren noch neu erfunden. Kirsten Dunst liefert eine sehr beeindruckende Leistung ab, die nicht umsonst mit der Palme D'or des Cannes honoriert wurde.

Im Schaukasten: Melancholia

All zu lange muss das Publikum nicht mehr warten, denn „Melancholia“ startet am 6. Oktober auch in Weimar und spätestens dann wird es hier einen ausführlichen Beitrag dazu geben. Um im Tonus der letzten Tage zu bleiben: Es wird dringend empfohlen, den Film zu sehen
Morgen stehen einige Filme auf dem Programm, deren Titel mir noch nicht viel sagen, und ich weiß noch nicht, für welchen ich mich entscheiden werde. Einfach überraschen lassen.

Melancholia (DK, S, GB, 2011): R.: Lars von Trier; D.: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt, u.a.; Offizielle Homepage

Der Nächste Kineast: Freitag, irgendwann zwischen 10:00 und 13:00 Uhr, auf Radio Lotte Weimar

Filmkunstmesse Leipzig - Dienstag

2011-09-21T06:12:00.000-07:00

12:00 Uhr

Nach dem gestrigen Debakel mit der Technik, wird heute als erstes das Equipment gesichtet, getestet, dran herum gespielt und letztendlich sogar einigermaßen zum Laufen gebracht. Tagsüber wird ein bisschen in der Stadt herum gefahren und das spät sommerliche Wetter versöhnt etwas mit dem Umstand, dass man nun doch plötzlich viel mehr Zeit hat, als ursprünglich gedacht.

22:15 Uhr

Dann geht es wieder in die Passagenkinos in der Innenstadt, eine Einrichtung, die es mir irgendwie angetan hat. Es hat alles ein ganz besonderes Flair, welches irgendwie an goldene, längst vergangene Tage denken lässt. Auch ist die Filmauswahl, die hier in der Regel präsentiert wird, sehr interessant und hebt sich angenehm von anderen mainstreamiger geprägten Multiplex-Kinos ab. Hier fand gestern bereits die Eröffnungsveranstaltung statt und hier hin verschlägt es mich auch am heutigen Abend.
Es wird „Tyrannosaur – Eine Liebesgeschichte“ gezeigt, der Regie-Erstling des englischen Schauspielers Paddy Considine. Considine ist hierzulande nicht all zu bekannt, hat aber bis heute in knapp 30 – überwiegend britischen – Produktionen mitgespielt. Beim diesjährigen Sundance Festival gewann er den World Cinema Regiepreis und der Film gilt schon jetzt als ein absolutes Highlight der britischen Filmkultur.

„Tyrannosaur“ erzählt von Joseph, der alleine in einem verwahrlosten Vorstadtviertel lebt. Er ist stets stark gerizt und stürzt sich, ohne große Überlegungen in jeden sich bietenden Konflikt. Er sieht in seiner ständigen Wut selbst ein Problem und weiß nicht, wie er sie beherrschen soll. Eines Tages kommt er in den Laden von Hannah. Sie betreibt eine Art An- und Verkauf für die ärmeren Bewohner des Viertels, lebt selbst allerdings in gut betuchten Verhältnissen. Sie ist sehr gläubig und fühlt sich berufen, sich Joseph anzunehmen und sich um sein Seelenheil zu kümmern. Der sieht in ihren Ansichten allerdings bloß Konfliktpotential und fackelt nicht lange, ihr kräftig vor den Kopf zu stoßen. Bald stellt sich allerdings heraus, dass Hannah mit ihrem Leben und ihrer Ehe mit einem ziemlich gestörten Ehemann ganz und gar nicht zufrieden ist und Joseph merkt, dass er wohl doch etwas für sie empfindet, und sei es nur Reue.

Was sich zunächst anhört, wie eine ganz normale Liebesgeschichte, entpuppt sich schnell als einer der ehrlichsten Filme, die ich in letzter Zeit gesehen habe. Es fällt auf, dass jüngst viele, sehr harte und deprimierende Filme aus Großbritannien kommen. Man denke bloß an „Harry Brown“ und im letzten Jahr an „Fish Tank“. Angesichts der heftigen Krawalle, die das Land erschütterten, dürfte wohl jeder mitbekommen haben, dass auf der Insel einiges im Argen liegt. „Tyrannosaur“ nimmt den Zuschauer an die Hand, führt ihn mitten hinein, und lässt ihn dann dort stehen. Man bekommt die gesamte und ungeschönte Wahrheit zu sehen. Vielen Menschen geht es schlecht und sie leben am Existenzminimum, wohin gegen ein kleiner Teil der Bevölkerung ein wohlhabendes Leben führen darf. Das ganze Land ist voller Kontraste und die prallen in diesem Film ungehemmt aufeinander. Die beiden Hauptdarsteller Peter Mullan und Olivia Colman liefern unglaublich detailierte und intensive Darstellungen ab und Regisseur Paddy Considine unterstützt diese starke Leistung mit einem unglaublich nahen Stil. Dieser Film deprimiert und fasziniert zugleich und auch wenn nicht viel Schönes zu sehen ist, schafft er ein Quasi-Happy-End, ohne gekünstelt, oder aufgesetzt zu wirken.

Ganz sicher ist „Tyrannosaur“ ein großes Highlight in diesem Restkinojahr, das lange im Gedächtnis bleiben wird und das schaffen nur Filme, die über etwas Wahres und Echtes berichten. An dieser Stelle also der gleiche Text, wie gestern. Ab 13. Oktober läuft der Film in den deutschen Kinos und wird dringend empfohlen. Das war's vom Messe-Dienstag. Morgen wird es um die filmgewordene Traurigkeit gehen, denn ich werde mir Lars von Trier's Melancholia ansehen. Bis dann.

Tyrannosaur (GB, 2011): R.: Paddy Considine; D.: Peter Mullan, Olivia Colman, Eddie Marsan, u.a.; M.: Dan Baker; Filmstartsseite

Der nächste Kineast: Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Filmkunstmesse Leipzig: Montag

2011-09-20T04:39:00.000-07:00

16:00 Uhr

Nachdem die Anreise souverän absolviert ist, und an der Pressestelle das sogenannte Badget abgeholt ist, wird zunächst das Programm studiert. Erste große Ernüchterung: Zu den meisten Vorführungen hat die Presse keinen Zutritt. All die viel versprechenden Titel und Filme, auf die ich mich eigentlich am meisten gefreut habe, sind den Branchenbesuchern – also Kinobetreibern und Vertretern von Filmverleihen vorbehalten. Hier wird ganz gut deutlich, welche Ursprünge dieses Festival hat. Eigentlich nur als Fachmesse gedacht, sprach sich die Veranstaltung immer mehr herum und wurde nun auch für Publikum und Presse geöffnet. Ein paar Perlen sind dann doch dabei: So wird unter anderem die diesjährige Überraschung aus Großbritannien „Tyrannosour“ gespielt und das Außenseiterprojekt „This Must Be The Place“ mit Sean Penn, welches schon jetzt viel zu viel Berühmtheit für diesen Status erlangt hat. Wen wundert's? Es geht um Rock'n'Roll!

20:00 Uhr

Vom Schaukasten abfotografiert: Habemus Papam

Nach der ersten Aufregung und der ersten Beruhigung widme ich mich dem Eröffnungsfilm. Ein Titel, von dem ich vorher noch nichts gehört hatte, den man sich allerdings merken sollte, bis er in Deutschland demnächst startet. „Habemus Papam“ heißt er, hat einen etwas unglücklichen deutschen Titel bekommen und bildet das neue Werk des gefeierten italienischen Regisseurs Nanni Moretti. Es geht um Kardinal Melville, der nach dem Tod des Papstes zu dessen Nachfolger gewählt wird. Also eigentlich wurde er ja von Gott erkoren, dieses ehrenvolle, höchste Amt ausüben zu dürfen. Allerdings ist Melville ein sehr sensibler Mensch, der lieber in den Tag hinein lebt und Gott auf seine liebenswerte Art dient. Er ist mit dieser Aufgabe völlig überfordert und weigert sich schlicht, seine Pflichten als neuer Pontifex zu erfüllen. Der Vatikan ist völlig ratlos und lässt einen Psychologen kommen, da ist der heilige Vater allerdings schon ausgebüxt. Dieser Film wurde in Italien ein absoluter Überraschungserfolg und selbst viele Wochen nach Kinostart, werden die Schlangen an den Kinokassen nicht kürzer. Grund hierfür ist wohl, dass einschlägige, katholische Zeitungen des Landes den Film verrissenen und behaupteten, er würde ihre Religion beleidigen. Die Wogen versuchte Radio Vatikan zu glätten, indem verlautbart wurde, der Film wäre sehr menschlich und würde das Amt des Papstes keinesfalls ins Lächerliche ziehen. Dem kann ich nur zustimmen. Mit sehr schlichten Bildern werden viele fremdartig anmutende Szenen dargestellt, etwa die Wahl des Papstes, welche ja stets unter Ausschluss der Öffentlichkeit statt findet, oder eine skurrile Volleyball-Meisterschaft im Hof der Sixtinischen Kapelle. Melville wird sehr gekonnt und gründlich von Hauptdarsteller Michel Piccoli verkörpert und all das, was den Film eigentlich zur Komödie machen sollte wirkt einfach nur schön und so, als habe man an etwas besonderem Teil.
„Habemus Papam“ ist ein kleiner Film, der sich einer faszinierenden Thematik widmet und das Kunststück vollbringt, den Quasigott Papst, zu dem zu machen, was er eigentlich ist: Ein Mensch. Der Film hat in Deutschland am 13. Dezember Bundesstart und wird hiermit ausdrücklich empfohlen.

Passagenkino Leipzig

3:34 Uhr...

Nach stundenlangen Kämpfen mit der mitgebrachten Technik ist der Radiobeitrag für Dienstag endlich fertig. Das Ergebnis ist nicht besonders befriedigend, denn das eingebaute Laptopmikrofon bietet nicht die gewünschte Klangqualität. Morgen ist auch noch ein Tag und der verspricht hoffentlich zumindest den Sieg über die Technik. Drückt die Daumen!

Habemus Papam (I, 2011):R.: Nanni Moretti; D.: Michel Piccoli, Jerzy Stuhr, Nanni Moretti, u.a.; M.: Franco Piersanti; Offizielle Homepage.

Der nächste Kineast im Radio: 21.09.2011 um 11:35 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Midnight in Paris

2011-09-08T04:20:00.000-07:00

Er ist ein wahres Phänomen der Filmgeschichte. Seit mehr als 40 Jahren ist er unermüdlich dabei, neue Filme zu schreiben, zu produzieren und hin und wieder in ihnen mit zu spielen. Es geht stets um die Wirren menschlicher Beziehungen, und diese Wirren werden in verstrickten Dialogen ausdiskutiert, bis es kein Halten mehr gibt. Habe ich in den letzten Jahren seine Filme gelangweilt, ja sogar erbost verlassen, betrachte ich Woody Allens neuen Film „Midnight in Paris“ fast als Friedensangebot.

Gil und Inez sind frisch verlobt und besuchen die französische Hauptstadt. Während Gil vom faszinierenden Flair der Stadt der Liebe begeistert ist, schwärmt Inez eher für Modebouthiquen und Einrichtungshäuser. Inez' Eltern sind auch in Paris und sie fühlen sich gar nicht wohl, denn der Vater – ein republikanischer Hardliner – nimmt den Franzosen ihre Außenpolitik dermaßen übel, dass er die Stadt abgrundtief zu hassen beginnt. Die Letzten im Bunde sind Paul und Carol, ein befreundetes Paar, welches ebenfalls in Paris verweilt, um Urlaub zu machen. Paul ist ein echter Klugscheißer, wie er im Buche steht und hat zu allem und jeden einen belanglosen Kommentar parat. Bei derartiger Gesellschaft beginnt Gil, sich schnell zu langweilen, sucht er doch eigentlich Inspiration für seinen Roman. Doch keiner seiner Freunde teilt seine nostalgische und romantische Ader. Eines Abends steuert Gil nach einer Weinverkostung leicht beschwipst durch die pittoresken Straßen auf der Suche nach seinem Hotel. Als es Mitternacht schlägt hält plötzlich ein altmodisches Auto und dessen Insassen laden ihn ein, zu einer ganz besonderen Party zu fahren. Plötzlich landet Gil im Haus von Scott und Zelda Fitzgerald und trifft dort nicht nur Ernest Hemmingway, sondern sogar Gertrude Stein und Pablo Picasso, die allesamt seine ganz persönlichen Helden sind. Er verbringt eine rauschende Nacht und am nächsten Morgen glaubt er, er hätte alles geträumt.

Wer in den letzten Jahren den Blog verfolgt hat, weiß vielleicht jetzt schon, wie mir „Midnight in Paris“ gefallen hat. HA HA! Irrtum. Entgegen aller Erwartungen war ich nämlich recht angetan und sogar fast schon amüsiert über den neuen Film. Auch, wenn es im Kinosaal um mich herum ununterbrochenes Gekicher und Gegluckse gab, und ich mich nicht getraut habe, zu fragen, was gerade so lustig sei, fühlte ich mich hier seit langem mal wieder wohl in einem Woody Film. Woody Allen hat eben eine sehr altmodische Art, Filme zu machen und Geschichten zu erzählen. Dass sein Konzept nicht mehr zeitgemäß ist, merkt man jeder Minute des Films an. Aber er ist eben Woody Allen. Er geht auf die 80 zu und es sind wohl keine Quantensprünge mehr zu erwarten und den großen Wurf, hat er doch in all den Jahren und ebenso vielen Filmen längst absolviert. Mich störte, dass seine Filme immer einfallsloser wurden. Oberflächliche Figuren, die sich stundenlange belanglose Debatten über Seeigelzefish lieferten. Furchtbar. Mit dem Element der Reise in die Vergangenheit kommt nun endlich etwas Abwechslung rein, so albern und unrealistisch es auch sein mag. Es ist schon fast niedlich, auf welch plumpe Art die mäßig kostümierten und geschminkten Berühmtheiten in die Handlung eingeführt werden und entbehrt nicht einer gewissen unfreiwilligen Komik. Hier blitzt auch hin und wieder Allens Talent für die alte Komödie durch, welches er in seinen nächsten Filmen vielleicht ein bisschen mehr einfließen lassen sollte. Außerdem sind zahlreiche hochkarätige Schauspieler zu sehen, die in ihren Rollen sehr viel Spaß zu haben schienen, inklusive Owen Wilson als Gil. Es gibt einige lustige Situationen, in denen Gil mit Hemingway über seinen Roman und mit Salvador Dali über die Ästhetik von Nashörnern diskutiert. Die Gespräche in der Gegenwart sind eher Allen-untypisch, wischt er doch all die Kleinigkeiten, die sonst stets Gegenstand ewiger Gespräche waren rotzfrech und fast schon schnoddrich zur Seite.

Trotz all der positiven Dinge, die mir plötzlich an seiner Arbeit auffallen, ist „Midnight in Paris“ immer noch ein typischer Allen-Film, auch wenn ich mir mittlerweile von einigen Allen-Experten bescheinigen ließ, dass ihnen dieser Film nicht besonders gefallen hat. Darin kann ich nur Gutes erkennen und freue mich nun fast schon auf den nächsten Streich. Der kommt nächstes Jahr, trägt den etwas kryptischen Titel „The Bop Decameron“ und zeigt Jesse Eisenberg und Ellen Page. Yay!

Midnight in Paris (USA, F, 2011): R.: Woody Allen; D.: Owen Wilson, Rachel McAdams, Kathy Bates, Adrien Brody, u.a; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

Kineast On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Kineast bei der Filmkunstmesse Leipzig 2011

2011-09-06T05:38:00.000-07:00

Vom 19. bis zum 23. September findet in Leipzig die 11. Filmkunstmesse statt, ein festival, welches sich wachsender Beliebtheit sowohl bei Fachbesuchern, wie auch dem öffentlichen Publikum erfreut. Ich werde da sein und mir das ganze Theater mal ansehen. Neben zahlreichen Filmen, deren Titel ich noch nie vorher gehört habe, die aber allesamt interessant zu werden versprechen, freue ich mich schon jetzt auf einige Filme besonders. Es wird unter anderem der neue David Cronenberg ("A Dangerous Method"), wie auch der diesjährige Cannes-Regiepreis-Gewinner "Drive" gezeigt.

Hier wird es jeden Tag eine Art Live-Ticker geben, der die Impressionen der Messe und erste Eindrücke von den gesehenen Filmen nach lesen lässt.
Ich freu mich wie ein Honigkuchenpferd und es werden ein paar schöne Tage im schönen Leipzig werden.

Los geht's dann ab Montag (19.09.) Nachmittag.
Bis spätestens da hin.

Mein bester Feind

2011-09-05T06:35:00.000-07:00

Wir mögen spannende Geschichten. Geschichten, in denen die unterschiedlichen Menschen mit unterschiedlichen Eigenschaften unter besonderen, vielleicht sogar extremen Umständen mit ihren eigenen Dämonen konfrontiert werden, sind immer die besten und bieten guten Stoff, der es wert ist, ebenso spannend und gut verfilmt zu werden. Diese Voraussetzungen bringt auch der neue Film von Wolfgang Murnberger „Mein bester Feind“ mit. Was fängt der gefeierte Regisseur von solch heiß diskutierten Filmen, wie „Silentium“ und „Der Knochenmann“ mit diesen Zutaten an?

Wien 1930. Die jüdische Familie Kaufmann gehört zu den angesehensten Bürgern der Stadt und betreibt eine international hoch anerkannte Galerie. Der Sohn Victor ist ihr ganzer Stolz und bereitet sich darauf vor, das Familiengeschäft zu erben. Leicht hatte es die Familie in der letzten Zeit aber nicht. Ihre Zweigstelle und Wohnung in Nürnberg mussten sie wegen der aufkommenden Anfeindungen gegen die jüdische Gemeinde räumen und Deutschland verlassen. In Wien haben sie nun Ruhe gefunden und hoffen natürlich, diese Ruhe so lange wie möglich erhalten zu können. Eines Tages taucht dann Rudi auf. Er ist der Sohn des Hausmädchens der Familie und ist bei den Kaufmanns aufgewachsen. Er gehört praktisch zur Familie. Bei einer Vernissage wird das Gerücht geäußert, die Familie sei in Besitz einer lange verschollenen Zeichnung Micheangelos. Das erweckt das Interesse der Nazis, die mittlerweile vor den Toren Wiens stehen. Mussolini hat sich nämlich für einen Staatsbesuch in Berlin angekündigt und um die Allianz zu festigen, will Hitler ihm diese Zeichnung übergeben. Hier kommt Rudi ins Spiel, denn der hegt heimlichen Hass gegen die Familie Kaufmann. Sein Leben lang fühlte er sich unter den Scheffel gestellt und hatte immer das Gefühl, im Schatten der reichen Herrschaften zu stehen. Er wird Mitglied der SS und verrät dem Kommandanten, wo sich das Versteck der Zeichnung befindet. Die Zeichnung wird beschlagnahmt und die Familie kurzerhand ins KZ geschickt. Bei einem vorbereitenden Besuch einer italienischen Delegation stellt ein Kunstexperte allerdings fest, dass es sich bei der beschlagnahmten Zeichnung um eine Fälschung handelt. Rudi bekommt nun nachdrücklich den Auftrag, die echte Zeichnung zu besorgen und begibt sich deshalb ins KZ, um den dort inhaftierten Victor aufzusuchen. Der ist natürlich gar nicht begeistert, seinen Peiniger und ehemaligen besten Freund wieder zu sehen.

Ohne irgendein Gefühl des Bedauerns oder schlechten Gewissens könnte ich jetzt hier die gesamte Handlung des Filmes, inklusive des leicht vorhersehbaren Endes nach erzählen. Insgesamt hat der Film bei mir nämlich keinen so guten Eindruck hinterlassen. Die Figuren sind allesamt oberflächlich konzipiert und bei den beiden Hauptcharakteren fragt man sich andauernd nach deren Motiven und Gedanken. Außerdem ist die Verlagerung eines spannenden Katz-und-Maus-Spiels in die Geschichte der Nazidiktatur auch eher verunglückt. Durch das ständige Hin und Her zwischen den beiden Kontrahenten mit haarsträubenden Situationen von Rollentausch über unlautere Verhörmethoden und Verfolgungsjagden gerät die Darstellung des eigentlich ernsten historischen Hintergrunds sehr verharmlosend. Auch nimmt man Georg Friedrich seinen plötzlichen und radikalen Sinneswandel nicht recht ab und Moritz Bleibtreu behält einen neutralen Gesichtsausdruck bei, ob es nun um das Anziehen einer SS-Uniform und das sich Ausgeben als Nazisoldat geht, oder das Leben im KZ; Bleibtreu guckt immer gleich. Er ist durchaus ein guter und fähiger Schauspieler, der aber stets einen bestimmten Typ Menschen spielen kann, der in seinen Eigenschaften wahrscheinlich im Wesentlichen Bleibtreus eigenem Charakter entspricht. Und das kann er eben nicht abstellen, wenn er mal eine andere unterschiedliche Figur spielen muss. Das hat man im Übrigen auch schon in „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ gesehen. Bleibtreus Darstellung von Goebbels war sicher wohl vorbereitet und mit viel Mühe erarbeitet, überstieg aber seine Fähigkeiten.

„Mein bester Feind“ ist unausgegoren und oberflächlich und wirkt obendrein noch verharmlosend. Von bitterböser Satire und dem inneren, wie auch äußeren Kampf zwischen Gut und Böse oder Richtig und Falsch ist hier leider nichts zu spüren und Murnberger bietet mit diesem Film nur noch einen blassen Schatten seiner selbst. Schade, denn die Kombination der Darsteller und der einzelnen Sotryteile hätte wesentlich spannender sein können. So wird hier lediglich Potential verschenkt. Nochmal Schade!

Mein bester Feind (AT/D, 2011): R.: Wolfgang Murnberger; D.: Moritz Bleibtreu, Georg Friedrich, Ursula Strauss, u.a.; M.: Yariv Vaknin; Offizielle Homepage

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Kineast On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Sommer in Orange

2011-09-05T06:02:00.000-07:00

Der Sommer ist da! Auch, wenn wir sehr lange darauf warten mussten, werden wir jetzt dafür mit der vollen Ladung belohnt. Doch was ist das? Wieder scheint es Stimmen zu geben, die nicht zufrieden zu stellen sind. Es wäre zu warm? Wann regnet es denn endlich? Früher war alles besser! Früher war alles besser? Ja, auch was das angeht, musste ich mich belehren lassen und erfahren, dass heutige Sommer doch gar nix mehr sind im Vergleich zu den Sommern der wilden 80er. Damals hat man es noch verstanden, einen richtigen Sommer zu zelebrieren und die Farbe des Sommers war damals nicht langweiliges Lavendel, sondern Orange!

Eine Gruppe Bahgwan Sonnenanbeter kommt aus der grauen und tristen Großstadt Berlin ins ländlich idyllische Talbichl mitten in Bayern. In Zeiten der Teilung und des kalten Krieges sollte man sich über jene stets freundlich gesinnte Menschen eigentlich freuen können. Als sie jedoch das Therapiezentrum Talbichl eröffnen wollen und ihren täglichen Ritualen nach gehen, sind die Bewohner des vorwiegend katholisch geprägten Dorfes verunsichert. Nicht nur das vermeintliche Lotterleben dieser Tunichtgute, auch die Freizügigkeit der Sonnenanbeter sorgt für ständige Schocks. „Ja wer kümmert sich überhaupt um die Kinder? Was sind die? Vegetarier? Soll das heißen, die essen kein Würstel zum Kartoffelbrei? Das schmeckt doch gar nicht. Und überhaupt! Diese bunten Klamotten. Sowas haben wir in unserer Jugend nicht getragen und wenn meine Kinder in so einem Aufzug nach Hause kämen, würde ich denen dir Hammelbeine lang ziehen. Und überhaupt! Wie die alle aussehen. Die sehen doch aus wie Terroristen. Ja Ja! Terroristen sind das. Ganz bestimmt. Und, was die für Gesänge ausstoßen. Nicht, dass es am Ende gar Teufelsanbeter sind. Und überhaupt! Die haben doch den ganzen Tag nichts besseres zu tun, als splitterfaser nackt durch den Garten zu hüpfen. Wenn die Kinder das sehen, dann ist doch klar, dass die völlig durchdrehen und nur noch Flausen im Kopf haben...“

Marcus Rosenmüller kommt aus Bayern und hat sich bereits in seinem letzten Film „Die Perlmutterfarbe“ mit der Kultur seiner Heimat auseinander gesetzt. Diesmal lässt er diese Kultur auf extreme Kontraste prallen. Die zugeknöpften und konservativen Dorfbewohner aus dem tiefsten Bayern treffen auf die freikörperkulturell veranlagten Sonnenanbeter, die der freien Liebe frönen und ihr Schakkra pflegen, als gäbe es kein Morgen. Zusätzlich dreht sich aber auch alles um die Frage nach der eigenen Identität, der vor allem die zugezogenen Kinder nach gehen. In der Schule zwischen all den Dorfkindern, finden diese mit ihren ungewöhnlichen Sichtweisen kaum Anschluss und versuchen nun, sich zu integrieren. Das wiederum findet deren Mutter gar nicht in Ordnung. Rosenmüller pflegt hier wieder ein Motiv, welches er häufig einsetzt. Er rückt Kinder in den Fokus und sie übernehmen die Hauptrollen. Dadurch wird die ohnehin verwirrende Situation noch komplexer, da man alles aus Sicht der Kinder dargestellt bekommt. Das macht die Geschichte enorm dynamisch und abwechslungsreich und verstärkt den ohnehin krassen Kontrast zwischen diesen beiden Welten noch um ein Vielfaches. Erstaunlich ist, dass es die recht charismatischen Darsteller, wie Petra Schmidt-Schaller oder Oliver Korittke schaffen, sich zurück zu nehmen und die Bühne tatsächlich den Kindern überlassen können.

„Sommer in Orange“ ist ein netter kleiner Film, dessen Hauptmotiv natürlich die großen Unterschiede zwischen den Lebenseinstellungen der Sonnenanbeter und der bayrischen Dorfbewohner ist. Der Film gibt sich keine große Mühe, noch mehr dazu zu packen und nutzt dieses eine Motiv voll aus. Das nimmt ihm etwas an Originalität und macht ihn manchmal etwas zu vorhersehbar. Trotzdem ist es solide Unterhaltung. Nicht mehr zwar, aber immerhin auch nicht weniger.

Sommer in Orange (D, 2011): R.: Marcus H. Rosenmüller; D.: Petra Schmitt-Schaller, Oliver Korittke, Georg Friedrich, u.a.; M.: Gerd Baumann; Offizielle Homepage

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Planet der Affen - Prevolution

2011-08-22T11:29:00.000-07:00

Es ist immer wieder der Affe. Immer wieder werden unsere nächsten Verwandten im Tierreich als Motiv für mehr oder weniger spannende Geschichten verwendet. Sei das King Kong, als Urmonstrosität des Films schlechthin, oder die Vorabendserie „Unser Charly“, in der ein abgerichteter Schimpanse das Leben in einer typisch deutschen Bilderbuchfamilie genießt. Ein echtes Phänomen bietet da die Filmreihe rund um den Planeten der Affen. 1968 landete Charlton Heston nach einem missglückten Weltraumflug auf jener Welt, die der Erde ganz ähnlich war und musste feststellen, dass hier die Affen das Sagen hatten und die Menschen in Käfigen und Zoos lebten. Nach vier Fortsetzungen, die immer verworrener und trashiger wurden, endete die Serie, um 2001 neu gestartet zu werden. Hier versuchte Tim Burton, die Story mit einem düsteren Touch zu versehen, fuhr außerdem unglaublich detaillierte Affenkostüme und Masken auf und ließ das Ganze letztlich doch zu einem oberflächlichen Actionstreifen verkommen, der an den Kassen schweren Schiffbruch erlitt. Zehn Jahre später rechnete wohl niemand mit einer ernst zu nehmenden Fortsetzung der Reihe, denn trotz ihrer relativen Bekanntheit, sind sich Fans und Kritiker einig: „Planet der Affen“ war nie wirklich gut und hat den Status des soliden Durchschnitts selten überflügeln können. Grund genug also, sich den neuesten Ableger „Planet der Affen – Prevolution“ mit einer gesunden Portion Skepsis zu nähren.

Will ist Wissenschaftler und Hirnforscher. Er hat ein neuartiges Mittel entwickelt, welches ein krankes Gehirn dazu bringt, neue Hirnzellen zu generieren. Dadurch soll zum Beispiel Alzheimer geheilt werden. Bevor das Präparat in den Handel kommen kann, muss es natürlich ausgiebig getestet werden. Dazu werden in Wills Labor zahlreiche Affen gehalten – vorwiegend Schimpansen. Eine Affendame spricht besonders gut auf das Mittel an und zeigt eine enorm gesteigerte Intelligenz. Doch bevor es zur Präsentation vor den Geldgebern gehen kann, dreht das Tier durch und greift seine Pfleger an. Im Eifer des Gefechts wird sie getötet und ihr aggressives Verhalten dem Medikament in die Schuhe geschoben. Will entdeckt allerdings den wahren Grund. Die Affendame hat ein Junges bekommen und wollte es lediglich verteidigen. Will nimmt sich des Affenbabys Caesar an und lässt es zu Hause einziehen. Der Kleine zeigt sehr schnell eine enorme Intelligenz, die weit über das kognitive Verhalten seiner Artgenossen oder gar gleichaltriger Menschen hinaus geht. Nach einigen Jahren gibt es allerdings ein Unglück. Wills verwirrter Vater bekommt Ärger mit dem spießigen Nachbarn, der enorm gereizt und aggressiv auftritt. Caesar beobachtet den Streit und greift den Nachbarn an, um Wills Vater zu beschützen. Caesar wird nun in ein Tierheim gesteckt, wo er das erste Mal mit anderen Affen in Kontakt kommt und außerdem das erste Mal merkt, dass die meisten Menschen ganz und gar nicht freundlich mit Tieren umgehen. Bald ersinnt er einen Plan, sich und seinen misshandelten Mitaffen zu helfen.

„Gott sei Dank ist die Brücke ganz geblieben“. Mein Papa vertritt da die Einstellung, sich keine Filme anzusehen, in denen die Golden Gate Bridge in San Francisco beschädigt, oder gar zerstört wird. Wenn es nur darum geht, kann ich ihm „Prevolution“ schon mal bedenkenlos empfehlen, auch, wenn es zwischendurch knapp wird und schlecht aussieht für die schönste Brücke der Welt. Muss man diesen Film so oberflächlich bewerten? Man muss nicht, aber man kann. „Prevolution“ hat viele gute Ansätze, die der Film aber irgendwie nicht weiterführt. Das fängt bei den Charakteren an, geht mit der visuellen Darstellung weiter und endet mit der Story. Der Reihe nach: Alle Figuren, einschließlich des Hauptaffen, sind nur oberflächlich und substanzlos entwickelt. Es ist fast so, als hätte man eine Schablone für typische Charaktere genommen und diese eingebaut, ohne dass den Figuren eine tiefere Bedeutung zugestanden wurde. Was die Darstellung der Affen angeht, haben WETA mal wieder großartige Arbeit geleistet. Die Mimik und Gestik sind unglaublich gründlich animiert und mit Hilfe des Meisters der Motion-Capturing-Methode Andy Serkis nahezu perfektioniert worden. Das Design der Tiere ist allerdings zu fett geraten. Die Affen sehen doch zu unrealistisch aus. Sie sind viel zu groß und mächtig und man sieht sofort, dass es sich um unechte Tiere handelt. Der Hauptkritikpunkt ist die Oberflächlichkeit der Story. Gerade auf dem Gebiet der Forschung mit Menschenaffen wurden in den letzten 30 Jahren enorm viele Erkenntnisse gesammelt, so dass man den Science-Fiction-Part der Geschichte getrost durch echte Fakten hätte ersetzen können. So wirkt das ganze insgesamt übertrieben und unrealistisch und eben so, als hätte man sich nicht ausreichend Gedanken gemacht, wie man dieses vielseitige Thema umsetzen könnte. Doch Halt! Will dieser Film ein exaktes Spiegelbild der heutigen wissenschaftlichen Kenntnisse über Menschenaffen reflektieren? Viel mehr erzählt „Prevolution“ doch die Vorgeschichte eines abgefahrenen Science-Fiction-Films, in der die Affen als Fleisch gewordene Katharsis der Menschheit auftreten, und wir gezeigt bekommen, wie sehr wir unser Schicksal vielleicht jetzt schon aus der Hand gegeben haben und uns von Technik und Wissenschaft abhängig gemacht haben. So ist der Film auch mit liebevoll und clever eingebauten Zitaten auf die alten Filme durchsetzt und sogar der berühmte Heston-Satz wurde in einer verblüffend wirkenden Schlüsselszene verwendet.

„Planet der Affen – Prevolution“ ist gute Unterhaltung und auch, wenn er die eigentliche Thematik nicht mehr als oberflächlich anreißt, kann man diesen Aspekt vielleicht ausblenden. Wenn man der Film nämlich in Hinblick auf die gesamte Serie bewertet, haben wir hier tatsächlich den besten Teil, der den Titel „Planet der Affen“ trägt und man darf gespannt sein, wie es in den kommenden Filmen weiter geht. Vielleicht bieten die Fortsetzungen dann auch den entsprechenden Tiefgang auf thematischer Ebene.

Rise Of The Planet Of The Apes (USA, 2011): R.: Rupert Wyatt; D.: James Franco, Freida Pinto, Andy Serkis, u.a.; M.: Patrick Doyle; Offizielle Homepage

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Super 8

2011-08-11T05:56:00.000-07:00

Und mal wieder schwelgen wir in Erinnerungen an die gute alte Zeit, in der Filme noch echte Geschichten erzählt haben; als es noch Filme gab, die einen unergründbaren Zauber mitbrachten. Große Namen bringt man mit ebenso großen Filmtiteln in Verbindung und man sucht dieser Tage sehr lange, bis einem vergleichbare Titel in den Sinn kommen. Seit ein paar Jahren treibt sich ein Regisseur in Hollywood herum, der es tatsächlich schaffen könnte, den alten Zauber von ET und Konsorten wieder aufleben zu lassen. J.J. Abrams schaffte es, die angestaubte Star Trek Franchise mit einem mächtigen Stromschock wieder zu beleben und etablierte ebenso das tot geglaubte Genre des Found-Footage-Movies in den Kinos neu. Nun meldet er sich mit einem ebenso überraschenden, wie auch überzeugendem Machwerk zurück und bleibt seiner Erfolgskurve treu.

Wir befinden uns in einer typischen amerikanischen Kleinstadt in den 70er Jahren. Hier lebt Joe mit seinem Vater zusammen. Seine Mutter ist gerade bei einem Unfall im Stahlwerk gestorben und der sensible Junge flüchtet sich in Arbeit. Sein bester Freund Charles dreht nämlich einen Film. Er will mit seinem Werk an einem lokalen Filmfestival teil nehmen und nimmt dieses Projekt sehr ernst. Mit Hilfe seiner Freunde hat er auch schon einige Szenen abdrehen können, doch fehlt noch das gewisse Etwas. Das verspricht er sich von der schönen Alice. Sie hat nicht nur verborgene schauspielerische Talente, sondern kann Auto fahren. Außerdem hat sie es Joe angetan und er hat sich sofort in sie verliebt. Die erste Szene soll am Bahnhof der Kleinstadt spielen und Charles erhofft sich tolle Aufnahmen, als auch noch ein Güterzug heran gerast kommt. Während der Szene geschieht allerdings ein Unglück und der Zug entgleist spektakulär. Alle Kinder überstehen den Unfall beinahe unbeschadet und können beobachten, dass irgendwas aus einem Waggon ausgebrochen zu sein scheint. Als dann noch das Militär anrückt, ergreifen sie die Flucht. Nun erhoffen sie sich mehr Aufschluss von der Aufnahme ihrer Super 8 Kamera, die das gesamte Unglück gefilmt hat.

Wie bei J.J. Abrams üblich, lag auch „Super 8“ eine regelrecht virale Werbekampagne zu Grunde. Der erste Teaser zeigte lediglich das Zugunglück und die schwer zu missverstehende Botschaft „It Arrives“. Zusätzlich gab die Homepage des Filmes seine Inhalte nur preis, wenn man sich seiner alten BASIC-Programmier-Kenntnisse erinnerte, denn die ganze Seite war aufgebaut, wie jenes erste Betriebssystem. Die Spekulationen wurden immer wilder und der Hype um den Film entwickelte sich quasi von alleine. Die große Überraschung: Es ist kein Actionthriller im Found-Footage-Stil, sondern eine typische Abenteuergeschichte um eine Gruppe von Außenseiterkids in der amerikanischen Kleinstadt. Ein Motiv, welches nicht zu Letzt durch die Herren Spielberg und King sehr ausgiebig geprägt wurde. Und genau daran erinnert auch der ganze Stil des Films. Die Ästhetik entspricht typischen Genrestreifen und auch die Story erinnert stark an ET, oder etwas grusliger eben, an ES. Die Figuren sind auch entsprechend typisch ausgefallen. Es gibt den sensiblen fantasievollen Jungen, es gibt den dicken, cholerischen, aber irgendwie liebenswerten Jungen, es gibt DAS Mädchen und lauter böse Erwachsene, die nie zu hören und den Kindern sowieso nicht glauben. Ach ja! Und dann gibt es noch das Monster, welches angesichts der starken Charaktere und der Rahmenhandlung beinahe in den Hintergrund rückt und so zur eigentlichen Rahmenhandlung degradiert wird. Das ist auch das Kunststück, welches Spielberg seinerzeit immer wieder gelang, dass trotz all der Effekte und der Science-Fiction in seinen Filmen, die eigentliche Geschichte eine ganz andere war. Es waren stets Geschichten über Freundschaft und Zusammenhalt und auch über den Glauben daran, das Richtige zu tun. Bei „Super 8“ erwacht sozusagen auch der Spielberg und wie früher, wurde auch hier die Spannung immer wieder durch witzige und erheiternde Einwürfe aufgelockert. Abrams zeigt hier auch ein leider sehr seltenes Talent, nämlich die Kinderschauspieler so an zu leiten, dass sie natürlich wirken und nicht so, als hätten sie einfach nur ihren Text auswendig gelernt. Lobend zu erwähnen wäre auf jeden Fall noch die Arbeit von Michael Giacchino. Der Haus- und Hofkomponist beweist wieder einmal, wie kreativ man mit simplen Melodien einen abwechslungsreichen Soundtrack kreieren kann. Auch hier fällt mir ein ganz großer Name zum Vergleich ein.

„Super 8“ ist toll und schafft es, total unverkrampft, ein altes Genre, wieder zu beleben, ohne es in eine neue Form pressen zu wollen. Vielleicht haben wir hier tatsächlich einen würdigen Nachfolger für eben jene großen Namen gefunden und man darf sich nun voller Spannung auf Abrams' nächsten Streich freuen und der heißt ja dann wohl „Star Trek 2“

Super 8 (USA, 2011): R.: J.J. Abrams; D.: Joel Courtney, Kyle Chandler, Elle Fanning, u.a.; M.: Michael Giacchono; Offizielle Homepage

In Weimar: CineStar

Kineast On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Barney's Version

2011-08-11T03:52:00.000-07:00

Romanverfilmungen haben es immer schwer. Viele Leute haben das Buch gelesen und gehen also mit entsprechenden Erwartungen ins Kino, die natürlich meistens nicht erfüllt werden. Handelt es sich um ein Buch, welches sehr große finanzielle Erfolge einfahren konnte, wird die Sache noch ein bisschen schwieriger. Das Studio will möglichst viel Geld aus der Zitrone pressen, also werden supertolle und vor allem superteure Schauspieler engagiert, ein hochkarätiger Regisseur wird eingesetzt und der Autor des Romans bekommt Zutritt zum Set und darf alle Nasen lang intervenieren, wenn ihm irgendwas nicht passt. Dieser ganze Aufwand, nur um hinterher von der Mehrheit der Zuschauer zu hören, dass das Buch doch besser sei, obwohl das eigentlich von vorn herein klar war? Es gibt seltene, aber um so angenehmere Ausnahmen, wie der neue Film von Richard J. Lewis, „Barney's Version“ beweist.

Barney hat ein Problem. Er hat die perfekte Frau gefunden. Sie ist wunderschön, intelligent und witzig und Barney hat das erste Mal in seinem Leben das Gefühl, richtig verliebt zu sein. Wo liegt jetzt eigentlich das Problem? Ach ja! Barney hat diese besagte Frau gerade kennen gelernt und zwar auf seiner eigenen Hochzeit. Er hat der reichen tochter eines angesehenen Mitglieds der jüdischen Gemeinde das Jawort gegeben und schon hat es ihn eiskalt erwischt. Nun ist er wild entschlossen, alles zu unternehmen, um Miriam zu bekommen und heckt einen rafinierten und perfiden Plan aus, um seine Ehefrau irgendwie loszuwerden. Ausführung dieses Plans kommt es allerdings nicht, denn Barneys bester Freund Boogie funkt dazwischen und sorgt sozusagen aktiv dafür, dass die Scheidung eingereicht wird. Umgehend. Barney lässt keine Minute tatenlos vergehen und rast sofort nach New York, um sich um seine Angebetete Miriam zu kümmern. Bald führt er zusammen mit ihr ein gutes Leben. Mit dem Geld, welches er bei einer Produktionsfirma für billige Seifenopern verdient, kann er sich und seiner jungen Familie ein gutes Leben bieten. Doch nach einer Weile scheint Miriam unzufrieden mit ihrem Leben zu sein, ein neuer, viel zu netter – ja geradezu scheißfreundlicher – Nachbar kommt immer wieder zu Besuch und ein Polizist bedrängt Barney immer wieder und bezichtigt ihn eines schweren Verbrechens.

Paul Giamatti ist ein guter Schauspieler. Ich mag ihn sehr, denn er spielt immer ganz normale Typen; den unteren Durchschnitt sozusagen. Oder er spielt Typen, die ganz und gar nicht normal sind, gibt ihnen aber durch seine Darstellung eine sehr sympathische und natürliche Note, wie man zum Beispiel in „Shoot 'em Up“ sehr eindrucksvoll sehen kann. In „Barney's Version“ spielt er den sarkastischen, neurotischen, aber irgendwie liebenswerten Barney Pernofsky, den der Film durch sein ganzes Leben begleitet, der dem Zuschauer ein unglaublich detailiertes Fenster in die wilden 70er Jahre öffnet. Die Atmosphäre des Films wird durch einen dezenten, aber irgendwie auch bissigen und sarkastischen Ton geprägt, der im Film immer wieder als typisch jüdischer Humor klassifiziert wird. Neben einer nahezu epischen Erzählart fällt aber eben vor allem die charismatische Hauptfigur in den Fokus. Paul Giamatti spielt vielseitig und überzeugend die unterschiedlichen Altersstufen der Figur. Besonderes Augenmerk liegt auf Dustin Hoffman, der als Barneys Vater und alternder Polizist einen kleinen, aber denkwürdigen Auftritt absolviert. Der Film ist außerdem durchsetzt mit gleichermaßen witzigen, wie auch traurigen Szenen und bietet damit alle Zutaten für eine waschechte Tragikomödie, die zusätzlich noch auf wahren Begebenheiten basiert. Richard J. Lewis hat sich für einen schlichten, leicht angestaupten Stil entschieden, der in seiner Ästhetik an „Der Pate“ oder „Es war einmal in Amerika“ erinnert. Dieses Gefühl kommt auf durch die alten Autos, oder durch die Frisurenund nicht zu Letzt durch ein leicht körniges und blasses Bild. Zusammen mit der sehr schönen Musik von Pasquale Catalano ergibt sich ein stimmiges Kleinod, derer Art man lange nicht gesehen hat.

„Barney's Version“ ist ein sehr schöner Film, der immer wieder zwischen Witz und Melancholie hin und her schwankt. Der Film wurde zwar im Vorfeld immer mit Alexander Paynes „Sideways“ verglichten, die einzige Gemeinsamkeit ist aber tatsächlich der Hauptdarsteller, der hier eben beweist, wie vielseitig ein Schauspieler sein kann, der bisher lediglich als Charakterdarsteller gehandelt wurde. Vielleicht wird es demnächst dann tatsächlich einen Durchbruch für Paul Giamatti geben.

Barney's Version (USA, 2010): R.: Richard J. Lewis; D.: Paul Giamatti, Dustin Hoffman, Rosamund Pike, u.a.; M.: Pasquale Catalano; Offizielle Homepage

Kineast On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Preview - Nichts zu verzollen

2011-07-22T10:17:00.000-07:00

Bundesstart: 28.07.2011

Sind wir bereit für den Sommer? Für das Sommerloch? Mittlerweile ist gar nicht so sicher, ob sowohl das eine, als auch das andere in diesem Jahr überhaupt noch kommt. Trotzdem gibt es auch in diesem Jahr die üblichen Sommerfilmchen. Leichte Unterhaltung, nicht zu anstrengend und man kann lachen und im Falle von Dany Boons neuem Film „Nichts zu verzollen“ handelt er ein Thema historischer Bedeutung auf authentische und liebenswerte Art ab.

Im Rahmen der EU-Reform in den 90er Jahren soll die belgisch-französische (oder eben französisch-belgische) Grenze geöffnet werden, um das Reisen zwischen den Nachbarländern zu erleichtern. Eigentlich ein Grund, sich zu freuen, aber der belgische Zollbeamte Ruben findet das gar nicht in Ordnung. Er hasst die Franzosen und ganz besonders hasst er seine französischen Kollegen. Mathias vom französischen Zoll ist stets seinen hinterhältigen Attacken und – sagen wir mal – Verbalinjurien ausgeliefert. Mathias ist ein sehr friedlicher Mensch und hat Ruben wenig entgegen zu setzen. Das hat allerdings noch einen anderen Grund. Mathias ist heimlich mit Rubens Schwester Louise liiert. Ruben darf also niemals heraus finden, dass seine Schwester mit einem Franzosen zusammen ist. Dann rückt der Tag der Grenzöffnung näher und beide Länder beschließen die Gründung einer mobilen Zollkontrolle. Schnell ist klar, welche beiden Beamten diese Einheit bilden sollen.

Hier ist der neue Streich von Dany Boon, den berühmten französischen Schauspieler und Regisseur, den wir in Deutschland aber erst seit wenigen Jahren und seinem Film „Willkommen bei den Sch'tis“ kennen. Nun hat das Team um Boon eine neue Komödie gemacht, die beinahe das gleiche Grundmotiv bietet. Es geht im weitesten Sinne um Gegensätze und Menschen, die sich ihren Vorurteilen stellen müssen um sich irgendwann zusammen raufen zu können. Steht zunächst zu befürchten, dass es sich bei „Nichts zu verzollen“ nur um einen Aufguss der selben Geschichte handelt, werden diese Befürchtungen schnell vertrieben. Der Hintergrund dieser Geschichte ist ein ganz anderer, als das bei den Sch'tis der Fall war. Hier wurde sehr gründlich recherchiert, um ein authentisches Bild einer realen Situation zeichnen zu können. Trotz eines seriösen Hintergrundes, vollbringt Dany Boon – nicht zuletzt Dank seiner eigenen Schauspielleistung – das Kunststück, den lockeren Ton, den man seit den Sch'tis so mag, unterzubringen, ohne dass es zu albern oder unangebracht wirkt. Es gibt zahlreiche absurde und urkomische Situationen, die eben genau durch den Kontrast zwischen dem ernsten Thema und der komödiantischen Machart erst so komisch werden. Auch sind die Figuren wieder sehr sorgfältig entwickelt. Auch, wenn sie klassischen Personenkonstellationen entsprechen, scheint keine Figur oberflächlich zu sein. Auch hier merkt man die Sorgfalt, die Dany Boon bei all seinen Filmen an den Tag legt. Bemerkenswert ist an dieser Stelle, dass Boon gar nicht der Star seines eigenen Films ist. Sein Auftritt ist im Vergleich zu Benoit Poelvoorde sehr reduziert. Der rassistische Zöllner von belgischer Seite ist toll konstruiert und wird überzeugend gespielt.

„Nichts zu verzollen“ ist ein kleiner Spaß für den Sommer, der sowohl zu unterhalten vermag, als auch überzeugend auf ein Kapitel der europäischen Geschichte hinweist, welches besonders hierzulande selten thematisiert wird. Das schöne ist außerdem, dass man sich auch dann noch köstlich amüsieren kann, wenn einem das völlig egal ist, und das schaffen die wenigsten Filme dieser Machart, besonders, wenn sie aus Frankreich kommen.

Rien à Declarer (F,B, 2010): R.: Dany Boon; D.: Benoit Poelvoorde, Dany Boon, Julie Bernard, u.a.; M.: Philippe Rombi; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus (ab 28.07.2011)

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2

2011-07-22T04:54:00.000-07:00

Es ist vorbei. Zehn Jahre Kampf zwischen Gut und Böse gipfelten kürzlich mal wieder in einer epischen und fulminanten Filmschlacht, bei der kein Auge trocken blieb. Kaum zu glauben, dass es wirklich schon zehn Jahre sind. Erst gestern, so scheint es, stieg der kleine Harry das erste Mal in den Hogwartsexpress. Wie faszinierend damals noch alles war. Das hinüber schreiten zum Gleis 9 ¾ war mindestens ein ebenso großes Abenteuer, wie das Große Festmahl, ganz zu schweigen vom Auffinden des Steins der Weisen und die erste Konfrontation mit dem dunklen Lord Voldemort. Am 14. Juli nahm nun eines der ambitioniertesten Filmprojekte und erfolgreichsten Filmserien aller Zeiten ihr Ende.

Erinnern wir uns kurz. Harry Potter hat sich die Aufgabe gestellt, die sieben Horkruxe zu finden und zu zerstören. Hierbei handelt es sich um magische Gegenstände, in denen Voldemort Teile seiner Seele versteckt hat. Wenn man diese Gegenstände zerstört, kann man den finsteren Lord selbst besiegen. Die Suche nach den Horkruxen ist nicht besonders einfach, denn überall lauern Todesser und das ganze Land ist unter Kontrolle der dunklen Hexer. Harry, Ron und Hermine sind auf der Flucht und haben nun erfahren, dass Voldemort auch noch die Heiligtümer des Todes haben will, um unbesiegbar zu werden. Im aller letzten Teil nun versammeln sich alle in Hogwarts. Hier hat inzwischen Severus Snape das Kommando übernommen und führt ein strenges und hartes Regime. Harry hat mittlerweile die meisten Horkruxe zerstört und muss sich nun mit seinen Freunden auf die entscheidende Schlacht vorbereiten. Gleichzeitig wird er aber immer wieder mit seiner Rolle als Auserwählter und mit seiner Vergangenheit konfrontiert. Außerdem besteht eine unheimliche Verbindung zwischen ihm und Voldemort, so dass nie sicher ist, ob Harry nicht selbst auch zum dunklen Lord werden könnte.

Hach! Auch wenn ich irgendwann das Interesse an den Büchern verloren habe, und die Filme meiner Meinung nach immer mehr abflachten, kann ich mir ein gewisses wehmütiges Gefühl nicht verkneifen. Es ist wirklich vorbei! Die Geschichte ist fertig erzählt und sie wird nicht weiter gehen. Zumindest, wenn man Joanne K. Rowling glauben darf. Im letzten Film wird erwartungsgemäß das bewährte Konzept der letzten Jahre weiter verfolgt. Alles ist sehr düster, deprimierend, mit rasanten Actionszenen und kleinen, auflockernden Witzchen versetzt und alles läuft in galoppierendem Tempo einem epischen Finale entgegen, dass im Vergleich mit dem ersten Potter-Film dann doch ein bisschen den Rahmen sprengt. Erinnert ihr euch? Die kleinen niedlichen Kinder, die zum großen Finale im „Stein der Weisen“ ein nervenaufreibendes Schachspiel absolvieren mussten? Schach wird zur Massenschalcht ala Herr-der-Ringe, bei der die Beteiligten fallen, wie die Fliegen. Nicht nur Harry Potter ist erwachsen geworden, auch die Ganze Machart des Films richtet sich eindeutig an erwachsenere Zuschauer. Die zum Teil schockierenden Gewaltszenen rütteln einen immer wieder wach und man muss sich daran erinnern, dass man „Harry Potter“ guckt und nicht irgendeinen Mittelalterfilm mit martialischer Schlachtenplatte. Okay! Ganz so schlimm ist natürlich nicht, aber auch hier kommt wieder die Frage der Verhältnismäßigkeit, die erstaunlicher weise dazu führt, dass man sich häufiger an den Erstling von 2001 erinnert, als bei den anderen Filmen. Wie schon beim ersten Teil des Finales merkt man auch hier wieder, dass dieses Doppelfeature ein Geschenk an die Fans ist. Menschen, die noch nie etwas von Harry Potter gehört haben, stehen durchweg im Regen und ihnen wird auch nicht erklärt, was Sache ist. Wer HP7.1 nicht gesehen hat, braucht sich gar nicht in den Kinosaal zu wagen, denn der Storyanteil des Buches wurde im ersten Teil größtenteils absolviert. Die Frage des Vorgängers bleibt bestehen: Wie viel kann ein Film wert sein, der nicht in der Lage ist, für sich allein zu stehen, ohne nicht ständig die Schützenhilfe der Fangemeinschaft im Rücken zu haben? Harry Potter ist ein Phänomen der modernen Kultur. Eine mittellose Schriftstellerin erfindet die berühmteste Romanfigur der letzten 10 Jahre, verkauft diese Idee an die richtigen Leute, die es tatsächlich schaffen, eine gut geölte Geldmaschine daraus zu machen. Und diese Maschine soll jetzt einfach still stehen? Mir fällt es sehr schwer, das zu glauben und ich bin sehr gespannt, was in den nächsten Jahren noch aus dem Potter-Universum auf uns zu kommt.

„Harry Potter und die Heiligtümer des Todes – Teil 2“ ist trotzdem ein mehr als würdiger Abschluss der Saga. Sämtliche Defizite an Epicness und spektakulären Szenen, die es in den Vorgängerfilmen gegeben haben mag, werden nachgeholt und das Auge wird von Anfang an mit tollen Bildern verwöhnt.

---------------------SPOILER--------------------

Ein wenig befremdlich wirkt die letzte Szene, in der man Harry und seine Freunde als erwachsene Menschen sieht, die ihre eigenen Kinder zum Bahnhof bringen. So bekommt das ganze ein wagnerartiges Zyklusfeeling, dass noch mehr den Verdacht nährt, dass nach HP7.2 noch lange nicht Schluss ist.

Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2 (GB, 2011): R.: David Yates; D.: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, u.a.; M.: Alexandre Desplat; Offizielle Homepage

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Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Sommer 2011

2011-07-11T06:37:00.000-07:00

Der Sommer steht vor der Tür und was gibt es Schöneres, als ins wohl temperierte Kino zu gehen, und sich mal mehr, mal weniger gut unterhalten zu lassen? Auch wenn das Sommerloch in seinen ersten Ausläufern schon zu spüren ist, und es die ein oder andere Kinowoche geben wird, in der nicht all zu Sehenswertes startet, kann man sich die Zeit versüßen, um sich wie ein kleines Kind auf kommende Highlights zu freuen. Willkommen also zu einer weiteren Ausgabe einer fröhlichen Ansammlung lauter lustiger Filmtitel und Phrasendreschereien, sowie Einschätzungen und Spekulationen der wildesten Art.

Fangen wir an mit leichter Kost: Seit einer Weile läuft „Der Zoowärter“. Es geht um den dümmlich-sympathischen Zoowärter Griffin, der als absoluter Experte für alle Tiere gilt. Nur mit Frauen hat er eben andauernd Pech und es will einfach nicht klappen. Eines Tages taucht die bildhübsche Kate auf und Griffin verliebt sich hals über Kopf, verliert aber durch seine Tolpatschigkeit jede Chance und Hoffnung, bei ihr zu landen. Die Tiere im Zoo entschließen sich nun, ihm zu helfen, wobei natürlich npch mehr schief geht. Dieser Film ist ein neuer Vertreter eines Genres, welches bereits seit Beginn der Filmgeschichte existiert, der Slapstick-Komödie. In den Hauptrollen sehen wir Kevin James (King Of Queens) imd Rosario Dawson (Sin City) und außerdem zahlreiche, computeranimierte und sprechende (!) Tiere. Interessant ist außerdem, dass man selten jemanden persönlich kennt, der sich solche Filme im Kino ansieht und trotzdem wird auch „Der Zoowärter“ sagenhafte Erfolge einfahren. Mich soll es nicht stören. Es ist seichte Unterhaltung für den Sommer, die niemanden wehtut.

Am kommenden Donnerstag wird übrigens alles enden. Der bereits seit zehn Jahren andauernde Kampf zwischen Harry Potter und Lord Voldemort. Tausende Fans haben auch das letzte Buch längst gelesen und wissen natürlich, wie die Geschichte ausgeht. Trotzdem wollen sie vor Spannung und Aufregung förmlich zerplatzen. Der letzte Teil soll spektakulärer denn je werden, voll gepackt mit Spezialeffekten, nervenaufreibenden Kämpfen und Actioneinlagen. Ich habe die anderen sieben Teile gesehen, da werde ich mir diesen hier eben auch noch angucken. Spannender ist für mich allerdings eher die Frage, was denn nach Abschluss der reihe mit den drei Hauptdarstellern passiert. Rupert Grint hat zum Beispiel durchblicken lassen, dass er sich aus der Schauspielerei zurück ziehen möchte und einen anderen Beruf erlernen will. Emma Watson möchte gerne Supermodel werden und hat angeblich schon für den Playboy posiert. Die dabei entstandenen Bilder dürfen erst veröffentlicht werden, wenn die Harry-Potter-Reihe abgeschlossen ist. Wir sind gespannt. Daniel Radcliff macht es vielleicht als einziger richtig und hebt die Tassen. In einem Interview mit der GQ gestand er nämlich, dass er bis vor einem Jahr ganz kurz davor stand, ein Alkoholproblem zu haben, was nach unseren Maßstäben wahrscheinlich heißt, dass er irgendwann in seinem Leben mal Alkohol getrunken hat. Wie auch immer, Hollywood hat oft genug die Geschichte von Kinderstars erzählt, die auf die schiefe Bahn geraten sind. Wer die drei Jungschauspieler also nochmal sehen will, bevor sie im Drogensumpf versinken, hat damit einen weiteren Grund gefunden, sich „HP7.2“ anzusehen.

Am selben Tag startet in Deutschland „Barneys Version“. Richard Lewis verfilmt den den bekannten Roman von Mordecai Richter. Paul Giamatti spielt den neurotischen, sarkastischen, trinkenden, politisch unkorrekten und trotzdem tot unglücklichen Barney Panofsky. Es erwartet den Zuschauer eine wunderbare kleine Komödie mit viel Charme und intelligentem Humor. Wem zum Beispiel „Sideways“ gefallen hat, sollte sich „Barneys Version“ nicht entgehen lassen.

Außerdem hält der Sommer noch ein paar Filme bereit, auf die ich mich ganz persönlich freue, da sie genau meinem – mitunter etwas seltsamen – Filmgeschmack treffen.
Ende Juli kommt „Green Lantern“ nach Deutschland. Die Comicverfilmung eines der coolsten DC-Helden wird von „Casino Royale“-Regisseur Martin Campbell inszeniert und der Trailer verspricht spektakuläre Action. Also genau mein Ding.
Im August startet außerdem „Super 8“, der neue Film von J.J. Abrahms, der wohl nun doch ganz anders wird, als man es angesichts der Trailer und viralen Werbekampagne erwartet hätte. Trotzdem freue ich mich sehr darauf, denn auf den Mann kann man sich spätestens seit „Star Trek“ hundertprozentig verlassen, es nicht zu versauen.
Große Überraschung und Freude verursachte bei mir der Trailer zu „Planet der Affen: Prevolution“. Der Film berichtet von den Anfängen der Affenrevolten, nachdem Wissenschaftler auf der Suche nach einem Heilmittel gegen Krebs oder so, mit Affen experimentierten, die immer intelligenter wurden. Wie die Geschichte ausgeht, kann man sich denken. Trotzdem sehen die von WETA produzierten Effekte fantastisch aus und James Franco spielt die Hauptrolle, Pflichtprogramm für mich zumindest. Comicfans können sich besonders in diesem Jahr wirklich satt sehen. Am 18. August startet „Captain America“ und nicht nur ich werde mit heller vorfreude ins Kino strömen.
Ein ganz besonderes Highlight gibt es Ende August. Dann nämlich startet Jon Favreaus „Cowboys & Aliens“. So albern der Titel sein mag, ist hier kein Trashfeuerwerk zu erwarten, sondern knüppelharte Action. Warum sollten die Außerirdischen nur in der Gegenwart oder Zukunft zur Erde kommen? So landen sie also im Wilden Westen und müssen sich Daniel Craig und Harisson Ford stellen. Die ersten Eindrücke des Films klingen viel versprechend und ich werde mir den Film auf jeden Fall ansehen.

Letzter Titel für heute bleibt mehr oder weniger kommentarlos stehen, denn jeder muss sich darüber seine eigene Meinung bilden. Totgeglaubt und doch niemals besiegt: Am 08.09. kommt „Conan“

The Tree Of Life

2011-06-24T05:44:00.000-07:00

Wer ist Terence Malick? In erster Linie ist er ein Regisseur, der in keine Schublade, die Hollywood in all den Jahren mal mehr mal weniger freiwillig etabliert hat, hinein passt. 1973 verblüffte er mit „Badlands“, einem ambitionierten und stilsicheren Erstling, der übrigens heute noch von tausenden Fans diskutiert und analysiert wird. Philosophen und Theologen debattierten unzählige Male die Aussagen und Botschaften dieses Films. Filmexperten sehen in „Badlands“ außerdem die perfekte Fusion aus Filmsinfonie und dem „Lovers on The Run“-Motiv und damit die Schaffung eines komplett neuen Genres. Schon damals schlug sich in Ansätzen das nieder, was Malick im Laufe seines Schaffens immer exzessiver in seine Filme einfließen ließ: Die Frage nach dem Sinn unseres Daseins und die Darstellung eines der schwierigsten Motive im Film überhaupt. Das Menschsein. Sind seine bisherigen Filme vielleicht als Experiemente zu sehen, hat Malick nun in „The Tree Of Life“ die absolute Vollendung dieses Motivs geschaffen.

Die Story ist schnell erzählt und wiederholt jenen Satz, den man immer als erstes liest, informiert man sich in Artikeln über diesen Film: Es geht um eine Familie in den 50er Jahren. Jack ist der älteste von drei Brüdern. Während die Mutter die Einstellung vertritt, dass das Leben frei ist und man nur nach dem Prinzip der Gnade leben muss, um ein guter Mensch zu sein und dabei nicht den Glauben an das Gute verliert, predigt Jacks Vater das genaue Gegenteil. Nur der Stärkere überlebt. Gute Menschen kommen nicht weit und dem Gesetz der Natur ist jeder unterworfen. Unbewusst tragen die Eltern diesen Glaubenskonflikt durch ihren Sohn aus, der zunehmend desillusioniert wird. Als Erwachsener vegetiert Jack unmotiviert vor sich hin und fällt immer wieder in Erinnerungen an seine Kindheit zurück.

Die Story mag vielleicht nichts Besonderes sein und man hat genau dieses Motiv schon unzählige Male in filmischer Form gesehen. Einem Brad Pitt traut man vielleicht auch nicht die Rolle eines gestrengen und zugeknöpften Vaters in den amerikanischen 50ern zu. Und Terence Malick hat seinen letzten Film vor beinahe 10 Jahren abgeliefert. Was zum Teufel ist also so besonders an „The Tree Of Life“? Man muss es gesehen haben, denn dieser Film ist schlicht und ergreifend überwältigend. Malick wählt einen absolut unkonventionellen Erzählstil. Es wird verhältnismäßig wenig gesprochen und über weite Passagen sind unglaublich dicht arrangierte Bildkollagen zu sehen. Malik zieht auf sehr verblüffende Art geradezu bombastische Vergleiche, wenn er die recht simple Geschichte der Familie Jacks mit der Entstehung des Lebens auf der Erde gleichsetzt und diese Metapher in einer 20-Minütigen Sequenz gipfelt, in der man Bakterien und Einzellern beim Wachsen zu sieht, bis sie schließlich als mächtige Dinosaurier über die Erde stapfen. Die Bilder und die Komposition der Gleichen geschieht voller Anmut und bildet ein nahezu Ehrfurcht gebietendes Ganzes. Man wird sich plötzlich der Dimensionen bewusst, die das Leben haben kann. Die Geschichte der Familie wird auch ungewöhnlich erzählt. Es ist fast so, als würde man als Beobachter immer mal vorbei schauen. Manchmal kommt man mitten im Gespräch dazu und verlässt die Szene wieder, bevor der Satz beendet ist. Hierbei kommt ein unglaublich dynamischer Kamerastil zum tragen, der durch einen nicht weniger dynamischen Schnitt noch verstärkt wird. Ebenso ist Kombination aus klassischen Musikstücken, zum Beispiel von Smetana und die eigens komponierte Filmmusik von Alexandre Desplat tragendes Element der gesamten Atmosphäre dieses Films.
Im Nachhinein lässt sich sehr schwer sagen, was mir so sehr an „The Tree Of Life“ gefallen hat. Es ist die Flut ein Eindrücken, der man mehr als zwei Stunden lang ausgesetzt ist und es ist das Gefühl des Gigantischem, welches man bekommt. Es ist beinahe, als habe man an einer Offenbarung des Regisseurs teil. Das ist im Übrigen einem starken sakralem Tenor geschuldet, der ebenfalls zu den Hauptmotiven des Films gehört.

Abschließend ist eigentlich nur zu wiederholen: Man muss diesen Film gesehen haben. Ungeachtet dessen, was man von Terence Malick hält, ob einem der Film nun gefällt, oder ob man nichts damit anfangen kann. Dieser Film ist etwas ganz Besonderes und ich habe noch nie etwas vergleichbares gesehen. Man ist überwältigt und möglicherweise verzeiht man es sich nicht, wenn man „The Tree Of Life“ tatsächlich verpasst hat. Tue ich zum Abschied noch etwas absolut Einmaliges und Unerwartetes? Danke ich dem Regisseur für seine Arbeit? Ja! Danke Terence!

The Tree Of Life (USA, 2011): R.: Terence Malick; D.: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, u.a.; M.: Alexandre Desplat; Offizielle Homepage

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Pirates Of The Caribbean - Fremde Gezeiten

2011-06-17T05:09:00.000-07:00

Wenn man dieser Tage in den Nachrichten von Piratenüberfällen auf internationale Frachtschiffe hört, hat man automatisch ein bestimmtes Bild im Kopf. Eine Bande chaotischer, aber irgendwie liebenswerter Halunken klettern mit Enterhaken und Messer im Mund die Reeling hinauf. Augeklappe, Papagei auf der Schulter und wildes Geheul. Sie hissen die Piratenflagge, rauben und stehlen, was nicht niet- und nagelfest ist, nur um ihren erfolgreichen Beutezug hinterher in einer ausufernden Orgie mit viel Rum ausgiebig zu feiern. Dass das nicht ganz der Wirklichkeit entspricht, weiß ich natürlich auch, aber irgendwie ist mir die Vorstellung des typischen Piraten viel lieber. Vor allem jetzt, da einer der bekanntesten Piraten der Welt wieder in See sticht und ein weiteres spannendes Abenteuer voller Gefahren zu bestehen. Sein Name: Jack Sparrow. Verzeihung! Captain Jack Sparrow.

Erinnern wir uns kurz: Am Ende seines letzten Abenteuers „Am Ende der Welt“ steht Jack ziemlich alleine da. Obwohl seine Freunde die gefährliche Reise ins Totenreich unternommen hatten, nur um ihn zu retten, zog er sich ihren Unmut durch üble Tricks und Intrigen zu. So war er verlassen und mal wieder wurde sein Schiff, die „Black Pearl“ gestohlen. Doch ist er immer noch im Besitz jeder Menge Rum und einer speziellen Karte, die ihm den Weg zur Quelle der Jugend aufzeigt. Jahre später kommt er nach London, um hier wiederum seinen Freund Gibbs zu helfen, der gerade gehängt werden soll, weil man ihn für Jack hält. In der Stadt geht das Grücht um, Jack hätte ein Schiff und suche nun eine Mannschaft. Jack selbst hat aber noch nichts davon gehört, weshalb er davon ausgeht, ein Betrüger sei in der Stadt. Der König von England hat auch davon gehört und will Jack an heuern für ihn die Quelle der Jugend zu finden, bevor die verhassten Spanier sie erreichen. Hier macht allerdings Kapitän Barbossa seinen Anspruch auf diesen Auftrag geltend, schließlich ist er hoch offiziell Freibeuter im Namen der Krone. Nach wildem Handgemenge landet Jack in einer düsteren Spielunke. Hier trifft er auf seine frühere Angebetete Angelica, die sich tatsächlich als Jack Sparrow verkleidet hat, um Männer anzuheuern. Sie wiederum arbeitet für den berüchtigten Blackbeard, der ebenfalls zur Quelle der Jugend unterwegs ist, um einer Prophezeiung entgegen zu wirken, nach der ein Einbeiniger für seinen Tod verantwortlich sein soll. Alle Parteien sind wild entschlossen und ein gefährliches Rennen beginnt. Mittendrin steht Jack, der wie immer versucht, alle Seiten gegeneinander auszuspielen, damit er letztendlich seine Ziele erreichen kann.

Hört sich nach einem ziemlichen Kuddelmuddel an? Ist es nicht. Die Geschichte erreicht nicht annähernd die Komplexität der beiden Vorgänger und entpuppt sich als ein typisches Piratenabenteuer. Dieser Schritt sozusagen zurück zu den Wurzeln hat der Reihe sehr gut getan. Zum Ende wurden die älteren Filme nämlich viel zu groß und hatten mit der ursprünglichen Geschichte kaum noch etwas zu tun. Im vierten Ableger der Serie nun haben wir alte Figuren, die geschickt in der Handlung weiter geführt werden, ebenso, wie einige neue Figuren, die sich ebenfalls nahtlos zu der bunten Truppe gesellen. Die Story besteht wieder aus der Mischung aus Seefahrermythologie und spaßigen Intrigen. Das grundlegende Motiv, dass prinzipiell niemandem zu trauen ist, der Pirat ist, oder zumindest mal ein Pirat war, sorgt für zahlreiche Wendungen, die der Geschichte den nötigen Drive geben. Angenehm fällt auf, dass die Optik wieder wesentlich „organischer„ geworden ist. Überbordende Spezialeffekte werden nur äußerst selten eingesetzt und man baut stattdessen auf starke Kulissen und Drehorte an Originalschauplätzen. Schauspielerisch bieten alle Darsteller solide Kost. Man stellt sich gerne vor, dass sie alle ihren Spaß hatten, vor allem Johnny Depp. Er hat mehr, als jeder andere in dieser Serie seine Rolle durch seine überzeugende Darstellung geprägt und verinnerlicht, so dass man im Film unterbewusst gar keinen Unterschied mehr zwischen Jack Sparrow und Johnny Depp macht. Soll heißen: Niemand anderes wird jemals diese Rolle spielen können.

„Pirates of the Caribbean – Fremde Gezeiten“ ist durchaus gelungen, vor allem, wenn man bedenkt, dass es sich bereits um den vierten Teil der Serie handelt und man erfahrungsgemäß immer davon ausgehen kann, dass die Filme einer Reihe immer schlechter werden, je höher die Ziffer hinter dem Titel ist. Die Story wurde sinnvoll weiter geführt, die neuen Figuren passen gut zu den alten und das Feeling der alten Filme geht nicht durch zu aggressive neue Elemente unter. Fans der Piratesaga dürften den Film ohnehin schon gesehen haben, allen anderen wird ein kurzweiliger Ausflug in die gute alte Piratenzeit sicherlich auch nicht schaden.

Pirates Of The Caribbean – On Stranger Tides (USA, 2011): R.: Rob Marshall;
D.: Johnny Depp, Penelope Cruz, Ian McShane, u.a.; M.: Hans Zimmer; Offizielle Homepage

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Source Code

2011-06-17T04:46:00.000-07:00

Duncan Jones überraschte und überzeugte vor zwei Jahren mit einem gleichermaßen spannenden und aufwühlenden, wie auch sinnlichem Regiedebut. In „Moon“ zeigte er, dass Science Fiction auch heutzutage nicht oberflächlich sein muss, sondern sogar überzeugende Gesellschaftskritik transportieren kann und durch die charismatische Darstellung Sam Rockwells ist hier ein Film gelungen, der lange im Gedächtnis bleiben wird. Ob das in Jones' neuen Film „Source Code“ auch gelingt? Ohne, all zu viel vorweg zu nehmen: Ja, er hat es wieder geschafft.

Alles beginnt in einem Zug. Captain Stevens erwacht und weiß zunächst nicht, wo er ist. Ihm gegenüber sitzt die bildhübsche Christina, die ihn gut zu kennen scheint, auch, wenn er sie noch nie gesehen hat. Schnell wird klar, woran das liegt. Stevens befindet sich im Körper eines anderen. Allerdings hat er keine Ahnung, wie es dazu kommen konnte und was er in diesem Zug macht. Viel Zeit zum Überlegen hat er nicht, denn der Zug explodiert wenige Minuten später und mit Stevens kommen alle Insassen ums Leben. Nun erwacht er in einer Art Kapsel, angeschlossen an allerlei Gerätschaften und auf einem Bildschirm erscheint die kühle Major Goodwin. Sie stellt ihm allerlei Fragen und macht merkwürdige Konzentrationstests, ohne jedoch seine Fragen zu beantworten. Bald stellt sich heraus, dass es sich um ein neuartiges Experiment handelt. Durch modernste Computer ist man in der Lage, Captain Stevens in die Erinnerungen eines der verstorbenen Insassen des Zuges reisen zu lassen. Er hat nun den Auftrag, nach Hinweisen auf den Hergang der Explosion und den Täter zu suchen, um ein weiteres, noch viel größeres Attentat zu verhindern. Er hat dafür allerdings lediglich acht Minuten Zeit. Bevor er es sich versieht, wird Stevens erneut weg geschickt und landet wieder in dem Zug gegenüber der bildhübschen Frau.

Wie schon so oft in zahlreichen Science-Fiction-Filmen gesehen, stellt auch „Source Code“ die Frage nach der Wirklichkeit. Ist das, was um dich herum geschieht echt, oder nur eine Illusion? Diese Kernaussage des Films kommt allerdings ganz langsam und Stück für Stück an die Oberfläche, denn zunächst ist man voll und ganz vom Attentatsplot gefesselt. Erst nach einer Weile dämmert es dem Zuschauer, zusammen mit Captain Stevens, dass es sich hierbei um wesentlich größere Dimensionen handelt, als zunächst angenommen. Jones verbindet diese beiden Handlungsstränge so geschickt, dass man ein kleine Portion der eigenen Fantasie nutzen muss, um dahinter zu steigen. Der Film nimmt einen an die Hand, allerdings ohne einen mit der Nase drauf zu stupsen. Es ist eine sehr gründlich und clever konstruierte Geschichte. Visuell unterscheiden sich die beiden Ebenen der Geschichte auch sehr stark. Im Zug ist alles sehr nah. Die Enge der Fahrgastkabinen lässt nur die Darstellung von einzelnen Körperpartien zu. Nie sieht man den ganzen Menschen. Auch die Geräusche sind sehr intensiv und man achtet auf jedes Detail im Hintergrund. Die andere Ebene scheint weitläufiger zu sein. Ein großes Büro, voll gestopft mit Computern und Wissenschaftlern und im Kontrast dazu eine feuchte und dunkle Kapsel, in der Stevens eingesperrt zu sein scheint. Dazu kommt die sehr intensive und packende Musik von Chris Bacon und die kraftvolle Darstellung von Jake Gyllenhaal und Vera Farmiga. Förmlich alles an diesem Film schreit: „Ich bin anders, als andere Filme!“

„Source Code“ ist wahnsinnig spannend und trabt bis zum schockierenden Ende zur absoluten Höchstform auf. Nach „Moon“ hätte man nicht geglaubt, dass Duncan Jones ein weiteres gesellschaftskritisches Science-Fiction-Kunststück gelingen würde, doch auf den Mann scheint Verlass zu sein und hiermit empfehle ich ohne jeden Vorbehalt, den Film anzusehen.

Source Code (USA, 2011): R.: Duncan Jones; D.: Jake Gyllenhaal, Vera Farmiga, Michelle Monaghan, u.a.; M.: Chris Bacon; Offizielle Homepage

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Brighton Rock

2011-05-20T02:58:00.000-07:00

Wenn jemand die derzeitige Phase des Films historisch deuten und bezeichnen will, könnte er es „Die Suche nach der verlorenen Kreativität“ nennen. Die großen Highlights im Kinojahr 2010 bilden Fortsetzungen, Buchverfilmungen, Comicverfilmungen, Verfilmungen von Internetblogs oder Remakes von Filmen, die Romane verfilmt haben. Wenn es keine bereits vorhandene Vorlage ist, die auf die Leinwand gebannt wird, dann werden es haarsträubende Kombinationen unmöglicher Einzelteile. Zum Beispiel kommt bald ein neuer Film von Lars von Trier, in dem eine Hochzeitsgesellschaft von einem aus dem All heran rasenden Planeten bedroht wird. Mal sehen, wie viel Kreativität der Erstling von Regisseur Rowan Joffe zu bieten hat. „Brighton Rock“ - natürlich ein Remake.

Brighton ist ein schönes kleines Städtchen an der Südküste Englands. Hier gibt es das Meer, eine wunderschöne Strandpromenade und umher fahrende, randalierende Motorrollergangs. Moment was? Das passt aber gar nicht zum kleinen Vorzeigebadeort. Die Gegend wird leider von marodierenden Jugendlichen heimgesucht und in Brighton wurden die Bürger bisher deshalb davon verschont, weil sich das organisierte Verbrechen hier eingenistet hat. Die Mobs um den Ganoven Cyde und den Edelmafioso Corleoni haben sich zähneknirschend geeinigt und die Stadt unter sich aufgeteilt. Sie verdienen ihre Brötchen durch das Eintreiben von Schutzgeldern und so herrscht Ruhe und Ordnung in Brighton. Eines Tages kommt Cyde in arge Bedrängnis und durch Corleonis Gehilfen Fred Hale versehentlich umgebracht. Das findet Pinkie – der hoffnungsvolle Zögling von Cyde – gar nicht gut und sinnt auf Rache. Seine Freunde wollen ihm helfen, Hale und Corleoni zu zeigen, dass mit den Kollegen nicht zu spaßen ist. Sie stellen Hale nach und der flieht auf die dicht bevölkerte Strandpromenade. Dort wird er von Pinkie gestellt, der sich in seiner Wut nicht beherrschen kann und Hale umbringt. Die junge Kellnerin Rose wird Zeuge des Vorfalls und Pinkie sieht nur einen Weg, sie zum Schweigen zu bringen.

Es ist eine ganz klassische Gangstergeschichte. Überhaupt ist alles an diesem Film klassisch. Regisseur Rowan Joffe hat so viel Respekt vor dem Original von 1947, dass er teilweise komplette Sequenzen einfach übernimmt. Perspektive, Schnitt und Dialoge finden sich beinahe eins zu eins im Original wieder. Genau, wie die Darstellung der Figuren. Die Musik ist zwar neu komponiert, orientiert sich allerdings enorm stark an den Themen des Originalsoundtracks. Und so geht es weiter. Sämtliche Motive, bis hin zum malerischem Finale am nächtlichen Leuchtturm sind nach gemacht. Es ist beinahe so, als sieht man sich die alte Inszenierung eines klassischen Theaterstücks mit neuen Schauspielern an. Nun steht die Frage im Raum, ob man einen solchen Film sehen muss, und ob man ihn überhaupt genießen kann. Die Antwort fällt relativ leicht. Ich habe den Film genossen, gerade weil er den Charme eines alten Klassikers so unverblümt auf die Leinwand zaubert. „Brighton Rock“ erzählt obendrein eine sehr spannende Geschichte und ist unglaublich intensiv und hoch dramatisch geraten. Die Wenigsten der heutigen Kinogeneration dürften das Original mit Richard Attenborough kennen, werden aber den Staub, der dem Stoff anhängt bemerken. Dass sich ein Regisseur für seinen Erstling auf einen etablierten Filmklassiker ausruht ist heutzutage vollkommen legitim und wirkt auch nicht unkreativ oder aufgesetzt.

In seinem Stil und seiner Art passt „Brighton Rock“ perfekt in die aktuelle Phase der Filmentwicklung. Wie auch immer man sie später nennen wird, Rowan Joffe könnte ein der Lage sein, diese Phase nicht nur zu überstehen, sondern eine neue ein zu läuten.

Brighton Rock (GB / USA, 2010): R.: Rowan Joffe; D.: Sam Riley, Helen Mirren, John Hurt, Andy Serkis, u.a.; M.: Martin Phipps; Offizielle Homepage

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Winter's Bone

2011-05-20T02:31:00.000-07:00

Die Oscarverleihung ist schon eine Weile vorbei und der Wirbel und die Aufregung haben sich längst gelegt. Interessanterweise waren damals viele Zuschauer der Meinung, Natalie Portman hätte den Oscar für ihre Rolle in „Black Swan“ voll und ganz verdient. Seit ein paar Wochen läuft nun der hartnäckigste Konkurrent Portmans in den deutschen Kinos und nun sagen viele – wahrscheinlich die gleichen Leute – Jennifer Lawrence wäre viel besser und die Vergabe der Auszeichnung sei nicht nachzuvollziehen. Ob das so ist, sollte man am besten selbst entscheiden, nachdem man sich „Winter's Bone“ angesehen hat

Ree lebt mit ihrer Mutter und ihren beiden Geschwistern in einer vergammelten Hütte in einer swe trostlosesten Gegenden des amerikanischen Outbacks. Die Zeiten sind hart und es fehlt an allem. Neben der ständigen Sorge um Geld, muss sich Ree auch noch um ihre kranke Mutter kümmern. Ohne tägliche Ausflüge in den Wald, hätte die Familie wohl nicht genug Essen. Eines Tages steht der Sheriff vor der Tür und informiert sich nach dem Aufenthaltsort des Vaters. Der ist nämlich wegen Drogendelikten ins Gefängnis gekommen und nun auf Kaution wieder auf freien Fuß. Als Kautionsbürge hat er das Haus und das Grundstück der Familie verpfändet. Sollte er zu seinem Gerichtstermin nicht erscheinen, verlieren Ree und ihre Familie alles, was sie haben. Da der Sheriff in der Gegend nicht besonders angesehen ist, sieht er sich außerstande, den Gesuchten zu finden. Ree macht sich also selbst auf die Suche.

Zunächst muss man sich mit einer Sache abfinden. Das Gezeigte Leben und die Zustände in der Umgebung Ree's und ihrer Familie sind echt und spielen in der Gegenwart. Im Jetzt! Zu gerne führt einem das Unterbewusstsein nämlich vor Augen, dieser Film spielt in der Vergangenheit, zu Kriegszeiten, oder meinetwegen auch in einer fiktiven Zukunft. Aber diese ungastliche Gegend mit den unfreundlichen und grusligen Bewohnen existiert wirklich, auch wenn man es nicht fassen will. Die Menschen haben nur das nötigste zum Leben und verteidigen es gegen jeden, ob nun Verwandt oder Fremd. Untereinander herrscht eine ständige Feindseligkeit, und wer alleine nicht zurecht kommt, braucht nicht auf die Hilfe des Nachbarn zu hoffen. Dort herrschen ganz bestimmte Regeln. Wer sich nicht an sie hält, verschwindet spurlos. Und dieser lebensfeindlichen Umgebung muss nun ein junges Mädchen das tun, wodurch sie sich den Unmut Aller aufzieht. Sie kommt zu allen möglichen Häusern und stellt unbequeme Fragen. Die Antworten werden ihr verwehrt, weil ihr Onkel einen schlechten Ruf hat oder ihr Vater vielen Menschen Geld schuldet oder weil sie selbst den Ruf hat, viel über andere Menschen zu reden. Und wer redet, verschwindet spurlos. Regisseurin Debra Granik zeichnet ein gleichermaßen trostloses und beängstigendes, wie auch faszinierendes und intensives Bild des Lebens im Outback. Die Atmosphäre ist unglaublich dicht und der Film lässt wenig Hoffnungsschimmer. Viel mehr zieht er das Schreckliche und Unfassbare konsequent durch und peinigt den Zuschauer mit Bildern verbitterter und verwahrloster Menschen, die sich untereinander behandeln, als lebten sie im finsteren Mittelalter. Haben wir uns zum Beispiel bei den Simpsons über die Hinterwäldler lustig gemacht, wird dieses Bild auf erstaunliche Art und Weise korrigiert. Erst sagt man: „Die sind ja, wie bei den Simpsons“ und dann merkt man: „Das ist aber gar nicht lustig, wie die leben müssen“ „Winter's Bone“ beeindruckt außerdem durch Gründlichkeit. Das Zusammenspiel von Ästhetik, Musik und Darstellern ist bis ins kleinste Detail ausgearbeitet und verdient an sich schon Anerkennung. Um abschließend auf die Darstellung einer Jennifer Lawrence zu kommen: Sie spielt sehr gut und ihre Rolle trägt im Prinzip den gesamten Film. Dennoch vollzieht ihre Figur keine Entwicklung, was im Grunde den ganzen Film noch tragischer macht. Nichts an ihrer Lebenssituation wird sich je ändern und im besten Fall besteht der Status Quo. Betrachtet man Lawrence' bisherige Rollen, so findet man die üblichen Stationen der Karriere einer amerikanischen Jungschauspielerin. Der Oscar wäre sicher verfrüht gewesen und man sollte abwarten, wie sie sich in ihren nächsten Projekten schlägt.

„Winter's Bone“ ist ein intensives Drama, welches einen kompromisslosen und schockierenden Blick in eine andere Welt gewährt, die aber bei genauerer Betrachtung nicht so weit weg ist, wie man es sich angesichts dieser Bilder wünscht.

Winter's Bone (USA, 2010): R.: Debra Granik; D.: Jennifer Lawrence, Shirley Waggener, Garret Dillahunt, u.a.; M.: Dickon Hinchliffe; Offizielle Homepage

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Thor

2011-05-04T06:50:00.000-07:00

Was hat Stan Lee genommen? Man könnte sich manchmal fragen, zu welchen geheimen Astralwegen und Kanälen der Comicautor Zutritt hatte. Kein anderer Kollege im Comicbusiness kann ähnlich viele Charaktere und dazu gehörige Serien vorweisen. Im „Wir verfilmen alles!“- Wahn, dem die Filmwelt derzeit unterliegt ist es natürlich kein Wunder, dass Stan Lee's Schöpfungen längst den Weg auf die große Leinwand gefunden haben. Wurden zunächst die weitgehend bekannten Serien um Spider-Man, Wolverine und den X-Men adaptiert, kramt man heutzutage etwas tiefer. Heraus kommen so illustre Gestalten, wie Captain America, Iron Man oder der Donnergott Thor

Da hat Thor aber mächtig Mist gebaut. Eben wurde er noch als großer Held gefeiert und auch noch zum Nachfolger des amtierenden Götterkönigs Odin erklärt, da vermasselt er auch schon alles. Es herrschte zähneknirschender Frieden zwischen der Götterwelt Asgard und der Eisriesenheimat Jötunheim, aber durch sein vorschnelles Auftreten und seiner arroganten Haltung provozierte Thor eine neue Auseinandersetzung. Im Zorn verbannt Odin unbeugsamen Sohn auf die Erde, beraubt ihn seines Hammers und seiner Kräfte. Hier soll er als Mensch lernen, verantwortungsvoll und weise zu handeln. Er soll eben genau die Tugenden lernen, die ihn eines Gottes würdig machen. Auf der Erde trifft er die Astrologin Jane, durch deren Hilfe er seinen Hammer zurück bekommen will. Allerdings hat die geheimnisvolle Organisation Shield bereits einen Blick auf die wertvolle Waffe geworfen. Zu Hause in Asgard laufen die Dinge auch nicht gut. Der böse Götterbruder Loki hat das Ruder übernommen, nachdem Odin in eine Art göttliches Koma gefallen ist. Er schmiedet finstere Pläne, die nicht nur Asgard in einen neuen Krieg stürzen könnten.

„Thor“ ist der nächste Streich in einer ganzen Filmreihe, die im ganz großen Stil das Marvel-Franchise noch weiter ausbauen soll. Ähnlich, wie in den Comics, in denen die Figuren der unterschiedlichsten Serien ständig aufeinander treffen, soll nun auch im Film ein sogenanntes Crossover stattfinden. Die Vorbereitungen dafür laufen seit dem ersten Iron Man Film 2008. Hier wird bereits das erste Mal von der geheimen Schutzbehörde Shield gesprochen und im zweiten Teil wurden dann sogar schon prägende Figuren, wie Nick Fury und Black Widow eingeführt. Wie geht’s nun weiter? Thor ist der nächste im Bunde, in diesem Jahr wird noch die neue Verfilmung von „Captain America“ anlaufen und im nächsten Jahr gipfelt das ganze dann in „Die Rächer“, einem Superheldenteam, welches sich dank seiner Beliebtheit nicht hinter X-Men, Fantastic Four, oder der Justice League verstecken muss (Oha! Die wurde auch noch nicht verfilmt...). Nun aber kurz noch zu Thor. Bei aller Skepsis war ich relativ angetan. Das hochtrabende Göttersetting wirkt etwas steif und so, als würde man einen alten Schinken aus den 60er Jahren sehen. So einen Film, der sich trotz seiner albernen Kostüme und der Pappmachékulisse sehr ernst genommen hat. Nach ungefähr einem Drittel wird aber dieser bierernste Aspekt der Story enorm aufgeweicht. Es gibt zahlreiche sehr lustige Begegnungen mit Thor und der normalen Erdbevölkerung. Insgesamt ist der Tenor des Films enorm locker und man muss sich nicht selbst daran erinnern, eine Comicverfilmung zu sehen.

„Thor“ ist durchaus gelungen, fängt die ohnehin ungewöhnliche Atmosphäre des Comics perfekt ein und trumpft neben erstklassigen Schauspielern auch noch mit extrem hübschen Special-Effects auf. Insgesamt lässt sich aber nicht der Eindruck verwehren, man sieht hier nur den Auftakt eines viel spektakuläreren Abenteuers. Wollen wir hoffen, man hat nicht das gesamte Pulver schon für die Sequels verschossen und „Die Rächer“ werden wirklich großartig. Man ist gespannt.

Thor (USA, 2011): R.: Kenneth Branagh; D.: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, u.a.; M.: Patrick Doyle; Offizielle Homepage

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Four Lions

2011-05-02T05:20:00.000-07:00

Vor beinahe einem Jahr habe ich an dieser Stelle bereits das Bild des Arabers in Hollywoodfilmen thematisiert. Der von Medienwissenschaftler Jack Shaheen produzierte Dokumentarfilm „Reel Bad Arabs“ bot viel Stoff zum nachdenken und -haken. Seit ein paar Tagen läuft nun ein Film, dem seine Kritiker vorwerfen, er zeichne eine verhöhnende Karikatur von arabischen Terroristen, verharmlose den Terrorismus an sich und verunglimpfe obendrein noch die Opfer. Andere sehen in dem Film eine bitterböse Satire, die unserem Zeitgeist entspricht und unbedingt gesehen werden muss. Muss sie wirklich? Hier ist „Four Lions“

Omar reicht es. Er kann die Unterdrückung und die Diskreminierung der Moslems weltweit nicht mehr länger mit ansehen. Er will sich dem heiligen Krieg anschließen, um der Gesellschaft zu zeigen. Zusammen mit seinen Freunden, Waj und Faisal, will er nach Pakistan in ein Ausbildungslager der Mujahedin fahren. Barry, der zum Islam konvertiert wurde, soll so lange zu Hause bleiben und die Stellung halten, sowie ein Ziel aussuchen. Im Ausbildungscamp geht einiges schief und sie werden mit Schimpf und Schande davon gejagt. Um seine Freunde nicht zu enttäuschen, tut Omar so, als hätte er vom Emir einen Auftrag erhalten. Nach langem Hin und Her einigt man sich schließlich auf ein Anschlagsziel. Nun muss nur noch der Spregstoff besorgt werden.

Das Thema ist schwierig. Egal, wie man es anpackt, es besteht immer die Gefahr, dass es jemanden nicht gefällt und ihn im schlimmsten Fall auch noch beleidigt. Ist es geschmacklos, über Selbstmordattentäter zu lachen? Ist es politisch korrekt, über tölpelhafte Möchtegern-Dschihadisten zu lachen? Diese Fragen werden in der öffentlichen Diskussion über diesen Film gestellt, seit er vor einem Jahr zum Fantasy Filmfest lief. Dass dieser Film allerdings gar keinen Zweifel bei diesen Fragen aufkommen lässt, vergisst man bei dieser Diskussion. Wirklich lachen kann man nämlich nicht, und die Protagonisten sind nicht tölpelhaft, allenfalls sind sie verwirrt. Der Film ist erschreckend realistisch und es werden genau die Dinge angesprochen, über die wir - gerade heute – nach denken müssen. Über Diskriminierung und Fremdenhass. Über Vorurteile und, wie unsere Gesellschaft allgemein mit Terrorismus umgeht. Die Figuren im Film wissen gar nicht so richtig, warum sie sich in die Luft jagen wollen, sind aber durch ihren Glauben vollkommen davon überzeugt, dass es richtig ist. Ihnen kommt auch nicht der Gedanke, dass es falsch sein könnte, Unschuldige Menschen zu töten. Trotzdem sind es ganz normale Typen, die dem Zuschauer auch noch sympathisch sind. Es gibt Szenen im Film, die lustig gemeint sind, es aber eigentlich nicht sind. Viel mehr ist alles an dieser Geschichte tragisch und verwirrend. Trotzdem lacht man. Auf dem Plakat steht, es sei eine Komödie, also lache ich! Basta!

„Four Lions“ bietet einen einzigartigen Blick auf die Problematik des Terrorismus. Fragen, die man hat, werden nicht beantwortet und man hat oft das Gefühl, man versteht vieles nicht. Ich aber hatte nie den Eindruck, der Film macht sich über Araber oder Terroristen lustig. Ich hatte eher das Gefühl, dass ich über diese Menschen so gut wie nichts weiß und das ist vielleicht das größte Problem von allen.

Four Lions (GB, 2010): R.: Christopher Morris; D.: Riz Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, u.a.; Offizielle Homepage

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World Invasion: Battle Los Angeles

2011-05-02T04:50:00.000-07:00

Hollywood findet Krieg toll. Man kann Krieg intensiv und fulminant inszenieren, man kann den Patriotismus zelebrieren, als würde es kein Morgen geben und man kann ohne Anstrengung massenweise neue Helden schaffen. Das Problem ist, dass Krieg eigentlich was Schlimmes ist. Menschen sterben, alles wird zerstört und niemand lernt aus einem Krieg, sonst würde es nicht ununterbrochen auf der Erde krachen. Mittlerweile scheint es wieder viel leichter zu sein, einen echten Krieg zu machen, als einen überzeugenden Filmkrieg zu inszenieren, wie nicht zu Letzt der neue Film von Jonathan Liebesman „World Invasion: Battle Los Angeles“ beweist.

Als hätten die Amerikaner nicht schon genug Probleme, kommen nun auch noch unbekannte Flugobjekte auf die Küstenstädte zu geflogen. „Bloß ein paar Meteoritenschauer“, heißt es, doch das klassische Argument wird durch nicht minder klassisches Gegenargument ausgehebelt: „Sie werden langsamer.“ Schnell ist klar, es handelt sich um künstliche Objekte und verwackelte Fernsehlivebilder bestätigen die Vermutung, dass dieser Angriff von außerhalb der Erde zu erfolgen scheint. Die Aliens haben es offensichtlich auf unser Wasser abgesehen, deshalb konzentrieren sie ihre Angriffe zunächst auf die Küstenregionen. Eine Einheit von US-Marines unter dem Kommando von Sergant Nantz erhält den Auftrag in Santa Monica einen massiven Luftschlag der Airforce vorzubereiten. Sie sollen die betroffenen Gebiete evakuieren. Da trifft wenige Stunden vor dem Angriff ein Notruf mitten aus dem Feindgebiet ein. Hier sitzen Zivilisten fest. Nantz und seine Truppe ziehen zur Rettung los, die außerirdischen Invasoren machen es ihnen allerdings beinahe unmöglich, ihren Auftrag rechtzeitig auszuführen.

Wie beschreibt man diesen Film am besten? Eine Mischung aus Found-Footage-Movie und Call Of Duty? Wir haben eine Science-Fiction-Geschichte, die auf Realismus getrimmt wurde. Die Story einer Invasion aus dem All, der wir Menschen nichts entgegen zu setzen haben, ist nun wirklich nicht neu und wurde allein in diesem Jahr schon mehrfach filmisch umgesetzt. Die Idee, alles herunter zu brechen und den Zuschauer ganz nah heran zu holen ist zwar gut, gab es aber auch schon und wurde vor allem schon viel besser umgesetzt. Es ist noch nicht lange her, da wurde man im Kino von „District 9“ genau durch dieses Konzept gleichermaßen fasziniert, wie auch schockiert. „World Invasion“ ist wie ein uninspirierter Abklatsch und glänzt obendrein noch durch zahlreiche Logik- und Continuity Fehler. Außerdem krampft der Film so sehr um die Realismusschraube herum, dass es schon wieder lächerlich ist, wenn Sgt. Aaron Eckhart von seinen traumatischen Erlebnissen im Irak-Krieg berichtet, während die fliegenden Untertassen über die Stadt sirren. Genauso lächerlich ist es, dass die Army ihre gesamte Verteidigungsstrategie auf der These fußt, die Angreifer hätten nur Bodentruppen und keine Fluggeräte. Selten dämlich und diese dämliche Strategie wird nur noch durch ihr fulminantes Scheitern übertroffen. Außerdem ist es sehr anstrengend, den Film zu sehen. Über weite Passagen wackelt die Kamera ununterbrochen, oder das Bild ist überbelichtet und die durchaus schick gemachten Special-Effects verfehlen ihre Wirkung, weil man sie schlicht und ergreifend nicht sieht. Realismus auf voller Dröhnung, aber die ganze Zeit läuft diese patriotische Siegesmusik im Hintergrund. Regelrecht störend ist mal wieder das verherrlichende Bild des amerikanischen Militärs. Die Dialoge sind gespickt mit Soldatenjargong, der dann aber dem unbedarften Zuschauer sofort erklärt werden muss. So, wie bei der Sendung mit der Maus.

„World Invasion: Battle Los Angeles“ ist enttäuschend, weil es ein geklautes Konzept als innovativ bewirbt und es dann nicht einmal schafft, dieses Konzept halbwegs überzeugend umzusetzen. Der Film scheitert nicht ganz so erbärmlich wie „Skyline“ vor einem halben Jahr, aber es kann nur schlimmer werden. Der Titel lässt da noch die ein oder andere Fortsetzung befürchten, die wohl nicht lange auf sich warten werden lässt.

World Invasion: Battle Los Angeles (USA, 2011): R.: Jonathan Liebesman; D.: Aaron Eckhart, Michelle Rodriguez, Ramon Rodriguez, u.a.; M.: Bryan Taylor; Offizielle Homepage

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The Fighter

2011-04-15T02:35:00.000-07:00

Was haben wir mit ihm gelitten. Er war kleine Mann von der Straße, der es schaffte, sich nach ganz oben zum Star-Boxer zu kämpfen. 1975 eroberte Rocky die Kinokassen und Herzen der Zuschauer im Sturm. Das Verprügeln von Rinderhälften traf genau ins Schwarze und schaffte es, fünf mal fortgesetzt zu werden. „Rocky“ war eine erfundene Geschichte, doch gab es in dieser Zeit auch echte Boxer in echten Boxringen. Die wahre Geschichte von Micky Ward und seinem Bruder Dicky wurde jetzt aufwändig von David O. Russell verfilmt und trägt den Titel „The Fighter“

Micky ist Straßenarbeiter in Lowell und ist relativ unzufrieden mit seinem Leben. Die einzige Möglichkeit, dem Alltag zu entkommen, bietet sich ihm im Boxring. Sein Bruder Dicky trainiert ihn und seine Mutter organisiert die Kämpfe, aus denen er mal mehr, mal weniger erfolgreich hervor tritt. Dicky war früher selbst ein überaus erfolgreicher Kämpfer, dessen Glanzzeit allerdings schon lange vorbei ist und er nun mit dem Absturz in den Drogensumpf ringt. Micky hadert mit seiner Situation. Er ist seiner Familie sehr verbunden und fühlt sich verpflichtet, mit ihnen an seiner Karriere zu arbeiten. Andererseits merkt er, dass er auf diese Weise nicht weiter kommt. Dann geschehen zwei Dinge. Micky lernt die hübsche Barkeeperin Charleene kennen und sein Bruder Dicky kommt wegen zahlreicher Delikte in den Knast. Unter hartnäckigem Zureden seiner neuen Freundin, packt Micky die Gelegenheit beim Schopf und sucht sich neue Manager und Trainer, durch deren Hilfe er tatsächlich immer weiter kommt, bis der Weltmeistertitel winkt. Die Familie fühlt sich ausgeschlossen und schmiedet nun Pläne, den Boxersohn wieder zu holen.

Wie schon angedeutet, ist das Motiv nicht ganz neu. Kleiner Mann von der Straße will Boxer werden und trainiert einfach so lange, bis er Weltmeister wird. Es ist das ultimative Symbol für das Erfüllen von Lebensträumen und für das Schulterklopfen, dass man dafür benötigt. „The Fighter“ gibt sich keine Mühe, zu verbergen, dass er in genau diese Kerbe schlägt. Der Weg des Kämpfers Micky ist mit Hindernissen gepflastert und auch wenn es dramaturgisch überzeugend immer wieder zu Tiefpunkten und Rückschlägen kommt, zweifelt man als Zuschauer keine Sekunde lang daran, ob es Micky nun schafft oder nicht. Auch das Motiv des großen Bruders, der früher ein Held war und jetzt nur noch der drogenabhängige Klotz am Bein ist, hat man schon des öfteren gesehen. Um den Eindruck noch zu verstärken, hat sich Regisseur David O. Russell für einen Stil entschieden, der an alte Fernsehaufnahmen aus den 70er Jahren erinnert, was die ästhetische Brücke zu „Rocky“ noch ausbaut. Trotzdem ist „The Fighter“ durchaus sehenswert. Das ist allerdings weniger der Story, als viel mehr den überragenden Leistungen der Darsteller zu verdanken. Mark Wahlberg scheint als wortkarges und eintöniges Muskelpaket perfekt besetzt zu sein, denn er schafft es, sogar mich zu überzeugen. Größere Überraschungen bieten allerdings die Nebendarsteller. Christian Bale und Amy Adams wachsen über sich hinaus und spielen auf eine Weise, wie sie noch nie vorher zu sehen waren. Gerade in der letzten Zeit ist die Diskussion entflammt, Bale als ernstzunehmenden Schauspieler, oder als Hungerkünstler mit Körperfetisch zu betrachten ist. In „The Fighter“ beweist ein Stück weit, dass er beides unter einen Hut zu bringen vermag. Schön ist auch, dass die ganze Atmosphäre des Films sehr authentisch wirkt. Man merkt dies an Szenen, in denen die Familie ganz normal und zwanglos plaudert. Die Art und Weise, wie die Dialoge geführt werden, klingt sehr echt und gar nicht konstruiert, was zeitweise den Eindruck erweckt, man sieht sich einen Dokumentarfilm an.

„The Fighter“ ist ein guter Film und auch, wenn das grundlegende Motiv der Story nicht neu ist, birgt er lauter angenehme Überraschungen. Nicht zu Letzt die, dass auch wahre Geschichten unter Umständen ein Happy End haben können.

The Fighter(USA, 2010): R.: David O. Russell; D.: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, u.a.; M.: Michael Brook; Offizielle Homepage

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Sucker Punch

2011-04-13T01:45:00.000-07:00

Worauf hab ich Bock? Ich möchte gerne mal wieder einen vollkommen überflüssigen und gleichermaßen spaßigen Film sehen. Ein Film, der die Grundidee des Kinos schamlos und konsequent umsetzt, nämlich mich als Zuschauer zu unterhalten. Ich habe keine Lust, mir knüppelharte Folterszenen anzusehen, ebenso wenig wie aufgesetzte und überkitschte Teeny-Komödien über das Saufen und Fressen am Campus. Mir steht nicht der Sinn nach Historienschinken oder Polit-Thriller. Dass die Welt ein schlechter Ort ist und es nicht mehr lange gut gehen kann mit uns, weiß ich doch auch so und ich möchte mich gerne mal für eine kleine Weile davon ablenken lassen. Wie gerufen kommt Zack Snyder mit „Sucker Punch“ im Gepäck.

Die kleine großbeaugte und blondbehaarte Baby Doll hat ein Problem. Die Mutter stirbt und hinterlässt in ihrem Testament alles ihren beiden Töchtern. Das findet der Stiefvater gar nicht dufte und bringt kurzerhand zunächst die jüngere Schwester um und will sich anschließend Baby Doll selbst vorknöpfen. Die wehrt sich erfolgreich und überlebt, bis die Polizei eintrifft. Alles ist gut. Pustekuchen! Der böse Stiefvater erzählt den Polizisten, Baby Doll sei verrückt geworden, hätte ihre kleine Schwester getötet und wäre dann auf ihn losgegangen. Baby Doll wird nun in die nächstbeste Irrenanstalt verfrachtet und soll dort mittels Logotomie in hirnloses Gemüse verwandelt werden. Ein Wimpernschlag und plötzlich sind wir an einem völlig anderen Ort. Baby Doll ist in einem Edelpuff und wurde von einem bösen Priester hier her geschafft. Der Puffbesitzer will sie aufmotzen für einen ganz besonderen Kunden. Doch Baby Doll verbündet sich mit den anderen Mädels, um einen Fluchtplan auszutüfteln. In einer Vision erklärt ihr ein alter und weiser Krieger, wie sie die Dinge beschaffen kann, die ihr zur Flucht verhelfen sollen. Während sie tanzt, sollen alle abgelenkt sein und die anderen sollen die begehrten Teile klauen. Immer wenn Baby Doll tanzt, geht’s in eine pompöse Fantasy-Welt, in der gegen allerlei Monster gekämpft werden muss, um an das jeweilige Artefakt heran zu kommen. Schritt für Schritt kommen die Mädchen ihrem Ziel immer näher.

Zack Snyder ist ein Perfektionist, was die visuelle Präsentation seiner Filme angeht. Während „Dawn Of The Dead“ durchaus noch als vorsichtiger Gehversuch des Regie-Frischlungs zu betrachten ist, tobt er sich seit „300“ in einem wahren Orgasmus perfekter Bilderfluten ungehemmt aus. Bisher hat er sich stets mehr oder weniger populäre Vorlagen geschnappt und sie auf die Leinwand gebannt. „Sucker Punch“ ist nun der erste Snyder-Film, bei dem er sich auch für die Story und das Drehbuch verantwortlich zeigt. Der Grundtenor des Films ist klar. Heiße Mädels in knappen Outfits kämpfen gegen überdimensionierte CGI-Monster. Dass es da nur so kracht und splattatert, ist auch absehbar. Und das ist auch die große Stärke des Films. Wir haben klassische Charaktere, die einer klassisch gradlinigen Story folgen und in unglaublich bombastischen Actionszenen ganz klassische Prügelportionen verteilen. Es gibt in einer utopischen Version des ersten Weltkriegs Zombiesoldaten, die mit Dampf und Zahnrädern angetrieben werden. Wir haben eine mittelalterliche Burg, die von tausenden griesgrämigen Ork-Viechern bewohnt ist. Es gibt einen rasenden Güterzug, der eine tickende Bombe an Bord hat, die es zu entschärfen gilt. Und, um das Menü noch abzurunden: Es gibt einen Drachen! Action! Man kommt kaum zum atmen, während der Kampfszenen. Alles ist überdimensioniert und einfach nur bombastisch. Die Mädels sehen heiß aus, haben immer einen coolen Spruch parat und Riesenwummen. „Sucker Punch“ ist der fleischgewordene Traum aller kleinen und großen Jungs. Es ist die Offenbarung einer ganzen Generation Action liebender Schlachtplattenfans. Es ist der Beweis, dass gradlinige und fulminante Action manchmal wichtiger ist, als eine anspruchsvolle Story. Es ist die Katharsis für das hochtrabende Kunstfilmchen. Es nimmt mich mit in eine unglaubliche Welt, in der alles in Zeitlupe abläuft. Ich schwebe durch ein Universum aus Licht, Feuer und Lärm. Ich schwebe mit den holden Kriegsmaiden und sie vergöttern MICH! Denn ICH bin SUCKER PUNCH!

Trotz seiner bildgewaltigen Präsentation lässt der Film offensichtlich noch genug Raum für die eigene beflügelte Fantasie. „Sucker Punch“ ist großartige Unterhaltung für den kleinen Geist. Ein Rezept, dass wunderbar funktioniert und sofort Lust auf mehr Snyder macht. Bald dürfen wir uns ja auch auf seinen „Superman“ freuen. Das dürfte dann das nächste Fest für die verkümmerten Sinne werden.

Sucker Punch (USA, 2011): R.: Zack Snyder; D.: Emily Browning, Abbie Comish, Carla Cugino, u.a.; M.: Tyler Bates; Offizielle Homepage

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Biutiful

2011-03-31T06:35:00.000-07:00

Es war eine kleine Sensation. „Babel“ war eine relativ schlichte Produktion, der kaum Chancen eingeräumt wurde, auf dem internationalen Markt zu bestehen, geschweige denn, wichtige Filmpreise und Belobigungen zu erhalten. Die Gründe hierfür sind relativ klar. Es handelt sich um einen Episodenfilm, der zu drei Vierteln mit Untertiteln unterlegt ist. Das mag wichtig sein, um das eigentliche Thema – die Wirren der verschiedenen Sprachen – zu veranschaulichen, ist aber erfahrungsgemäß ein echter Publikumskiller. Die Überraschung war perfekt. Der Film erreichte ein enormes Einspielergebnis, floppte nicht einmal in den USA und kassierte Oscar-Nominierungen in allen wichtigen Kategorien, die er 2007 nur wegen der unglaublich dicht gesäten ebenbürdigen Konkurrenz nicht in Auszeichnungen umwandeln konnte. Alles in Allem war es ein voller Erfolg und Regisseur Inarritu hatte allen Grund, sich selbst die Schulter zu klopfen. Trotzdem hat er sich vier Jahre Zeit gelassen, einen neuen Film zu machen, der nun auch endlich in weimarer Kinos zu sehen ist.

Uxbal ist ein Kleinkrimineller, der sich in Barcelona durch schlägt. Seine Haupteinnahmequelle sind illegale Einwanderer aus Afrika, die sich als Straßenhändler und Dealer betätigen. Er verschafft ihnen gute Plätze und hält ihnen die Polizei vom Hals. Außerdem vermittelt er für ein paar chinesische Industrielle Jobs für deren illegale Arbeitskräfte. Zusätzlich betätigt er sich als Medium und wird von Menschen gerufen, die einen verstorbenen Mitmenschen betrauern. Er nutzt telepathische Fähigkeiten, um letzte Botschaften der Toten zu empfangen. Er weiß, dass ein Verstorbener niemals würde gehen können, wenn er in der Welt der Lebenden noch etwas unerledigt zurück gelassen hat. Nachdem er nach einer Routineuntersuchung beim Arzt eine erschütternde Nachricht erhält, will er sich verstärkt der Familie widmen, damit er eben nichts zurück lassen muss und in Frieden die Welt verlassen kann.

„Biutiful“ erzählt zwei Geschichten. Wir erleben einmal den etwas aufgeplusterten Leidensweg des kleinen Gangsters Uxbal, der immer wieder ins Mystische und auch ins Melodramatische, gar Kitschige abrutscht. Der andere Part ist wesentlich realistischer und härter und berichtet über das Leben am Rande der Gesellschaft in einer riesigen Stadt, wie Barcelona. Während Uxbal immer wieder in Szenen, familiärer Banalitäten zu sehen ist, führt uns Inarritu stets die ungeschönte Wahrheit vor Augen, was mitunter in schockierenden und drastischen Szenen gipfelt. An diesen Stellen kommt der Film aber immer wieder ins Straucheln, denn irgendwie wirken diese beiden Teile der Geschichte so inkompatibel, dass das Gesamtbild und die Glaubwürdigkeit des ganzen Films immer wieder Flöten geht. Allerdings schafft es der Film mit viel Mühe, den Zuschauer immer wieder auf den richtigen Weg zu bringen, und baut an den richtigen Stellen eine enorme Spannung auf. Trotzdem ist das Erzählkonzept von „Biutiful“ nicht so flüssig und ausgereift, wie das bei „Babel“ gelungen ist. Man gewinnt den Eindruck, der Film will zu viel erzählen und ist trotz seiner langen Laufzeit enorm voll gepackt und geradezu überladen. Trotz einiger Kleinigkeiten, die mich noch stören, was die technische Umsetzung mancher Szenen angeht, beeindruckt der Film allein durch die mächtigen und ausdrucksstarken Bilder, die ununterbrochen auf die Sinne prasseln und das war ja seinerzeit auch die größte Stärke von „Babel“.

„Biutiful“ ist gut, aber nicht so gut, wie man es angesichts der langen Produktionszeit und des fantastischen Hauptdarstellers hätte erwarten können. Die Mängel des Films sind eben nicht den Fähigkeiten der Mitwirkenden geschuldet, sondern dem Gesamtkonzept, welches sich einfach einen Tick zu viel vorgenommen hat. Sehenswert ist „Biutiful“ allemal, schon allein, um sich wieder mal zu beweisen, dass Javier Bardem einer der besten und vielseitigsten Schauspieler unserer Zeit ist, und es hoffentlich noch sehr lange bleiben wird.

Biutiful (ESP, MEX, 2010): R.: Alejandro Gonzales Inarritu; D.: Javier Bardem, Maricel Alvarez, Eduard Fernandez, u.a.; M.: Gustavo Santaolalla; Offizielle Homepage

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Den hatte ich verpasst - Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt

2011-03-29T05:36:00.000-07:00

„Nerd: (engl. für Schwachkopf) Der Nerd ist ein Soziotypus der Informationsgesellschaft.“ heißt es im Duden. Nerds verfügen außerdem über herausragende Videospiel-Kenntnisse (sog. Skills) und zeichnen sich durch ein enormes Fachwissen auf sehr speziellen Gebieten aus. Nerds sind außerdem außer Stande, zwischenmenschliche Beziehungen aufrecht zu erhalten und soziale Kontakte zu pflegen. Hinzu kommt eine konsequente Ignoranz gegenüber Ordnung oder Hygiene. Nerds gelten als Sonderlinge und vegetieren am Rande der Gesellschaft. Da Nerds weder psychisch noch physisch an irgendeiner diagnostizierbaren Krankheit zu leiden scheinen, gibt es nahezu keine Möglichkeit, sie von ihrem Leiden zu befreien. Das größte Problem hierbei scheint das mangelnde Verständnis dieser Gattung zu sein. Unsere Gesellschaft ist eben einfach nicht für Nerds geschaffen. Das erstaunlichste an Nerds ist aber, dass sie diesen Zustand der sozialen Isolation vollkommen bewusst wählen und alles dafür tun, ihn zu erhalten. Um ein anschauliches Beispiel zu nennen: Fängt die Mutter eines Nerds an, sich für die Hobbys ihres Sohnes zu interessieren, ist dieser auf dem besten Weg, bald kein Nerd mehr zu sein.

Scott Pilgrim ist 22 Jahre alt, lebt im fernen Land Toronto, Kanada, spielt Bass in der Band „Sex Bob Omb“ und datet was 17-jähriges. Knives ist 17, Chinesin und Scotts Freunde – allen voran seine Schwester – können es nicht fassen. Scott ist nämlich ein Möchtegern-Frauenheld und hat sich eigentlich noch gar nicht von seiner letzten Trennung erholt, die für ihn nicht hätte schmerzhafter sein können. Eines Tages trifft er auf Ramona Flowers. Sie ist das schönste und coolste Mädchen, das er je gesehen hat und weiß sofort und ganz sicher, dass sie die Richtige sein muss. Ohne zu zögern, macht sich Scott an sie heran und scheint tatsächlich bei Ramona landen zu können. Noch im Glückstaumel, stürmen mehrere große Probleme auf Scott ein. Er muss mit Knives Schluss machen, auch, wenn es ihm sehr schwer fällt und er es immer wieder hinaus zögert, bis es fast zu spät ist. Außerdem muss er sich der Liga der teuflischen Ex-Lover stellen, um Ramona endgültig für sich gewinnen zu können.

Hinter dieser normalen, ja geradezu banalen Liebesgeschichte verbirgt sich der verrückteste und ausgeflippteste Film der letzten Jahre. „Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt“ fängt ganz harmlos an und bedient zunächst den dezenten und charmanten Humor, den man vielleicht aus „Scrubs“ oder „Garden State“ kennt. Sofort fällt auch die nerdige Note auf. Witze und Slapstick für die man eine gehörige Portion Understatement benötigt und bei denen man nicht weiß, ob man das wirklich den ganzen Film durchhält und witzig finden will. Doch „Scott Pilgrim“ ist in jeder Hinsicht unkonventionell und so steigert sich der Film in enormen Tempo bis hin zu völlig überzogenen Actioneinlagen und spektakulären Kämpfen, wie man sie bisher höchstens in zünftigen Prügelspielen an der Spielkonsole gesehen hat. Der Film wedelt hierbei regelmäßig mit offensichtlichen metaphorischen Dampframmen, damit auch keine Missverständnisse aufkommen könnten, worum es überhaupt geht. Hier treffen zwei extreme Gegensätze aufeinander. Kleine, charmante Teeniekomödie vs. Brachiale Actionklopperei. Regisseur Edgar Wright tobt sich richtig aus und persifliert gewissenhaft und ausführlich den ganzen Subkulturzweig der Nerdness mit allem was dazu gehört, nicht ohne sich gleichzeitig tief zu verbeugen und ihr ein zeitloses Denkmal zu setzen. Beeindruckend ist, dass der Film trotz des spektakulären Rahmens niemals den roten Faden der eigentlichen Story verliert, so albern sie auch sein mag. Wright ist Experte auf diesem Gebiet, zog er doch 2004 mit „Shaun Of The Dead“ erst die Zombies und 2007 mit „Hot Fuzz“ schließlich die Superpolizisten der britischen Provinz durch den Kakao. Bei diesen Filmen wird aber nicht einfach irgendein Film billig nachgemacht, sondern stets ein ganzes Genre mit intelligentem Humor auf die Schippe genommen. Zu welchem Genre „Scott Pilgrim“ zu zählen ist, fällt enorm schwer. Nennen wir es einfach ein grandioses Stück „Nerdness“

„Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt“ ist hierzulande ganz klammheimlich am großen Publikum vorbei gegangen, was ja eigentlich auch der Sinn der ganzen Sache sein müsste. Leider hat Hollywood kein Verständnis für solche Querulantenfilme, ebenso, wie die Gesellschaft kein Verständnis für Nerdtum aufbringen kann. Betrachtet man „Scott Pilgrim“ von der rein filmischen Seite, findet man ein unglaublich sorgfältig und detailverliebtes Kleinod und man darf um Himmels Willen nicht noch mehr Zeit verstreichen lassen, sich ihn endlich anzusehen.

Scott Pilgrim vs. The World (USA, Kanada, 2010): R.: Edgar Wright; D.: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Ellen Wong, u.a.; M.: Nigel Godrich

Mal wieder gesehen - Catch Me If you Can

2011-03-29T02:19:00.000-07:00

Nur wer hart und ehrlich arbeitet, wird es im Leben zu etwas bringen. Das ist zumindest die Botschaft, die den Kindern seit je her von Lehrern, Chefs, Eltern und allen, die auch nur im Ansatz als Respektsperson durchgehen könnte, in den Kopfe gehämmert wird. Und wie reagieren die lieben Kleinen? Entweder sie sagen „Leckt mich“, färben sich die Haare, zerreißen ihre Klamotten, verprügeln Polizisten und hören Musik, die ihren Eltern unter keinen Umständen gefallen darf. Ist das normal? Andere gehen gemäßigtere Wege mit verheerenden Folgen. Sie überlegen sich raffinierte Pläne, um durch Betrug und Täuschung das ganze System auszuhebeln und zusätzlich Unmengen von Geld zu ergaunern.

Frank Abagnale Junior ist berühmt. Er ist einer der erfolgreichsten Trickbetrüger der letzten Jahrzehnte und beschaffte sich durch Scheckbetrug mehr als 6 Millionen Dollar. Außerdem war er als Pilot, Arzt, Anwalt und Lehrer tätig, ohne überhaupt die Highschool abgeschlossen zu haben. Er war in den 70er Jahren der „Most Wanted Man“ und wurde von zahlreichen Behörden – allen voran das FBI – erbittert gejagt, bis er 1975 letztendlich in Frankreich gestellt wurde. Der Film erzählt die Geschichte der Familie Abagnale so, dass Franks Vater von chronischer Pleite verfolgt, von Banken und Geschäftspartnern um viel Geld und seine Existenz betrogen wurde. Wegen der Geldnöte verließ Franks Mutter ihren Mann und ihren Sohn. So macht er also die Banken für das Leid und den Zerfall seiner Familie verantwortlich. Mit einer unfassbaren Leichtigkeit und Dreistigkeit mogelt er sich durch die haarsträubendsten Lügen und kommt auch noch damit durch. Er gibt sich als Pilot aus und nimmt Freiflüge in Anspruch. Er bewirbt sich als Chefarzt an einer Klinik, um anschließend die Anwaltsprüfung abzulegen und sich als Heiratsschwindler betätigt. Stets sitzt ihm der ehrgeizige FBI-Agent Carl im Nacken, der in Frank nicht nur den raffiniertesten Betrüger seiner Karriere sieht, sondern auch einen ebenbürdigen Gegner.

Es scheint das neue Dreamteam in Hollywood zu sein. Steven Spielberg, Tom Hanks und Leonardo DiCaprio harmonieren in diesem Film dermaßen perfekt, als hätten sie in ihrer Karriere nie mit jemand anderem gearbeitet. Obwohl diese Kombination so gut funktionierte und der Film weltweit mehr als 350 Millionen Dollar einspielte, ging er bei den wichtigsten Filmpreisverleihungen leer aus. Die Gesetzmäßigkeiten in Hollywood versteht sowieso kein Mensch und wenn man auf die Oscars und Golden Globes pfeift, bekommt man eine Geschichtsstunde mit biographischen Zügen und dem unbestechlichen Hollywood-Unterhaltungswert. Der Film basiert auf der Autobiographie des echten Frank Junior und fängt den Charme der swinging sixtys – und seventys – authentisch ein. Auffallend und spannend zugleich ist, dass das Wesen von Helden und Vorbildern in dieser Zeit sehr prägend gewesen ist. Piloten und Ärzte waren prinzipiell Respektpersonen und ihre Integrität stand nie außer Frage. Vor allem das öffentliche Leben richtete sich voll und ganz nach dem Prinzip „Kleider machen Leute“. Mit enormen handwerklichem Geschick verarbeitet der Film dieses uralte Erzählmotiv, welches wir nicht zuletzt seit den Abenteuern des Tapferen Schneiderleins nur zu gut kennen. Erstaunt stellte man damals fest, dass der Herzensbrecher und Schönling aus „Romeo & Julia“ und „Titanic“, Leonardo DiCaprio, tatsächlich ein ernst zu nehmender und durchaus fähiger Schauspieler zu sein schien. Er liefert in diesem Film eine enorme Leistung ab, denn wie Frank, schlüpft er in die unterschiedlichsten Rollen, die er gut darstellen muss, um als raffinierter Trickbetrüger überzeugen zu können.

„Catch Me If You Can“ ist ein überaus gelungener und schöner Film, der auch nach beinahe einem Jahrzehnt nichts von seiner Faszination und seiner Aktualität verloren hat. Frank Abagnale Junior ist zwar ein Krimineller, der einem aber von Anfang an sympathisch vorkommt, denn schließlich hat er es ja nur auf das Geld der Mächtigen und Reichen abgesehen, womit wir, ganz nebenbei, ein weiteres uraltes Erzählmotiv entdeckt hätten. Nach seiner Festnahme wurde Frank übrigens vom FBI engagiert, um dort im Betrugsdezernat zu arbeiten. Er entwickelte unter anderem den ersten fälschungssicheren Scheck der Welt.

Catch Me If You Can (USA, 2002): R.: Steven Spielberg; D.: Leonardo Di Caprio, Tom Hanks, Christopher Walken, u.a.; M.: John Williams.

Jack In Love

2011-03-28T08:54:00.000-07:00

Wenn sich Hollywood-Schauspieler einmal etabliert haben, versuchen die meisten, ihrem Kurs treu zu bleiben und machen keine Experimente. Ist man durch einen Actionfilm berühmt geworden, bleibt man dabei und dreht eben nur noch Actionfilme. Man wird zum Actionstar und keinen interessiert es, ob man vielleicht auch Dramen oder Komödien spielen möchte. Philip Seymour Hoffman ist Schauspieler, hat in so vielen Filmen eher kleinere Rollen gespielt, dass Sie ihn garantiert schon gesehen haben, ohne ihn zu erkennen und ist dabei dermaßen wandlungsfähig – nicht nur äußerlich. Nun wagt er einen Schritt, den wenige Schauspieler zuvor erfolgreich absolvieren konnten: Er führt Regie im kleinen Stil bei „Jack in Love“

Wie der Titel vermuten lässt, geht es um Jack. Der liebt Reggae, trägt rudimentäre Rastas, arbeitet bei einem Limousinen-Service und hat nur seine besten Freunde Clyde und Lucy. Er ist recht zufrieden mit einem Leben, erlebt allerdings nicht viel Spektakuläres. Seine Freunde stört das so sehr, dass sie sich entschließen, ihn auf Vordermann zu bringen. Am einfachsten – denken sie – geht das, indem man Jack mit der bezaubernden, aber unglaublich schüchternen Conny verkuppelt. Das scheint auch ganz gut zu klappen und die beiden vertragen sich wunderbar. Dann gibt es einige kleinere Hindernisse. Conny will mit Jack im Sommer Boot fahren. Jack hat nun nur wenige Monate Zeit, Schwimmen zu lernen. Sein Kumpel Clyde will es ihm beibringen. Dann erzählt Conny, dass noch nie jemand für sie gekochte hätte. Ganz klar, dass Jack das übernehmen möchte. Allerdings kann er nicht kochen. So besorgt ihm Lucy einen Superkoch, der Jack in die Künste des Essenmachens einführt. Jack kniet sich also ordentlich rein, um es seinen beiden besten Freunden recht zu machen und natürlich, um bei Conny erfolgreich landen zu können.

„Jack in Love“ basiert auf einem Bühnenstück von Robert Glaudini und fügt sich damit perfekt in das Profil von Projekten, die Philip Seymour Hoffmans Interesse wecken. Auch „Glaubensfrage“ von 2008 wurde aus einem Theaterstück adaptiert. Theaterstücke sind aber keine Filme und nur die wenigsten Regisseure haben es bis jetzt hingekriegt, diesen Umstand aus zu bügeln, oder sogar zu nutzen. Gerade an „Jack in Love“ merkt man, wie unterschiedlich Theater und Film tatsächlich sein können. Muss man die Leistung der Schauspieler – im Speziellen Philip Seymour Hoffman – loben, zieht man Minuspunkte bei der Dramaturgie ab. Hinzu kommt eine altbackene Inszenierung und uninspirierte Bilder eines grauen, verschneiten New Yorks. Die Dialoge wirken irgendwie plastisch und gekünstelt und bis auf einige rohe Entgleisungen sind insbesondere John Ortiz und Daphne Rubin-Vega nicht in der Lage, überzeugende Gefühlsregungen zu zeigen. Sie spielen eben das Vorzeigepärchen, dass die typischen Beziehungsprobleme hat. Auch, wenn sie sich in Jacks Leben einmischen und alles tausendmal besser wissen als er, sind sie offensichtlich nicht in der Lage, ganz klare Probleme ihrer eigenen Beziehung zu lösen. Es lohnt sich allerdings nicht, sich zu sehr darüber aufzuregen, denn im Grunde ist „Jack in Love“ nichts besonderes. Es ist schön, zu sehen, dass Philip Seymour Hoffman immer noch ein guter Schauspieler ist, der wahrscheinlich wirklich jede Rolle perfekt spielen kann, solange er sich irgendwie damit identifizieren kann. Als Regisseur hat eine eher durchschnittliche Leistung absolviert, die in seinem nächsten Projekt auf jeden Fall ausbaufähig ist.

„Jack In Love“ ist aber nicht vollkommen abzulehnen, und die Sympathie, die man seinem Regisseur entgegen bringt, lässt über die gravierenden Mängel etwas hinweg sehen. Es ist ein Erstling mit allen Ecken und Kanten und weil es eben um die liebe Liebe geht, lassen wir das nochmal durchgehen.

Jack Goes Boating (USA, 2010): R.: Philip Seymour hoffman; D.: Philip Seymour Hoffman, John Ortiz, Daphne Rubin-Vega, u.a.; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

Rango

2011-03-17T07:54:00.000-07:00

Habe ich nicht neulich noch vom sterbenden Genre des Western gesprochen? Hollywood reagiert mal wieder super schnell und beweist, dass Western noch lange nicht tot sind und sich sogar eignen, einen knuddeligen CGI-Film im Land der untergehenden Sonne an zu siedeln.

Unser Held ist eine Kreuzung aus Chamäleon und Gecko und lebt zufrieden in seinem Terrarium zusammen mit kopfloser Barbie, Plastepalme und Aufziehfisch. Mit dieser Truppe hat er schon zahlreiche erfolgreiche Theater- und Musicalinszenierungen realisiert und die Proben für den neuesten Streich sind in vollem Gange. Da geschieht das Unglück und die Echse fällt in ihrem Glaskasten aus dem fahrenden Auto auf die Straße. Nach kurzer Orientierung und der stürmischen Bekanntschaft mit einem Habicht, kommen wir in Dreck an. Ein kleines Städtchen mitten in der Wüste, dessen Einwohner unter chronischem Wassermangel leiden. Das wirkt sich auch auf deren Gemütszustand aus und irgendwie sind die Leute von Dreck alle bekloppt. Unser Held sieht hier allerdings die Chance seines Lebens. Er nennt sich ab sofort Rango, der Furchtlose, der die gefürchteten Jenkins-Brüder mit nur einer Kugel getötet hat und dessen Bruder Klapperschlangen-Jake heißt. Rango ist der Held, der Recke, der Draufgänger, den Dreck braucht. Rango wird sie alle fertig machen und ihnen das Wasser bringen. Doch natürlich haben ein paar böse Jungs ganz andere Pläne.

Gore Verbinski war für mich immer ein typischer Marionettenregisseur. Er war der Regisseur der „Fluch der Karibik“-Filme, hinter denen ein ganz anderer Name meistens viel größer steht. Im Schatten eines Superproduzenten, wie Jerry Bruckheimer, bleibt einem natürlich nicht viel Raum zur kreativen Entfaltung. Klar, dass auch der Ruhm entsprechend verteilt wird und niemand so richtig weiß, wer zum Teufel eigentlich Gore Verbinski ist. Allerdings hat er vor seiner Piratenphase „Das Ritual“ und „Mäusejagd“ gemacht - zwei Filme, die man getrost vergessen kann – und „The Mexican“ und „Ring“ - zwei Filme, die man eigentlich auch vergessen kann, die aber zumindest vom handwerklichen Aspekt sehr interessant und durchaus gelungen sind. Sie zeigen zumindest, dass Verbinski auch ohne Megaproduzenten im Rücken arbeiten kann und funktionierende Filme auf die Beine stellen kann. „Rango“ zitiert nun ganz frech alle möglichen anderen Filme, zelebriert das Westerngenre mit so viel Freude und Enthusiasmus, dass John Wayne die Tränen kommen würden, spielt mit einer lockeren Mischung aus Disneyromantik und Tarantino-Shoot-Out mit den Gefühlen und Emotionen der Zuschauer und wendet obendrein noch ein absolut innovatives Arbeitsverfahren an. Die Schauspieler Johnny Depp und Isla Fisher, die den Hauptfiguren ihre Stimmen leihen, haben im Studio die einzelnen Szenen wirklich gespielt, nur dass eben nicht das Bild, sondern der Ton aufgenommen wurde und die Animationen den entsprechenden Stimmungen nachträglich angepasst wurde. Nur kurz zur Erläuterung: Bei uns stehen die Synchronsprecher vor einem Bildschirm und achten auf die Lippenbewegung der zu synchronisierenden Probanden. Dabei gehen sie Satz für Satz vor und oft interagieren sie Sprecher nicht mal miteinander, wenn sie Dialoge sprechen sollen.

„Rango“ ist durch und durch gelungen. Die Geschichte ist packend und sogar spannend. Die Figuren sind sehr ulkig, wirken aber nicht aufgesetzt. Die ganze Ästhetik ist schmutzig und hat einen sehr realistisch aussehenden Used-Look. Technisch ist alles auf dem neuesten Stand und die animierten Landschaften und Fahrzeuge sehen unglaublich echt aus. „Rango“ beweist, dass man die Kreativität nicht einpacken muss, nur weil man den Film am Computer macht. Die Story muss eben nicht computeranimiert sein.

Rango (USA, 2011): R.: Gore Verbinski; OVA.: Johnny Depp, Isla Fisher, Bill Nighy, u.a.; M.: Hans Zimmer; Offizielle Homepage

In Weimar: CineStar

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

2 Jahre Kineast - Lernt er langsam laufen...

2011-03-17T07:41:00.000-07:00

Und damit willkommen im glorreichen dritten Jahr. Zwei Jahre sind ja eigentlich keine lange Zeit, aber heutzutage gibt es Blogs, die eine wesentlich kürzere Lebensdauer vorweisen können. Deshalb bin ich schon langsam ein kleines bisschen stolz. Auch, wenn mittlerweile alles ein bisschen routinierter läuft, ist das Ganze immer noch ausbaufähig. Im nächsten Jahr will ich auf jeden Fall voll und ganz die Berlinale mitnehmen, in die ich dieses Jahr kurz reinschnuppern durfte und bei der ich Blut geleckt habe. Drückt mir die Daumen bei der Akkreditierung für 2012.

An dieser Stelle gebührt der Dank den Kinos in Weimar, die es mir ermöglichen, all die Filme zu sehen, dem Team von Paperblog, welches Kineast einer größeren Leserschaft zugänglich macht und selbstverständlich den Lesern selbst - allen voran meinem Bruder Hans (der sich ruhig mal wieder zu nem saftigen Kommentar hingerissen fühlen könnte).

Zur Feier des Tages darf sich nun wild gewünscht werden, welchen Film ich hier besprechen soll. Vorschläge und Wünsche einfach in die Comments setzen.

Vielen Dank, Allerseits und viel Spaß weiterhin im dritten Kineast-Jahr.

-Jan-

Another Year

2011-03-10T06:07:00.000-08:00

Wer ist schon glücklich? Das Schicksal hält doch immer etwas bereit, um uns das Leben, den Tag oder zumindest die Stimmung zu versauen. Ist das Glück wirklich etwas abstraktes Anfassbares? Warum ist es so schwer zu erreichen und noch schwerer zu behalten? Wie kann es Menschen geben, die einfach nur glücklich sind? Fragen, denen Regisseur Mike Leigh in seinem neuen Film „Another Year“ nachgeht.

Tom und seine Frau Gerri sind seit vielen Jahren verheiratet und leben glücklich zusammen in einem kleinen Haus am Rande Londons. Ihr Sohn Joe ist erwachsen und schon eine ganze Weile aus dem Haus. Er arbeitet in der Stadt als Anwalt. Tom und Gerri bekommen oft unverhofft Besuch von einer Freundin. Sie heißt Mary und steht nicht gerade auf der Sonnenseite des Lebens. Mit Männern hatte sie kein Glück. Ihre Scheidung hat sie nur mit seelischer Unterstützung ihrer Freundin Gerri überstanden. Doch sie hört die Uhr ticken und ist nahezu krampfhaft auf der Suche nach der großen Liebe. Da sie die nicht findet, wird sie immer verzweifelter, je öfter sie die beiden Freunde besucht. Im Sommer bekommen die beiden Besuch von Ken. Er ist ein alter Freund von Tom und hat viel Pech im Leben gehabt. Er hat seinen Job satt und es belastet ihn sehr, dass um ihn herum alle alten Freunde nach und nach das Zeitliche segnen. Auch er wird immer verzweifelter und sucht Trost bei seinen Freunden. Im Winter stirbt die Frau von Toms Bruder Ronne. Die Familie ist auf dieser Seite stark dezimiert. Also fahren Tom und Gerri zusammen mit ihrem Sohn Joe zum Bruder Ronne, um ihm bei der Beerdigung beizustehen. Da taucht nach vielen Jahren plötzlich Ronnes Sohn auf. Das Verhältnis zwischen Vater und Sohn ist mehr als angespannt und wieder müssen Tom und Gerri Schützenhilfe leisten.

Mike Leigh ist etwas erstaunliches gelungen. Er hat es geschafft, auf absolut überzeugende Weise einen beobachtenden Stil zu etablieren und zusätzlich eine packende und rührende Geschichte zu erzählen. Das Motiv des überglücklichen Paares, welches ununterbrochen vom Unglück und Leid seiner Mitmenschen bombardiert zu werden scheint und sich dennoch nicht beirren lässt und trotz allem stark bleibt, ist dermaßen rührend, dass man es gar nicht zusätzlich ausschmücken muss. Dementsprechend ist „Another Year“ sehr schlicht geraten. In eine grobe Episodenform gepresst, ist alles andere sparsam. Die Kamera bewegt sich nur, wenn es nötig ist. Die Musik spielt nur, wenn niemand redet, der Schnitt wird lediglich in klassischer und ebenso sparsamer Weise eingesetzt. Die Atmosphäre, die die Story und ihre Charaktere prägt, kann sich so ungehindert entfalten. Auch, wenn all dies handwerklich gesehen einmalig und beeindruckend ist, muss man nach einer Weile feststellen, dass diese konsequente Erzählweise auf Dauer doch anstrengend und manchmal fast langweilig wird. Vor allem gegen Ende gibt es einen Dialog zwischen Ronne und Mary, der enorm viel Durchhaltevermögen abverlangt. Auch an anderen Stellen, kommt dieses Gefühl kurzzeitig auf, ist aber meiner Meinung nach eben dem authentischen Stil des Films geschuldet und kann fast vernachlässigt werden. Die Motive der gesamten Story sind sehr schön ausgearbeitet. Zum Beispiel fahren Tom und Gerri regelmäßig in ihren Schrebergarten. Dieser Garten ist stets tabu für Gäste und Besucher aller Art und bietet sozusagen den letzten Zufluchtsort, den die Familie eben benötigt, um ihr inneres Glück behalten zu können.

„Another Year“ ist ein schöner Film. Wir sehen ganz normale Menschen, die eben in dieser speziellen Konstruktion den Inbegriff von Glück und Unglück aufzeigen. Dieses Bild so klar zu bauen, ohne es aufgesetzt, oder abstrakt wirken zu lassen, ist eine enorme Leistung, die ich weder den Darstellen, noch dem Regisseur zugetraut hätte. Absolut sehenswert!

Another Year (GB, 2010): R.: Mike Leigh; D.: Jim Broadbent, Lesley Manville, Ruth Sheen, u.a.; M.: Gary Yashon; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr auf Radio Lotte Weimar.

True Grit

2011-03-07T02:26:00.000-08:00

Der Wilde Westen. Die weite Prärie auf einem Pferd durchquerend, mit dem Revolver im Anschlag nur ein Ziel vor Augen haben: Die Banditen zur Strecke bringen! Haben wir nicht alle irgendwann Cowboy und Indianer gespielt? Haben wir uns nicht alle ans imaginäre Lagerfeuer gesetzt, unsere imaginären Bohnen gegessen und den imaginären Sonnenuntergang beobachtet? Ein Kindheitstraum, den jetzt die Coen Brüder mit ihrem neuen Film „True Grit“ für sich wahr gemacht haben.

Die 14-jährige Mattie ist in der Stadt. Sie kümmert sich um die Angelegenheiten ihres verstorbenen Vaters. Der wurde ganz feige erschossen vom Schurken Tom Chaney. Sie will Vergeltung und sucht deshalb einen Mann mit echtem Schneid. Der einzige, der dafür in Frage käme, wäre der raubeinige Marshall Rooster Cogburn. Mattie will ihn engagieren, den Schurken zu jagen und ihn vor den Richter zu bringen. Der alte Marshall ist wenig begeistert von dieser Idee, denn er ist gemütlich geworden und schluckt lieber Whisky, als Staub. Das Angebot, das Mattie ihm macht, ist allerdings viel zu verlockend und er lässt sich überreden, sie auch noch mit zu nehmen. Tom Chaney hat allerdings früher schon von sich hören lassen. Im fernen Texas hat er sogar einen Senator erschossen. Deshalb ist der Texasranger LaBoef ebenfalls hinter ihm her. Die drei ungleichen Gesellen raufen sich also zusammen und machen sich zu dritt auf die Jagd nach dem Mörder. Der macht es ihnen natürlich nicht leicht.

Die Coens haben sich gut gemacht. Betrachtet man ihre bisherigen Filme, so waren die sehr speziell und einem kleinen Publikum vorbehalten. Es gab viele Menschen, die mit dem Stil der Brüder nicht viel anfangen konnten. Das lag an den schillernden Figuren, die oft neben dem Leben standen und verrückter Geschichten erlebt haben. Vielen sagte diese schrille Mischung also nicht zu, so dass Wenige die Genialität und das Können der Brüder bemerkten. So hüpften die Coens klammheimlich von einem Genre zum nächsten und produzierten so Komödie, Film Noir, Krimi, Action und nun einen Western. Mit „No Country For Old Men“ gelang ihnen 2007 der ganz große Wurf. Dieser Film war spannend, hart, berührte, schockierte, ließ lachen und weinen, und das auf so unglaublich intensive Weise, dass man vollkommen überwältigt war.
Ganz klar, dass die Erwartungen an „True Grit“, der im Vorfeld immer wieder mit dem 2007er Film verglichen wurde, entsprechend hoch sind. Gleich zu Beginn: „True Grit“ ist völlig anders, als ich es mir vorgestellt habe. Ich habe mit genau dem gleichen intensiven Gefühl gerechnet, welches mich bei „No Country For Old Men“ überkam. Aber „True Grit“ ist nicht hart oder böse, der Film ist überraschend locker geraten und trotzdem schwingt die ganze Zeit der schwere Hauch eines ausgewachsenen Abenteuers mit. Die Figuren entsprechen den zu erwartenden Western-Stereotypen, wirken aber nicht oberflächlich. Die ganze Machart erinnert sehr an alte John Wayne Filme. Das ist nicht verwunderlich, wurde „True Grit“ bereits 1969 mit John Wayne verfilmt und galt damals schon als so unkonventioneller Western, wie man es nie gesehen hat. Es gibt tragische Momente, spannende Momente und auch komische Momente und alles plätschert in einem enorm lockeren Stil über die Leinwand. Die Geschichte fegt ratz-fatz an einem vorbei, ohne, dass man sich anstrengen muss, ihr zu folgen.

Ich bin ein bisschen hin und her gerissen. Einerseits ist „True Grit“ nicht so geworden, wie ich es erwartet, ja regelrecht erhofft habe. Als bekennender Fan des sogenannten Neowestern ala „Erbarmungslos“ oder „Todeszug nach Yuma“ war ich hier natürlich zunächst schwer enttäuscht. Aber „True Grit“ ist dennoch ein guter Film. Er ist spannend, erzählt die Geschichte toller Charaktere und fängt nahezu perfekt die Atmosphäre und das Gefühl klassischer Westernfilme ein. Eine tiefe Verbeugung also vor einem sterbenden Genre.

True Grit (USA, 2010): R.: Joel & Ethan Coen; D.: Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, u.a.; M.: Carter Burwell; Offizielle Homepage

In Weimar: CineStar, lichthaus (demnächst als OmU)

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The King's Speech

2011-02-28T07:45:00.000-08:00

Seit einigen Wochen geistert ein Filmtitel ganz besonders oft durch die Medien und ist derzeit nicht aus der Filmwelt weg zu denken. „The King’s Speech“ war nicht nur bei allen wichtigen Filmfestivals vertreten, hat nicht nur Oscar-Nominierungen in nahezu jeder wichtigen Kategorie erhalten, sondern bietet einem Schauspieler, der im Laufe der Jahre immer bekannter geworden ist, die perfekte Bühne für einen unvergesslichen Auftritt.

Es geht um King George VI. Nachdem sein Vater gestorben ist, übernimmt zunächst sein älterer Bruder die Bürde der Krone und als Bruder des Königs fällt es George zu, regelmäßig bei öffentlichen Auftritten, kurze Reden zu halten. Allerdings hat er ein schweres Stotterproblem, welches seit seiner frühesten Kindheit verankert ist und keiner der Ärzte, die ihn bisher behandelt haben, konnte überzeugende Resultate liefern. Georges Frau hat nun einen neuen Experten für Sprechstörungen gefunden. Lionel Louge übernimmt den berühmten Patienten und konfrontiert den Prinzen mit ungewöhnlichen und vor allem, für einen Monarchen unangebrachten Behandlungsmethoden. Lionel merkt schnell, dass ein Großteil des Problems in Georges Psyche und ständiger Unsicherheit liegt und drängt ihn immer häufiger dazu, aus sich heraus zu gehen und über sein Leben und sehr private Details zu reden. In mühevoller Arbeit lässt sich George auf die merkwürdigen Übungen ein und baut langsam und zaghaft eine Freundschaft zu Lionel auf.

Natürlich ist die Erwartung an diesen Film besonders in den letzten Wochen enorm gesteigert worden. Überall hängen Plakate, ständig hört und sieht man Trailer im Radio oder im Fernsehen und man trifft nur auf verzückte Mienen derer, die den Film bereits gesehen haben. Im Schatten einer regelrechten Oscarflut*, die zu erwarten ist, muss der Film einfach super und total knorke sein und hat obendrein nicht weniger als der beste Film aller Zeiten zu sein. Diese Erwartungshaltung mag ein wenig übertrieben sein und würde man sie einnehmen, würde der Film dieser natürlich nicht gerecht werden. Erwartet man hingegen einen kleinen, schlichten Film, der eine schöne Geschichte erzählt und dann auch noch von sehr guten Schauspielern präsentiert wird, bekommt man genau das. „The King’s Speech“ ist tatsächlich einfach, wendet aber einige technische Tricks an. Zum Beispiel ist der ganze Film recht blass und farblich reduziert. Man bekommt ein bisschen den Eindruck, man guckt sich alte Fotos an, die nachträglich koloriert wurden. Im Gegensatz dazu glänzen eben die Darsteller und vor allem Colin Firth und Geoffrey Rush spielen sehr präzise und gut konstruierte Figuren, so dass es großen Spaß macht, ihnen dabei zu zu sehen. Moment mal! Konstruierte Figuren? Ja! Zwar hat Drehbuchautor David Seidler die Geschichte selbst recherchiert und aufgeschrieben, aber auf Bitten der Witwe König Georges VI ein paar dramaturgische Kniffe angewandt und die Figuren dadurch leicht verändert. Pah! Na und? Pfeif doch auf historische Genauigkeit! „The King’s Speech“ ist gute Unterhaltung und rührt die nahe am Wasser gebauten Zuschauer das ein oder andere Mal dazu, geräuschvoll ins Taschentuch zu schniefen.

„The King’s Speech“ ist ein ganz einfacher Film, der mit klassischen Mitteln eine historische Figur beleuchtet, und dabei trotzdem einen lockeren, fast frechen Ton anschlägt. Der Hype um diesen Film macht es fast ein bisschen kaputt, denn natürlich ist es nicht der beste Film aller Zeiten. Was man aber ohne Übertreibung sagen kann, ist, dass Colin Firth tatsächlich sehr gut spielt und ich ihm mal sämtliche Daumen drück für den kommenden Sonntag.

* “The King’s Speech hat bei der Oscarverleihung 2011 die Auszeichnungen für den besten Film, die beste Regie, den besten Hauptdarsteller und für das beste Originaldrehbuch erhalten.

The King’s Speech (GB, 2011): R.: Tom Hooper; D.: Colin Firht, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, u.a.; M.: Alexandre Desplat; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus, CineStar

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127 Hours

2011-02-21T06:32:00.000-08:00

Danny Boyle ist ein vieldiskutierter Mann. Seine Filme sind stets etwas Besonderes und er behandelt immer provokante und unbequeme Themen. Er bindet sich dabei aber nicht an irgendwelche Genregrenzen und hat keine Scheu vor Nischendasein. All seine Filme inszenieren auf beängstigende Weise das Motiv des menschlichen Wahnsinns. Die Protagonisten werden immer an die Grenzen ihres Verstandes geführt und konsequenter Weise bewegen sie sich stets weit über diese Grenzen hinaus. „Trainspotting“, „The Beach“, „28 Days later“ und nun „127 Hours“

Aaron Ralston ist Bergsteiger, Abenteurer und Extremsportler zugleich. Er ist der ultimative Aussteiger, der 300 Tage im Jahr unterwegs ist, um Gipfel zu stürmen und waghalsige Treks zu unternehmen. Im Mai 2003 hat er sich die Canyonlands in Utha vorgenommen. Er will sie nicht einfach nur durchqueren, sondern auch noch einen Rekord aufstellen. Er will die Strecke durch die Wüste erst mit dem Fahrrad und dann zu Fuß in Angriff nehmen. Dabei nutzt er nicht die angelegten und ausgeschilderten Wege, sondern zahlreiche Abkürzungen, indem er sich durch schmale Tunnel und Spalten schlängelt. Dann geschieht das Unglück: Aaron rutscht ab und stürzt in eine Felsspalte. Er überlebt unverletzt, jedoch wird sein Arm von einem Felsen eingeklemmt und er ist gefangen. Mit seiner rudimentären Ausrüstung und nicht mehr als einen halben Liter Wasser, hält er fünf Tage durch, ohne, dass sich etwas an seiner Situation ändert. Der Fels rührt sich nicht und sein Arm bleibt eingeklemmt. Irgendwann greift er zum Taschenmesser.

Danny Boyle lässt nichts anbrennen. Mit seinem Oscarfilm „Slumdog Millionär“ hatte er seinen Still bombastisch und überschwänglich zelebriert, wie noch nie. Knallige Farben, schnelle Bilder und eine spannende Geschichte. Das ganze zusammengewürfelt ergab eine Art kranke MTV-auf-Speed-Mischung, die gleichermaßen speziell und einmalig, wie auch massenwirksam war. Dieser Film übte einen Sog aus, dem man sich nicht entziehen konnte. Nach diesem Erfolg wirft Boyle das Ruder nicht komplett herum und bleibt klimatisch gesehen auf vertrautem Terrain. Diesmal befinden wir uns in der Wüste. Erstaunlicherweise erinnert die Farbkombination aus knalligen orangenen und gelben Felsen mit leuchtend blauem Himmel an den Vorgänger, obwohl er thematisch nichts damit zu tun hat. Die üblichen Boyle-Kamera-Tricks mit rasanten Fahrten, unorthodoxen Perspektiven und Splitscreen peppen die lebensfeindliche Einöde ordentlich auf. Zusammen mit Aaron feiert man eine einzige riesige Party. Ebenso überraschend, wie rasant kommt der Umschwung und mit einem Schlag in die Magengrube wird dem Zuschauer die Einsamkeit Aarons und die Ausweglosigkeit seiner Situation bewusst. Keine Musik mehr und über weite Strecken des Films wird kein Wort gesprochen. Die Schnelligkeit und Weite des Einstiegs weicht langen Einstellungen und klaustrophobischer Enge eines Felsspalts, der mitten im Nirgendwo liegt. Die Schlichtheit und Leichtfüßigkeit, mit der Boyle diesen Wechsel absolviert ist beeindruckend und wirkt trotzdem total überzeugend. Keine Sekunde hat man den Eindruck, es wäre aufgesetzt oder gekünstelt. Dazu trägt auch die souveräne Leistung James Francos bei. In diesem Film hat er die Aufgabe, eine One-Man-Show zu meistern und beweist, dass er tatsächlich ein Schauspieler ist, dem man nur die richtige Rolle geben muss, um zu sehen, was er kann.

„127 Hours“ ist spannend und arbeitet Boyle-typisch mit einprägsamen und rasanten Bildern. Wieder gelingt der Spagat zwischen knallbunter und rabiater Perfomance und ernsthafter Auseinandersetzung mit einem schwierigen Thema. Bei all der Skepsis, die man vorher vielleicht gehabt haben mochte: Wenn man schweißgebadet das Kino verlässt, weiß man nicht mehr, wieso man an Boyle gezweifelt hat.

P.S.: Auch, wenn die Arbeit der FSK stets zu loben ist, haben sie sich hier meiner Meinung nach gründlich vertan. "127 Hours" ist ab 12, aber wenigstens wegen einer speziellen Szene, hätte ich dem Film eine höhere Altersfreigabe erteilt.

127 Hours (USA, GB, 2010): R.: Danny Boyle; D.: James Franco, u.a.; M.: A.R. Rahman; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

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Was passiert im Februar?

2011-02-21T06:29:00.000-08:00

2011 ist unglaublich dicht besetzt mit großartigen Filmen, die allesamt unbedingt gesehen werden müssen, auch wenn ich gar nicht weiß, wie ich die alle – am besten auch noch gleichzeitig - rezensieren soll. Bevor es allerdings richtig los geht, haben wir in dieser Woche noch eine kleine Verschnaufpause, in der wir ganz einfach mal gucken wollen, was uns demnächst erwartet.

Okay, einen Neustart gibt’s dann doch. „Gulliver's Reisen“ in leicht angestaubter Manier. Eben eine alte Geschichte in das Kleid einer modernen Komödie gepackt. Jack Black hat viel Spaß mit flachem Humor und Effektekino. Das ganze natürlich in unvermeidlichen drei Dimensionen. Regie führt Rob Letterman, der mit „Monsters vs Aliens“ und „Große Haie, kleine Fische“ vor allem im CGI-Knuddelkino angesiedelt ist.

Nächste Woche wird es spannend. Am 17. Februar laufen zwei sehnlichst erwartete Film in den deutschen Kinos an. Da wäre zum einen „The Kings Speech“ mit Colin Firth, Geoffrey Rush und Helena Bonham Carter. Dieser Film ist der Oscar Favorit schlechthin und erhielt stolze 12 Nominierungen. Mal sehen, wie viele er wirklich einheimst. Die Story ist jedenfalls viel versprechend. George wird 1936 König von England. Er hat ein schweres Stotterproblem und ist deshalb nicht in der Lage, eine überzeugende und motivierende rede an das Volk zu halten. Ein eigens engagierter Sprachlehrer soll ihm helfen.

Am selben Tag startet der von mir lang erwartete „127 Hours“. Im neuen Film von Danny Boyle spielt James Franco den Extrembergsteiger Aaron Ralston, der 2003 bei einer Wanderung durch die Canyonlands in Utha ganze 5 Tage in einer Felsspalte eingeklemmt war. Hier teilen sich große Erwartungen und noch größere Skepsis den Thron. Danny Boyle ist ein sehr fähiger Regisseur, der hier auf eine sehr spannende Geschichte trifft. Im Gegensatz dazu haben wir hier einen eher mittelmäßigen Schauspieler, zumindest, was seine bisherigen Rollen angeht.

Eine Woche später startet „True Grit“. Hierbei handelt es sich um den neuen Film von Joel & Ethan Cohen mit Jeff Bridges, Matt Damon und Josh Brolin. Es geht um einen ehemaligen Marshall, der einen Massenmörder jagen soll. Für die gleiche Rolle erhielt John Wayne 1972 einen Oscar und Bridges ist auch in diesem Jahr wieder nominiert. Das Ganze wird ein böser, harter Neowestern und erste Kritiker ließen verlauten, im Vergleich dazu sei „No Country for Old Men“ nur eine Übung gewesen. Reichlich Vorschusslorbeeren, die der Filmen obendrein vielleicht auch noch verdient hat.

Auch, wenn meine komplette Aufmerksamkeit am 24 Februar von „True Grit“ in Anspruch genommen wird, sollte noch erwähnt werden, dass am selben Tag das Regiedebut von Philip Seymore Hofman in den deutschen Kinos anläuft. Worum es geht, hab ich spontan vergessen, aber es trägt den Titel „Jack in Love“
Ebenfalls am 24. Februar startet der neue Film von Wim Wenders, „Pina“. Es ist ein Dokumentarfilm über die kürzlich verstorbene Tänzerin Pina Bausch. Auf diesen Film hätte ich mich vermutlich sehr gefreut, wäre er nicht unverständlicherweise als 3D-Film angekündigt.

Zum Ende noch ein Blick in den Sommer. Am 04.08.2011 kommt „Super 8“. Es ist der neue Film von J.J. Abrahms und darüber ist nahezu nichts bekannt. Im Trailer sieht man einen verunglückenden Güterzug und irgendwas aus einem Waggon heraus brechen. Was man allerdings weiß, ist das Abrahms als der kompromissloseste Regisseur derzeit gilt. Seinen Projekten liegt immer ein radikales und total neues Konzept zu Grunde. Ihm wäre zuzutrauen, den ganzen Film tatsächlich mit einer Super 8 Kamera zu drehen, was konsequenter Weise bedeuten würde: Stummfilm! Ich bin gespannt.

So weit der kurze Ausblick. Ich bin ehrlich gesagt ganz schön aufgeregt, denn in Erwartung guter Filme, kann ich meistens kaum still sitzen, bis denn besagter Film endlich vor meinen Augen über die Leinwand flimmert. Fiebert mit! Guckt mit! Lest den Blog und teilt mir mit, worauf ihr euch in diesem Jahr am meisten freut.

Hereafter - Das Leben danach

2011-02-21T05:49:00.000-08:00

Er ist zu einer festen Größe in Hollywood avanciert. Nicht nur durch seine Rollen in westerneseken Filmen, wie "The Good, the Bad and the Ugly" oder "Für eine Hand voll Dollar", sondern vor allem seine Arbeit als Regisseur hat Clint Eastwood in den letzten Jahren ins Gespräch gebracht und er ist gefragter denn je. Mit einer unglaublichen Hingabe und Sorgfalt inszenierte Eastwood Filme und Geschichten, in denen er stets das Thema Schuld und Sühne thematisierte. "Erbarmungslos", "Mystic River", "Million Dollar Baby" und nicht zu letzt "Gran Torino" zählen zu den intensivsten und eindrucksvollsten Beispielen Eastwoods Arbeit. Seit ein paar Jahren hat er sich als Schauspieler zurück gezogen und nimmt nun nur noch hinter der Kamera Platz. In sienem neuen Film "Hereafter" widmet er sich auf eher ungewöhnliche Weise dem Thema Tod.

George lebt allein und ist Angestellter in einer Fabrik. Er führt ein zurückgezogenes Leben. Hin und wieder klopfen völlig fremde Menschen an seine Tür. Sie wollen, dass er für sie Kontakt mit den Toten aufnimmt. George leidet seit einer Operation an einem einmaligen Phänomen. Er kann mit Toten reden. George glaubt dass seine Nah- und Beinahetot-Erlebnisse während der Operation dafür verantwortlich sind. Auch wenn er mit dieser Fähigkeit richtig viel Geld verdienen könnte, will er diese Dienstleistung nicht mehr praktizieren, denn er merkt, dass ein Leben, dass sich ausschließlich mit dem Tod beschäftigt, keine Zukunft haben kann.

Die französische Journalistin Marie überlebt nur knapp einen Tsunami. Von den Wassermassen mitgerissen wird sie bewusstlos und ist praktisch für mehrere Minuten tot. In dieser kurzen Zeit sieht sie merkwürdige Dinge, die sie kaum zu erklären vermag. Viel Licht und Silluetten. Nachdem sie wiederbelebt wurde, kehrt sie in ihr altes Leben zurück, hadert dort aber mit ihrem Alltag und ihren traumatischen Erlebnissen. Obendrein wird sie quasi für verrückt werklärt, nachdem sie ihre Erlebnisse schildert. Niemand, einschlißlich sie selbst weiß, was sie wirklich gesehen hat.

Marcus lebt in London. Er und sein Zwillingsbruder müssen sich um ihre drogensüchtiuge Mutter kümmern. Sie tun alles dafür, dass sie nicht dem Jugendamt übergeben werden. Marcus ist dabei sehr auf seinen Bruder fixiert und tut im Grunde nichts, ohne ihn vorher zu fragen. Eines Tages passiert etwas tragisches. Marcus Bruder wird bei einem Unfall getötet. Marcus will und kann diesen Verlust nicht akzeptieren und forscht nun nach Möglichkeiten, Kontakt mit seinem Bruder aufzunehmen.

Es ist ein merkwürdiges Thema. Man fremdelt mit der unvermeidlichen esothärischen und okkulten Assoziation, die man beim Thema "Reden mit Toten" hat. Fakt ist, dass man immer wieder Berichte über Nahtoterlebnisse hört. Menschen, die dem Tod sehr nahe waren berichten immer von ähnlichen Erlebnissen. Licht, Tunnel und die Toten. Niemand kann erklären was es damit auf sich hat und so ist der Raum für religiöse oder fantastische Spielereien enorm groß. Eastwood widmet sich diesem Thema allerdings auf ganz nüchterene und schlichte Art. Ja, es ist merkwürdig, wenn Matt Damon sogenannte Readings hält und mit Toten redet, aber auf diese Art wirkt es irgendwie überzeugend. Nebenbei thematisiert Eastwood auch zahlreiche Scharlatanerien, die damit betrieben werden. Auf seiner Suche nach einem echten Medium gerät Marcus an zahlreiche Schwindler, die sich das Leid und den Schmerz der Hinterbliebenen nur zu Nutze machen, um Geld zu verdienen.

"Hereafter" ist trotz einer überaus spektakulären Eröffnungsszene sehr schlicht geraten. Die Charaktere sind ganz klar gezeichnet und total bodenständig. Das ist die große Kunst dieses Regisseurs, der sich immer zu erst mit den Menschen hinter einer Geschichte beschäftigt. Das ist es auch, was seine Filme so besonders macht. Auch wenn "Hereafter" nicht sein bester und größter Film ist, ist er dennoch zu empfehlen, denn auch hier stellt sich das Gefühl ein, welches man schon seit "Erbarmungslos" erlben durfte. Man identifiziert sich mit den Figuren und kann sehr leicht mit ihnen fühlen.

Hereafter (USA, 2010): R.: Clint Eastwood; D.:Matt Damon, Cécile De France, Frankie & George McLaren, etc.; M.: Clint Eastwood; Offizielle Homepage

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr live auf Radio Lotte Weimar.

Black Swan

2011-01-26T23:37:00.000-08:00

Vor zwei Jahren entführte uns Darren Aronofsky hinter die Kulissen des Wrestlings. Mickey Rourke bot als „The Wrestler“ ein intensives Drama, in einer Welt, die dem normalen Menschen gänzlich unbekannt ist. Aronofsky bleibt auf vertrautem Terrain und gewährt uns nun in „Black Swan“ regelrecht heimlich Blicke in die Welt des Balletts.

Nina ist in der New Yorker Ballett Company und zur neuen Spielzeit soll es eine Inszenierung des Schwanensees geben. Der Spielleiter Thomas hat großes vor. Als erstes schmeißt er seinen Star Beth aus der Gruppe und gibt dann bekannt, dass eine Tänzerin sowohl den weißen, als auch den schwarzen Schwan tanzen soll. Nina ist natürlich nicht die einzige, die sich für diese Rolle interessiert. Doch obwohl sie eine sehr gute Tänzerin ist, ist sie oft zu unsicher und schüchtern und will immer perfekt sein. Für sie ist klar, dass sie die Rolle nie bekommen wird. Dann kommt die große Überraschung: Nina soll beide Parts tanzen und beginnt sofort mit den Proben. Doch Thomas ist nicht zufrieden mit ihr. Für den schwarzen Schwan fehle ihr das Feuer und die Leidenschaft. Unter dem großen Druck, dem Nina ausgesetzt ist, steigert sie sich immer mehr in ihre buchstäbliche Metamorphose zum schwarzen Schwan.

Hier ist er. Der erste große Film in diesem Jahr. Darren Aronofsky wird seinem Ruf erneut gerecht und im Vorfeld gab es kaum Möglichkeiten, einen sicheren Eindruck von dem Film zu gewinnen. Weder Trailer, noch Plakate, noch sonstige Werbemittel gaben echten Aufschluss, worum es denn nun überhaupt gehen sollte. So ähnlich lief das damals bei „The Wrestler“ auch. Bis auf ein sehr schönes, aber nichtssagendes Plakat und der Information, wer die Hauptfigur spielt, stand man ziemlich im Regen. Das übliche Spiel aus Spekulationen, Mutmaßungen, Skepsis und Angst und letztendlich die absolute Gewissheit, dass dieser Film ganz sicher nicht so gut sein könne, wie man es sich vorstellt, waren unvermeidbar. Wie gesagt: Hier ist er nun. Und kurz gesagt: Es ist toll! Man kann „Black Swan“ nicht richtig genießen. Dafür ist er viel zu aufregend. Trotzdem ist man zwischen Angst und Anmut hin und her gerissen. Die Tanzsequenzen sind allesamt wunderbar inszeniert. Aronofsky spielt mit den unterschiedlichsten Kamerafahrten und zieht dabei sämtliche Register. Die Kamera steht mal still, oder gleitet in ganz sanften Fahrten durch den Ballsaal, nur um dann in wilden Schwenks und Wackelei zu münden, die den Zuschauer direkt auf die Bühne holt und er sozusagen das Gefühl bekommt, selbst mit zu tanzen. Für die Schockszenen werden klassische Mittel sehr wirkungsvoll eingesetzt. Der obligatorische Spiegelschreck funktioniert ebenso gut, wie die Licht-an–Licht-Aus Szene. Abgesehen davon wird ein Großteil der intensiven Atmosphäre, durch die nicht minder intensive Darstellung einer überragenden Natalie Portman erzielt. Ich bin mir sicher, so hat man sie noch nie erlebt und ich höre da die Oscars rufen.

„Black Swan“ ist toll. Er ist spannend, sehr intensiv inszeniert und bietet geradezu intime Blicke hinter die Kulissen des Balletts. Oftmals vermitteln diese Blicke einen eher verstorenden Eindruck. Man fragt sich, wie es kommt, dass Menschen sich solchen Strapazen aussetzen, nur um perfekt zu sein.

Black Swan (USA, 2010): R.: Darren Aronofsky; D.: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, u.a.; M.: Clint Mansell; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus, CineStar

Rezensionen On Air: Jeden Donnerstag, 12:25 Uhr live auf Radio Lotte Weimar.

The Green Hornet

2011-01-22T07:13:00.000-08:00

Was darf man erwarten, wenn ein Regisseur, der ursprünglich Musikvideos gemacht hat, plötzlich mit einem schönen Kinofilm begeistert, anschließend einen noch schöneren Film präsentiert, das Ganze mit einem nicht ganz so schönen Film abrundet und sich dann mit einem Superheldfilm zurück meldet, dessen Titel so eindeutig und bekloppt ist, dass er diesmal wenigstens keine noch beklopptere deutsche Übersetzung braucht? Tja...was kann man erwarten?

Britt Reid ist der Sohn des Medienmoguls James Reid. Der ist Besitzer der renommierten Zeitung "Daily Sentinel" und ist schwer enttäuscht von seinem Sohn. Der ist ein Schwächling, feiert am laufenden Band Orgien, ist Comicfan und kümmert sich einen feuchten Kehricht um das Vermächtnis seines Vaters. Eines Tages verstirbt James Reid überraschend an einem Bienenstich und Britt ist plötzlich Besitzer einer Zeitung und einer riesigen Villa. Diese Villa ist voll gestopft mit lauter faszinierender Technik, die der chinesische Mechaniker Kato entworfen hat. Britt kommt plötzlich eine super Idee. Er ist Waise, hat viel Geld und einen Mechanikerbuttler, der obendrein auch noch unglaubliche Kampftechniken drauf hat. Wie Bruce Wayne will er sich in die Nacht stürzen und das Verbrechen bekämpfen. Als "Green Hornet" mischt er zunächst die Kleinkriminellen auf und sorgt damit für Aufmerksamkeit des Gangsterbosses Chudnofsky. Der findet's auch nicht in Ordnung, dass ein kostümierter Spaten seine Drogenlabors zerstört. Außerdem ist er in einer tiefen Sinnkrise und arbeitet stetig an seinem Image und Auftreten. Klare Sache, dass er ab sofort als Bloodnofsky durch die Stadt streift und Angst und Schrecken unter den guten Jungs verbreitet.

Es scheint gerade ein bisschen verbreitet zu sein, dass sich Regisseure nach mehreren Jahren erfolgreicher Arbeit plötzlich ihrer Wurzeln besinnen und der nächste Film gänzlich ungewöhnliche Wege beschreitet. Sam Raimi zum Beispiel: Erst Splatter, dann Spider-Man, dann wieder Splatter. Oder Tom Tykver: Fiebriger Kunstfilm, schneller innovativer, dann langsamer innovativer Film, Big Budget Hollywood Produktion und schließlich wieder fiebriger Kunstfilm. Michel Gondry war ein bekannter Videoclip-Produzent und nutzte seine Fähigkeiten, Bilder zu bauen sehr exzessiv für seine ersten Filme. In "Eternal Sunshine of The Spotless Mind" erzählte er mit großartigen Schauspielern auch noch eine etwas verrückte, aber sehr schöne Geschichte. Mit "The Green Hornet" scheint er beweisen zu wollen, dass er es immer noch als Videoclip-Regisseur drauf hätte, würde er einen Videoclip machen wollen. Der Film ist voll gepackt mit hoch stilisierten Kampfszenen und Verfolgungsjagden. Außerdem wird das Auto des Superhelden auf eine Art und Weise zelebirert, wie es selbst in zünftigen Rapvideos nicht besser hätte gelingen können. Die ohnehin alberne Heldengeschichte wird durch völlig überdrehte und sehr schnelle nichts sagende Dialoge aufgelockert. Der ganze Film fährt allerdings auf einer Schiene, die eher an eine Persiflage des Superheldengenres erinnert. Und davon gabs in der letzten Zeit schon genug. "Superhero Movie"? "Kick Ass"? Da hat man das alles schon gesehen. Trotzdem gibt es Highlights. Besonders die Kampfszenen sind sehr gelungen und machen ziemlichen Spaß, so dass man gar nicht großartig hinterfragen muss, welche Story hinter dieser schicken Actionsequenz steht. Außerdem freut man sich über Christoph Waltz. Er spielt als Chudnofsky eine Mischung aus Waltz, Jelzin und Hans Landa und seine Auftritte sind wirklich lustig.

"The Green Hornet" ist nichts Neues, nichts Besonderes, nichts Anspruchsvolles. Platte Dialoge, sinnlose Handlungsumschwünge und obendrein nervt Comedy Star Seth Rogan total. Leider hält er die gesamten eineinhalb Stunden nicht einmal die Klappe. Trotzdem kann man sich amüsieren. Die Devise lautet hier eindeutig: Hirn aus! Green Hornet an!

The Green Hornet (USA, 2011): R.: Michel Gondry; D.: Seth Rogan, Cameron Diaz, Christoph Waltz, u.a.; M.: James Newton Howard; Offizielle Homepage

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Meine Frau, unsere Kinder und ich

2011-01-13T13:30:00.000-08:00

Die lieben Schwiegereltern. Gefürchtet! Verhasst! Unumgänglich! Und in Wirklichkeit ganz oft gar nicht so schlimm. Das Bild der tyrannischen und missmutigen Schwiegereltern ist doch bloß ein Klischee und wurde nicht zu Letzt durch unzählige Hollywoodschnulzen erst geprägt. Und das weiß man als aufgeklärter Kinokonsument natürlich auch. Ein Grund mehr, sich beim neuen Film von Paul Weitz „Meine Frau, unsere Kinder und ich“ beherzt amüsieren zu dürfen.

Greg hat schon zwei Hürden genommen. Erst hat er die erste Begegnung mit dem Vater seiner Liebsten Pam überstanden und dann noch das Treffen der beiden Elternpaare mit Bravour gemeistert. Jetzt gilt es nur noch, eine letzte Probe zu bestehen: Kann Greg das Familienoberhaupt werden, sollte Jack irgendwann nicht mehr unter ihnen weilen? Die Anzeichen, dass es bald soweit sein könnte, verdichten sich, denn Jack leidet unter Herzrhythmusstörungen. Es steht nun der fünfte Geburtstag der kleinen Fockerzwillinge an und es soll ein rauschendes Fest geben. Zu diesem Fest reisen sämtliche Familienmitglieder an. So auch Jack und seine Frau Dina. Jack nutzt natürlich jede Gelegenheit, sich in die Erziehung der Kinder einzumischen. Außerdem scheint seine reine Anwesenheit schon dafür zu sorgen, Greg zu verunsichern und so kommt es zu zahlreichen Missverständnissen voller Frust und Eifersucht. Viel muss Jack gar nicht dafür tun, denn Greg scheint sich oft mit der jungen Pharma-Vertreterin Andi zu treffen. Wieder einmal also muss sich Jack beweisen und viel Blut und Wasser schwitzen, um es schließlich zu einem Happy-End kommen zu lassen.

Vor 11 Jahren trat Robert De Niro zum ersten Mal als CIA-Agent außer Dienst und Vater der liebreizenden Pam Byrnes auf. Er selbst musste in dieser Komödie nicht sonderlich lustig sein, denn Ben Stiller als ausgemachter Comedian reichte vollkommen aus. Dieser Gegensatz machte den hohen Unterhaltungswert in einem ansonsten eher durchschnittlichen Film aus.Die Story war nicht besonders originell, die Dynamik entsprach auch eher einem Familiendrama, als einer schnellen Komödie und Ben Stiller konnte ich eigentlich noch nie leiden. Trotzdem war man amüsiert und bestens unterhalten. Im zweiten Teil wurde noch eins drauf gesetzt und Dustin Hoffman und Barbara Streisand als Eltern von Greg ins Boot geholt. Diese beiden sehr guten Schauspieler in derart sympatischen Rollen zu sehen, hat ebenfalls sehr großen Spaß´gemacht und die alberne Geschichte drumherum war eigentlich vollkommen egal. Was kann denn nun der dritte Teil bieten, außer eben einen Aufguss der vorhergehenden Filme? Um es kurz zu machen: Nichts! Wie nicht anders zu erwarten, wird das ursprüngliche Konzept nahezu unverändert ein drittes Mal aufgerollt. Es ist also nicht verwunderlich, dass der Film nicht so recht in Fahrt kommen will. Auch die kurzen Auftritte der beiden Focker-Eltern können darüber nicht hinweg täuschen. Die Story ist noch alberner, als vorher und die Fettnäpfchen, in die Greg ständig stapft sind peinlicher denn je. Überraschenderweise war ich weder gelangweilt, noch enttäuscht und habe „Little Fockers“ ganz unbewusst und heimlich genossen und anschließend als unterhaltsamen Nonsens abgehakt. Mehr will und kann dieser Film auch gar nicht wollen. Es gibt ein paar kleine, nette Dialogfetzen, den ein oder anderen tatsächlich lustigen Gag und gleichermaßen albernes, wie auch clever eingebundenes Der-weiße-Hai-Zitat.

„Meine Frau, unsere Kinder und ich“ ist nichts besonderes.So, wie die vorigen Teile der Serie auch schon. Es ist seichte Unterhaltung, die niemanden weh tut und einen manchmal sogar schmunzeln lässt. Das bei mir zu schaffen, ist schon ganz schön schwer. Mehr Lob geht also eigentlich gar nicht.

Little Fockers (USA, 2010): R.: Paul Weitz; D.: Ben Stiller, Robert De Niro, Dustin Hoffman, u.a.; M.: Stephen Trask; Offizielle Homepage

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Die Chroniken von Narnia - Die Reise auf der Morgenröte

2011-01-06T06:49:00.000-08:00

Traditionen fetzen. Vor allem dann, wenn man sie selbst geprägt hat. So widme ich mich heute zur ersten Rezension des Jahres einem Film, der eher für die jüngeren Zuschauer gedacht ist, zumindest aber für jene, die sich nicht scheuen, fremde Welten zu besuchen und dort packende Abenteuer zu erleben.

Aller guten Dinge sind drei. Nachdem wir die vier Geschwister Peter, Susan, Edmund und Lucy am Ende vom zweiten Teil der Narnia Saga wieder glücklich in die reale Welt verabschiedet haben, sind wir jetzt wieder an der selben Stelle angelangt. Edmund und Lucy leben bei ihrem Onkel, während der Rest der Familie in Amerika ist. Irgendwie hat das noch was mit dem Krieg zu tun. Jedenfalls sind beide frustriert und wünschen sich nichts sehnlicher, als wieder nach Narnia zurück kehren zu dürfen. Ganz serientypisch wird ihnen dieser Wunsch prompt erfüllt. Ein Bild läuft plötzlich aus und ratzfatz sind unsere kleinen Freunde auf der Morgenröte, dem besten Schiff Narnias. An Bord befindet sich König Kaspian auf dem Weg zu den einsamen Inseln, um dort die sieben Lords aus dem Exil abzuholen. Denn in Narnia herrscht Frieden und die altehrwürdigen Herren müssen sich nicht länger verstecken. Auf den Inseln angekommen stellt sich heraus, dass hier etwas abgrundtief Böses am Werk ist. In Form eines grusligen Nebels erscheint es und entführt wahllos harmlose Bürger. Logisch, dass unsere tapferen Freunde etwas dagegen unternehmen müssen. Man macht sich also auf die Suche nach den sieben Schwertern der Lords, um nun auch wirklich den letzten Rest Böses aus der Schönwetterwelt Narnia zu tilgen.

"Die Chroniken von Narnia" hatten es schon immer schwer. Im Schatten von "Herr der Ringe" und "Harry Potter" wagte es diese verhältnismäßig unbekannte Buchverfilmung auf die große Leinwand. Nicht nur, dass die Bücher von C.S. Lewis kaum jemand kannte, der Film verzichtete nahezu komplett auf bekannte Namen und Schauspieler. Stattdessen sehen wir massenhaft computeranimiertes Viehzeugs, das neben den vier Jungspundschauspielern irgendwie zu künstlich und aufgesetzt wirkt. Auch im dritten Teil, der wieder nur wenige Wochen nach dem vorletzten Harry Potter startete, sind diese grundlegenden Probleme nicht getilgt. Neben zahlreichen logischen Schnitzern und Dialogschwächen merkt man auch der Morgenröte an, dass die Buchvorlage nur wenige Seiten umfasst. Ständig werden völlig belanglose Passagen enorm in die Länge gezogen, um die eigentlich relativ dicht gesäten Handlungsschwerpunkte zu verbinden. Trotz allem wird bis zum Schluss übrigens eine ganz gewichtige Frage gar nicht beantwortet. Nämlich, warum die Erdenkinder überhaupt wieder nach Narnia kommen konnten, obwohl dort doch Frieden herrscht und sie vor allem niemand gerufen hat. Die Antwort könnten wohl nur Fox und Disney liefern.

"Die Reise auf der Morgenröte" ist - ich kann es einfach nicht anders sagen - zum abgewöhnen. Furchtbare Dialoge, eine gequälte Story und eine angestaubte Optik mit weniger zeitgemäßen Speziialeffekten als in Nachrichtensendungen im Privatfernsehen. Auch wenn ich es dieser relativ kleinen Serie echt gegönnt hätte, ist hier also die ausdrückliche Empfehlung auszusprechen, den Film nicht zu sehen.

The Chronicles Of Narnia – The Voyage Of The Dawn Treader (USA, 2010):
R.: Michael Apled; D.: Georgie Henley, Skandar Keynes, Ben Barnes, u.a.; M.: David Arnold; Offizielle Homepage

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Monsters

2011-01-04T06:29:00.000-08:00

Es liegt in der Natur der Sache, dass unvorhergesehene Dinge immer dann passieren, wenn am wenigsten damit rechnet. Zunächst wurde dieser Asteroid entdeckt, der da durch unser Sonnensystem streift. Natürlich wollten wir ihn erforschen. Wer weiß, wo er herkam. Wie konnten wir denn ahnen, was mit der Raumsonde geschehen würde. Es gab eine Kollision und die Sonde flog beschädigt zur Erde zurück. Dort stürzte sie dann in einem Gebiet zwischen den USA und Mexiko ab. Ab da wurde alles anders. Dieses Gebiet veränderte sich. Die Pflanzen sahen anders aus; sie rochen anders. Menschen verschwanden und die Regierungen machten ein großes Geheimnis daraus. Dieses Gebiet, welches stetig wächst, gilt als die infizierte Zone...

Andrew ist Fotograf und ist nach Mexiko gereist, um Gerüchten nach zu gehen, wonach in der infizierten Zone riesige Kreaturen gesichtet worden seien. Bisher hat es noch niemand geschafft, ein Foto oder ein Video anzufertigen, auf dem man etwas erkennen konnte. Kaum dort angekommen erhält er von seinem Verleger den Auftrag, dessen Tochter aus einem Krankenhaus abzuholen. Sie ist bei einem Angriff der Kreaturen verletzt wurden und Andrew soll sie nun in die USA nach Hause bringen. Das ist gar nicht so einfach, denn die Regierungen haben eine groß angelegte Evakuierung der umliegenden Gebiete gestartet und die Reisemöglichkeiten schwinden. Bald entschließen sich Andrew und Samantha für den einzig möglichen, aber gleichzeitig auch gefährlichsten Weg durch die infizierte Zone.

Willkommen bei „Monsters“, der wohl größten Filmüberraschung des Jahres. Kein Film wurde in den letzten Monaten mehr gehypt. Gleichzeit stiegen Skepsis und Befürchtungen, hier nur Aufgewärmtes serviert zu bekommen. Wackelkamera und Dokustyle hatten wir schon bei Cloverfield. Komische politische Verstrickungen mit Aliens gab's bei District 9 auch schon. Was kann mir dieser Film also bieten? Das tolle an „Monsters“ ist seine unglaublich dichte Atmosphäre, die keinerlei Zusatz mehr bedarf. Durch die Stimmung an sich kommt Spannung auf, ohne dass sie durch konstruierte und überflüssige Storyeinsätze aufgepeppt werden muss. Die Spannung steigt ins schier unerträgliche, wenn es nachts wird. Man sieht nahezu nichts, weiß aber gleichzeitig gar nicht genau, ob man überhaupt mehr sehen will. Außerdem ist „Monsters“ in erster Linie ein Drama. Hat man einen reißerischen Actionfilm erwartet, wird man enttäuscht. Monsters berichtet ganz behutsam und langsam von einer Situation, die eigentlich sehr authentisch ist und in der wahren Welt gar nicht so anders aussieht. Hier greift das Rezept, welches auch schon bei Neill Blomkamps District 9 funktioniert hat. Die politische Message wird hinter einer clever konstruierten Metapher versteckt und dadurch transportiert.

„Monsters“ ist ein Kunstwerk. Es ist bedrückend, faszinierend, unglaublich spannend und arbeitet mit tollen Bildern. Sicher kein Jahrhundertfilm, aber sehenswert, zumal es zum Nachdenken anregt und sehr treffend auf real existierende Missstände hinweist. Mehr davon.

Monsters (USA, 2010): R.: Gareth Edwards; D.: Whitnes Able, Scoot McNairy; M.: Jon
Jopkins; Offizielle Homepage

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Nowhere Boy

2011-01-04T06:08:00.000-08:00

Was haben Mozart, Ray Charles und Johnny Cash gemeinsam? Ja, richtig! Sie waren Musiker, aber das meinte ich jetzt gar nicht. Was? Ja, auch richtig. Sie waren auf ihrem speziellen musikalischem Gebiet Pioniere und Wegbereiter. Aber auch das meinte ich nicht. Ich meinte viel mehr...Was jetzt? Hä? Ja. Verdammt nochmal. Ich weiß selbst, dass sie alle eine spannende und bewegende Lebensgeschichte hatten. Deshalb wurden diese Lebensgeschichten ja auch alle aufwändig und erfolgreich verfilmt. Verflucht! Das war es, worauf ich hinaus wollte. Und jetzt ganz platt die Kurve kriegen: Mit John Lennon hamses jetzt genauso gemacht. Pöh!

John ist 15 Jahre alt und lebt in Liverpool. Er geht zur Schule, lebt bei seiner Tante und seinem Onkel, weil irgendwas mit seiner Mutter ist bla bla...Außerdem ist John voll der Rebell und verstößt, wo er nur kann gegen alle Regeln Bla Bla...Eines Tages trifft er seine echte Mutter, die ihm dem Rock'n'Roll nahe bringt...Bla Bla...Dann sieht er eines Tages Elvis im Kino und wünscht sich nichts sehnlicher, als wie Elvis zu sein...Oh mein Gott! Was kommt als nächstes...? John Lennon gründet seine erste Band, die bei Schulbällen spielen darf. Hier trifft er auf den jungen Paul, dessen Mutter gerade gestorben ist, und der ganz viele melancholische Songs geschrieben hat...Ahhhrg!...Mittlerweile zoffen sich Johns Mutter und seine Tante, bei wem er denn nun besser aufgehoben sei? John hält diesen immer größer werdenden Druck einfach nicht stand, und dreht vollkommen durch...

Pünktlich zu Lennons dreißigsten Todestag, startete „Nowhere Boy“ in den Kinos und weltweit wurden Neuauflagen und Special Editions aller John Lennon Alben in die Läden gekarrt. Was das eine mit dem anderen zu tun hat? Oh, keine Ahnung. Ich wollte es nur mal erwähnen. Möglicherweise ist dies der einzige nutzbringende Effekt des Filmes, denn er ist eigentlich ziemlich schlecht. Auf primitivste Art und Weise wird hier versucht, etwas über John Lennon zu erzählen, dass nichts mit den Beatles zu tun hat. Die Absicht dahinter mag gewesen sein, dass ja eigentlich jeder halbwegs interessierte Mensch die Beatles Story kennt. Regisseurin Sam Taylor Wood konzentriert sich also auf die Beziehung Lennons zu seiner Mutter. Diese Beziehung ist aber eigentlich nicht so super interessant, und wurde für den Film deshalb ordentlich mit Drama und Tragik gewürzt. Das geschieht aber auf eine ganz unerträglich platte Art und all zu oft hat man Seifenoperfeeling. Das merkwürdige Gefühl hält an, wenn man die Schauspieler betrachtet, die John Lennon und Paul McCartney darstellen. Wer auch immer für das Casting verantwortlich war, aber Aaron Johnson ist in jeder Hinsicht eine Fehlbesetzung. Erstens sieht er John Lennon nicht sonderlich ähnlich und zweitens übersteigt es seine jungspundigen schauspielerischen Fähigkeiten, diesen vielseitigen Menschen dar zu stellen. Das gleiche gilt im Grunde für Thomas Brodie Sangster als Paul und Sam Bell als George. Ringo wurde Gott sei Dank gespart...
„Nowhere Boy“ ist in jeder Hinsicht enttäuschend. Es wird der Eindruck erweckt, John Lennons Leben sei bis zur Gründung der Beatles total langweilig und ereignislos gewesen, weshalb man im Film eben diesen Abschnitt mit Drama und Kitsch voll pumpt. Das mag zu Michael Jackson passen, aber doch nicht zu den Beatles. Dass es der Film nicht einmal schafft, auch nur einen Originalsong zu präsentieren, ist für einen Musikfilm besonders schwach. Was? Wie? Wer wagt es? Wie, John Lennon hatte vor den Beatles gar keine eigenen Songs? Wer behauptet hier, es wäre gar kein Musikfilm? Wie bitte was? Was meinst du mit „gar nicht so schlecht...“? Ich soll wohl mal ausrasten? Na warte...

Nowhere Boy (GB / USA 2009): R.: Sam Taylor Wood; D.: Aaron johnson, Kristin Scott Thomas, Ophelia Lovibond; M.: Alison Goldfrapp; Offizielle Homepage

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2011 - Das Jahr nach dem Jahr, in dem wir Kontakt aufnahmen

2011-01-04T06:00:00.000-08:00

Nennt es Faulheit und Völlerei. Nennt es Müßiggang und Desintersse. Kineast hat den Jahreswechsel verpennt. Viel gab es sowieso nicht mehr zu tun. Warum also nicht ganz klammheimlich anstoßen und ohne viel Sentimentalitäten das alte Jahr verabschieden und das neue Jahr als das nehmen, was es ist: Ein absolutes Super-Kinojahr. Uns stehen große Filme ins Haus. Hier schon mal drei, auf die ich mich schneeköniglich freue: Tron Legacy, Hereafter und (ganz großes Tennis!) True Grit.
Bevor ich mich den neuen Filmen widme, reiche ich allerdings erstmal die noch austehenden Rezensionen zu "Nowhere Boy" und "Monsters" nach. Viel Spaß damit und auf ein weiteres schönes Jahr mit Kineast.

Ich sehe den Mann deiner Träume

2010-12-09T05:16:00.000-08:00

Same Procedure as every Year, Woody!
Verdammt! Jetzt habe ich den letzten Satz am Anfang geschrieben und damit im Grunde alles vorweg genommen, worum es auf den nächsten 5 Seiten gehen sollte.
Woody Allen hat entsprechend aller Erwartungen auch in diesem Jahr einen neuen Film gemacht. Mit einer absoluten Traumbesetzung schildert er mal wieder die vewirrenden Komplikationen zwischen Pärchen jeden Alters.
In diesem Jahr nennt er es "Ich sehe den Mann deiner Träume"

Natürlich gibt es wieder massenhaft Figuren, die irgendwie in irgendeiner Beziehung zueinander stehen. Ich versuche mal, dass Ganze auseinander zu klamüsern:
Alfie ist so ungefähr 70 Jahre alt und hat gerade seine Frau nach jahrelanger Ehe verlassen. Er will nochmal von vorne anfangen, hat sich ein schmuckes Appartement gekauft, isst nur noch Gemüse und joggt. Seine Ex-Frau Helena ist dem nervlichen Ende nahe und besucht die Wahrsagerin Cristal. Die erzählt ihr lauter tolle positive Sachen über Helenas Familie. Ihre Tochter Sally ist mit dem gescheiterten Schriftsteller Roy verheiratet. Roy hat einen halbwegs erfolgreichen Roman geschrieben und dümpelt seitdem herum, ist desillusioniert und bringt vor allem kein Geld nach Hause. Sally muss also nebenbei arbeiten, um die Rechnungen halbwegs bezahlen zu können. Sie fängt in einer neuen Galerie als Asistentin an und verliebt sich prompt in ihren Boss Greg. Roy zuliebe geht sie diesen Neigungen allerdings nicht nach, vor allem, nachdem sie erfährt, dass Greg mit ihrer besten Freundin Kelly eine Affäre hat.
Roy hat sich mittlerweile allerdings in die hübsche Nachbarin Dia verliebt, die aber eigentlich verlobt ist und demnächst heiraten will. Während sich also dieses Drama anbahnt, verkündet Alfie, dass er eine neue Frau kennen gelernt hat, und sie zu heiraten beabsichtigt. Charmaine ist halb so alt, wie Alfie und kommt aus einer Branche, die einem gesetzten Mann in seinem Alter eigentlich eher unangemessen ist.
Auch dieses Drama nimmt seinen Lauf und kann eigentlich nicht gut enden.

Ach je, ach je...Was soll ich bloß sagen. Angesichts dieser eineinhalb Stunden voller Langeweile und Belanglosikeiten fehlen mir schlicht die Worte. Es ist eine überflüssige Geschichte ohne jede Botschaft und Essenz. Diesmal können auch diese ganzen tollen Schauspieler, wie Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Josh Brolin, Naomi Watts und vielen anderen, darüber nicht hinweg täuschen. Im Grunde ein völlig bedutungsloser Film, wäre da nicht dieser alte Mann mit der Brille.
Woody Allen ist ein absolutes Original, der in seiner Kariere nicht weniger als 40 Filme gemacht hat. Im Laufe der Jahre sind seine Filme zum Kult avanciert und es gilt als die größte Ehre, als Schauspieler mitspielen zu dürfen.
Woody Allen hat sich eine riesige Menge von Fans und Bewunderern um sich gescharrt, die übrigens grade mit Heugabeln und Fackeln unterwegs sind, um mich direkt zu lynchen.
Und das ist im Grunde der Punkt. Woody Allen - Eintweder man liebt ihn, oder man hasst ihn. Entweder man sieht in ihm einen guten Regisseur im klassischen Sinne, der herrlich verstrickte und charmante Dialoge und Geschichten mit Charakteren, aus dem Leben gegriffen schreibt, oder man sieht einen alten Sack, auf einem riesen Haufen Geld thronend und schallend lachend nur einer Frage nach geht: "Wie oft kann ich den selben Film noch verkaufen?"

"Ich sehe den Mann deiner Träume" ist meiner Meinung nach der alljährliche Aufguss eines altmodischen und längst ausgeschöpften Filmkonzepts. Für sehr viele Menschen gibt es bei Woody Allen allerdings keine Diskussion und nichts läge mir ferner, als ihnen den Spaß an Allens neuestem Werk zu nehmen. Also hin und anschauen.

You Will Meet A Tall Dark Stranger (USA, GB, 2010): R.: Woody Allen; D.: Anthony Hopkins, Naomi Watts, Josh Brolin, Freida Pinto, u.a.; Offizielle Homepage

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Banksy - Exit Through The Giftshop

2010-12-03T08:10:00.001-08:00

Mein Nachbar weiß viel über mich. Er weiß, wie ich heiße und wenn er nicht blind ist, weiß er sogar, wie ich aussehe und wo ich wohne. Wenn er ein bisschen googelt findet er heraus, dass ich gerne beim Radio rum hänge und ich mich sehr für Filme interessiere. Er könnte auch herausfinden, wer meine Freunde sind, was für Musik ich höre, dass ich kein Vegetarier bin, wann ich Geburtstag habe, dass ich ohne Kaffee unausstehlich sein kann. Das alles sind Dinge, die man ohne Probleme über mich erfahren kann, weil ich diese Informationen selbst in Umlauf setze. Der gläserne Mensch ist nur so gläsern, wie er das selbst will. Wäre ich ein Street-Art-Künstler, der Nacht für Nacht weltweit unterwegs ist, um Wände zu bemalen, würdest Du es wissen?

Kunst ist alt. Kunst ist in Statuen, altehrwürdigen Gemälden und in Musik. Kunst haftet irgendwie immer etwas staubiges an und etwas, das an die Vergangenheit denken lässt. Wir blicken heute zurück und können sagen: „Ja, das war die Klassik und hier...Die Renaissance. Wie schön!“ Wenn man in hundert Jahren zurück blickt, wird man auch irgendeinen spannenden Begriff finden, der die Kunst im Jetzt anders bezeichnet, als Sachbeschädigung oder Vandalismus. Wie auch immer er lauten wird, Street-Art wird sicher eine große Rolle spielen. Das Spannende daran ist nicht nur die Kunst an sich, sondern die das Abenteuer und der Reiz des Illegalen, der da hinter steckt. Wer sind die ominösen Künstler, die unglaublich viele und große Kunstwerke mitten an öffentlichen Straßen und Plätzen verwirklichen. Thierry Guetta ist einer der vielen Menschen, die das gerne wissen wollen. Also macht er sich auf, um einen Film über Street-Art zu drehen. In einer dumm-dreisten aber irgendwie liebenswerten Manier knüpft er Kontakte zu den bekanntesten Künstlern, bis er eines Tages feststellt, dass ihm einer fehlt. Er beschließt, einen Film über Banksy zu machen, interessiert sich immer mehr für die Kunst an sich, beschließt dann, selbst Street-Artist zu werden, eine eigene Ausstellung zu machen, weswegen er keine Zeit mehr für den Film hat. Da Banksy ein netter Kerl ist, übernimmt er den Filmjob und macht stattdessen einen Film über Thierry, der sich nun Mr Brainwash nennt.

Worum geht’s denn nun eigentlich? Banksy ist eine Person, über die man nur weiß, was er will, dass man es weiß. Man kennt seinen richtigen Namen nicht. Man weiß nicht, wie er aussieht, wo er wohnt und was er gerne isst. Das ist auch notwendig, denn seine Kunst gilt allgemein als Vandalismus und Sachbeschädigung, weshalb er mächtig Ärger bekommen würde, würde man ihn erwischen. Banksy ist außerdem selbst eine Kunstfigur. Diese Figur gehört zu seinem Konzept dazu und diese Kunst lebt von dem unbekannten Faktor. Seine Werke werden als echte Kunstgegenstände gehandelt und erzielen bei Auktionen stets Höchstpreise. Hier ist oft auch die Besitzfrage ungeklärt, denn schließlich befinden sich seine Kunstwerke an fremden Häuserwänden. Der Besitzer könnte es entfernen lassen. Oftmals übersteigt der Wert eines Banksy allerdings den Wert der Wand, oder des Hauses selbst.

„Exit Through The Giftshop“ ist ebenfalls ein Kunstwerk. Durchsetzt mit viel Ironie und wenig fundierten oder echten Informationen. Man darf nicht denken, man erfährt tatsächlich mehr über diese ominöse Person. Man erfährt nur etwas über Thierry, der wahrscheinlich auch nicht echt ist. Was man allerdings erfahren kann, ist, wie Street-Art an sich funktioniert. Das Gefühl, welches dahinter steht, wird wahrscheinlich sehr gut vermittelt und steigert die Faszination am Thema. Außerdem lässt sich herrlich über all die pikierten und spießigen Kunstkenner lachen, die sich ein Stück Wand in ihre private Galerie stellen, nur weil darauf eine Cartoon-Ratte mit Tomaten jongliert.

Exit Through The Giftshop (GB, 2010): R.: Banksy; D.: Banksy, Thierry Guetta, Jay Leno, u.a.; M.: Roni Size, u.a.; Offizielle Homepage

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Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 1

2010-11-26T03:42:00.000-08:00

Darauf hat die Welt über sieben Jahre gewartet. Das großartige und grandiose Finale einer mitreißenden Geschichte. Millionen Kinder und Jugendliche haben ihn während seiner Abenteuer begleitet. Mit ihm gefiebert, gelacht und zu Letzt auch viel gelitten. Viele kennen das hochdramatische Ende der Geschichte bereits, weil sie die Buchvorlage gelesen haben. Für alle anderen gibt es jetzt endlich die Verfilmung des selbigen. Getreu dem Motto, die Torte müsse den Motor am Laufen halten, wird dieses Finale auch noch in zwei Teile verhackstückt. Worum geht’s überhaupt? Ach ja! „Harry Potter und die Heililgtümer des Todes“ Teil 1, oder auch in der flippigen Abkürzung „HP7“

Ohne, den Spoiler auszupacken, kann man eigentlich kaum was über den Inhalt des Filmes sagen, denn, wie ich das beim letzten Mal schon festgestellt habe, gibt es auch heute noch Menschen, die von Harry Potter vollkommen unberührt sind. Nach dem hochdramatischen Ende des vorigen Teils geht es düster weiter. Harry und seine Freunde leben verdeckt und sind mehr oder weniger ununterbrochen auf der Flucht vor den Totessern, jenen finsteren Gehilfen des Dunklen Lords Voldemort. Während Voldemort also das ganze Land nach seinem Erzfeind durchsucht, macht sich Harry weiter auf die Suche nach den verbliebenden Horkruxen, jenen Artefakten, in die Voldemort Teile seiner Seele gelegt hat. Wenn alle Horkruxe zerstört sind, kann auch Voldemort nicht mehr leben. Einfach wird das nicht, denn das Böse ist beinahe überall und man kann sich kaum noch bewegen, ohne entdeckt zu werden.

Für den letzten Teil hatte ich mir erhofft, dass es noch einmal so richtig kracht. Drama, Action, Awesome Soundtrack, Fantastic Images! Stattdessen lässt Regisseur David Yates nichts anbrennen. Zu groß ist der Druck, der durch die millionenschwere Buchvorlage und durch die Erwartungen von Millionen von Fans auf ihm lastet. „HP7“ fährt den gleichen Stil, wie die beiden Vorgänger. Dunkel, farblos, relativ hart und mit der unvermeidbaren Verfolgungsjagd – bei Dunkelheit – durch einen Wald im Youtube-Style. Auch, dass alles auf eine längere Laufzeit gezogen wurde, korrigiert den merkwürdigen Eindruck nicht, den man beim Schauen gewinnt. Klar ist es schön, dass sich der Film mehr Zeit nimmt, aber irgendwie packt er es komisch an. Es gibt Szenen, in denen Minuten lang gar nichts gesagt wird und dann gibt es Dialoge, die sich immer wiederholen. Es gibt viele nette Ideen, die ich durchaus auch zu würdigen weiß. Das ständige Wechseln von Orten und die ganze Flucht bringt viel Dynamik rein. Der Verzicht auf sämtliche Potter-Elemente, wie Qudditch, die Fahrt mit dem Hogwartsexpress und nicht zu Letzt der Unterricht, bringt Abwechslung und Spannung. Es gibt eine toll animierte Szene, in der ein altes Märchen erzählt wird. Das alles ist gut aber insgesamt ist der Film irgendwie kraftlos. Wie ich mich schon habe belehren lassen, kann man Harry Potter nicht nur von der rein filmischen Seite betrachten. Harry Potter bedeutet für viele sehr viel mehr, als bloß ein weiterer Fantasy-Film. Viele wissen alles über den jungen Zauberer und haben alle Bücher bis auf die letzte Seite gelesen. Ich habe das nicht getan und kann vielleicht nur bedingt nachvollziehen, was besonders die letzten drei Bücher vermitteln sollen. Aber wie viel ist denn ein Film wert, der nicht in der Lage ist, für sich alleine zu stehen, ohne nicht ständig die Fans als Schützenhilfe zu bekommen? Wie ergeht es Leuten, die ins Kino gehen, ohne vorher auch nur irgendwas von Harry Potter gehört zu haben? Die stehen ziemlich blöd da und fragen sich den ganzen Film über „Hä?“

Ich will nicht zu viel fetzen. Der vorletzte Harry Potter-Film ist vollkommen solide und entspricht dem Stil und der Machart der vorigen Teile. Fans werden es natürlich lieben, Filmgeeks werden sich über die ganzen Kleinigkeiten aufregen und alle anderen stehen mit leuchtenden Augen vor den Schaukästen und sagen sich: „Der nächste Teil wird richtig klasse!“

Harry Potter and the Deathly Hollows Part 1 (GB, 2010): R.: David Yates; D.: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, u.a.; M.: Alexandre Desplat; Offizielle Homepage

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South

2010-11-22T05:52:00.000-08:00

Es gibt Filme, die beim Zuschauer ein unangenehmes Gefühl verursachen. Das kann passieren, weil besonders unangenehme Dinge gezeigt werden, oder weil die Story gruselig, tragisch, oder anders beängstigend ist. Einige Filme schaffen es, Dinge zu zeigen, ohne sie zu zeigen und wirken dadurch unangenehm, dass man in jeder Hinsicht im Unklaren gelassen wird. Heute geht es um einen Film, den die Regisseure selbst als "keine leichte Kost" bezeichnen.

Soweit habe ich die Story verstanden: Bruce hat gerade eine Bank überfallen und wird von der Polizei regelrecht gejagt. Seine Auftraggeber beordern ihn nach New York, von wo aus er zu einem sicheren Versteck gebracht werden soll. Bruce ist allerdings in einer grüblerischen Phase und denkt über sein Leben nach. Außerdem hat er das Tagebuch einer jungen Frau geschickt bekommen. Dieses Buch ruft Erinnerungen in ihm wach, von denen er vorher nichts wusste. Ihm fällt auf, dass er sich an sein früheres Leben nicht erinnern kann und beginnt zu forschen. Bald beschließt Bruce, auszusteigen und in den Süden zu gehen. Seine Auftraggeber haben allerdings andere Pläne mit ihm. Außerdem trifft Bruce auf Dana, eine junge Frau, die irgendwie etwas mit seinen Erinnerungsblitzen zu tun zu haben scheint. Bruce wird also von der Polizei, seinen Bossen und seiner Vergangenheit verfolgt.

Es passiert oft, dass ich Filme sehe, die ich vielleicht anders verstehe, als andere Menschen. Aber ich finde für mich immer irgendeinen Sinn oder eine Botschaft. Ich kann hinterher immer sagen, was mir dieser Film gegeben hat. Bei "South" tue ich mich da irgendwie sehr schwer. Das liegt vielleicht daran, dass der Film sehr voll gepackt ist. Man wird mit Einflüssen regelrecht bombardiert, so dass man gar nicht weiß, wie einem geschieht. Da wäre zum einen der schnelle Schnitt, die Kamera, die nie still steht und fiebrige Unschärfeeffekte, die noch mehr Unruhe rein bringen. Außerdem fehlt dem Film buchstäblich die Farbe. Zu Beginn sind noch einige ganz blasse Farben zu erahnen; später merkt man verblüfft, dass es stufenlos zu einem körnigem Schwarzweiß geworden ist. Auch auf anderer Ebene kommt man nicht zur Ruhe. Die eigentlich simple Story schweift ständig ab und bietet immer mehr Handlungsstränge, so dass man bald den Überblick verlieren könnte. Man sieht anstrengende Bilder und hört sphärische Musik dazu. Außerdem arbeitet das Gehirn auf Hochtouren, weil man ständig versucht, die einzelnen Elemente des Films sinnvoll zu verbinden. Bevor hier Missverständnisse aufkommen und der Eindruck entsteht, ich fände "South" nicht gut, ein Wort der Klarheit: "South" war eine neue und intensive Erfahrung. Es ist beeindruckend, mit welchen doch recht einfachen Mitteln der Film diese beklemmende Atmosphäre schaffen kann. Man fiebert mit, man fühlt sich unwohl, man verspürt beinahe physischen Schmerz. Mit einem Wort: Man fühlt sich genau so, wie der Protagonist des Films. Und so etwas habe ich noch nicht auf derart verblüffende Art und Weise erlebt.

"South" ist sehr intensiv und lebt von seinem schnellen und fiebrigen Stil. Was uns der Film vermitteln will, kann ich an dieser Stelle nicht beantworten, denn ich denke, jeder nimmt das auf seine Art für sich anders wahr. Man fühlt sich hinterher vielleicht nicht gut, man neigt dazu, die Welt schlecht zu finden, aber man sollte diesen Film sehen. Er bietet neue Perspektiven, welche auch immer das sind.

South (USA, A, 2009): R.: Gerhard Fillei & Joachim Krenn; D.: Matthew Mark Meyer, Claudia Vick, Sal Giormi, u.a.; M.: Sascha Selke; Offizielle Homepage

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Machete & Fish Tank

2010-11-22T03:35:00.000-08:00

Im Winter gibt es mehr Filme als im Sommer! Das ist ein Fakt. So, wie Nachts ist es Dunkler als draußen! Und Bioprodukte sind gesund! Saßen wir also im Sommer in brütender Hitze und hatten wenig Ablenkung von besagter Hitze, weil es eben so wenig neue Filme gab, brechen sie jetzt mit brachialer Gewalt über uns und der geneigte Kritiker weiß gar nicht, wo er anfangen soll. Doch das Thema Gewalt ist ein guter Aufhänger! Schauen wir doch mal, was das so her gibt.

Woohoo! Der mexikanische, Messer schwingende, Sprüche klopfende EX-FBI Agent ist da. Sein Name! Machete! Er kennt sein Geschäft, bekommt alle Frauen und tötet die bösen Jungs. Und wenn du ihn an heuerst, solltest du sicher sein, dass du nicht selbst einer der bösen Jungs bist.
Aus dem Fake-Trailer-Joke ist ein kompletter Film geworden und die Befürchtungen, er könnte zu einer kommerziellen Blockbusterbombe ohne Charme und Witz werden, waren Gott sei dank unbegründet. „Machete“ ist genau das, was der Trailer seit drei Jahren verspricht. Unterhaltsamer Nonsens für gewaltgeile Dinosaurier. Es fliegen die Körperteile nur so durch die Gegend, es gibt literweise Blut an Wänden und Gegenständen und ein skandalträchtiger Nakedei-Auftritt von Lindsay Lohan. Was will man mehr? Ach ja; dass der Film auch in Weimar läuft. Wieder mal ist keine Spur in den großartigen ansässigen Kinos von diesem Machwerk. Möglicherweise leiden die lokalen Kinos auch unter dem Kinofilmoverkill, der gerade den Herbst heimsucht.

Kommen wir von purer körperlicher Gewalt zu verbaler Gewalt. Mia ist 15 Jahre alt. Geht nicht zur Schule, zieht den ganzen Tag durch die Stadt, prügelt sich mit anderen Mädels, hat eine dermaßen kaputte Familie, dass man heulen könnte und interessiert sich eigentlich nur für das Tanzen. Auf alles andere - pardon - scheißt sie buchstäblich. Ihre Mutter feiert am laufenden Band Orgien zu Hause, ihre kleine Schwester ist auf dem besten Wege, genau so zu werden, wie ihre große Schwester. Da lernt Mia eines Tages den neuen Freund ihrer Mutter Connor kennen. Der übernimmt ein wenig die Vaterrolle für die beiden Mädchen und bestärkt Mia in ihren Ambitionen, das Tanzen zu erlernen. Außerdem nimmt er die Familie zu Ausflügen mit und es entsteht tatsächlich so etwas ähnliches, wie Familienleben. Lange geht das nicht gut, denn Mia entwickelt natürlich Gefühle für Connor, die weniger der väterlichen Rolle entsprechen.

"Fish Tank" reitet auf der Welle des sogenannten "New British Film" zu uns herüber. So werden Filme bezeichnet, die das Leben in sozialen Brennpunkten möglichst realistisch, also hart darstellen. Mir drängt sich da ein kleines Problem auf, denn diese Welle hat sich nicht selbst etabliert, sondern wird buchstäblich verkauft. "Und wieder ein new british film". So kommt es, dass die Erwartungen an diese Filme enorm hoch geschraubt werden und auch "Fish Tank" wurde mit zahlreichen Vorschusslorbeeren überhäuft. Diesem Hype wird der Film nun leider nicht gerecht. In schonungsloser Dogma-Manier wackelt die digitale Handkamera durch 100 Minuten Laufzeit. Man muss immer mal den Blick abschweifen lassen, sonst erleidet man den Glubschaugenschock, oder man bekommt Kopfschmerzen. Die Story wirkt auch etwas verkrampft, denn man gewinnt eher den Eindruck, Mia sei eigentlich ganz cool und kann mit der problematischen Familiensituation ganz gut umgehen. So wirkt vor allem das Ende unlogisch. Die Charaktere sind mir auch zu schablonenhaft, also entgegen der Genre Definition ganz und gar nicht realistisch geraten.

"Fish Tank" ist trotz der sehr guten Darsteller irgendwie seelenlos und leer. Ein Film, der mir absolut nichts vermittelt hat und der mich leider zu dem Schluss führt, dass er eindeutig überbewertet ist. Man kann sich „Fish Tank“ dennoch ansehen, aber man sollte seine Erwartungen nicht überstrapazieren, sonst ist die Enttäuschung zu groß. Augen zu! Und durch.

Machete (USA, 2010): R.: Robert Rodriguez; D.: Danny Trejo, Robert De Niro, Michelle Rodriguez, u.a.; M.: John Debney u. Cark Thiel; Offizielle Homepage

Fish Tank (GB, 2009): R.: Andrea Arnold; D.: Katie Jarvis, Michael Fassbender, Charlotte Collins; Offizielle Homepage

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RED

2010-11-05T05:56:00.000-07:00

Jeder Mensch wird älter. Bei manchen fällt das nicht immer sofort auf, weil sie gesund leben, eine strenge Diät führen und ihren Körper fit halten. Anderen gelingt das nicht so gut, aber was soll's? Jeder wird älter. Es gibt Menschen mit ganz besonderer Veranlagung, die einfach nicht alt werden wollen und die Dinge tun, die kein 60 Jähriger mehr tun würde. Zum Beispiel aus einem fahrenden Auto springen, Pistolen im Anschlag, wild um sich ballernd, einen coolen Spruch auf den Lippen und nicht eine Schweißperle auf der Glatze. Genau! Jan redet von Actionschauspielern. Falsch! Heute geht es ausnahmsweise um CIA-Agenten im Ruhestand.

Frank hat ein aufregendes Leben hinter sich. Nach all den Jahren in Krisengebieten als Killerinstrument der Regierung hat er sich einen geruhsamen Lebensabend im kleinen Haus mit Rasen und Bilderbuchnachbarschaft redlich verdient. Allerdings kann er nicht viel damit anfangen. Zu lange hat er mit der Pistole unter dem Kopfkissen gelebt. Zu oft hat er bitter lernen müssen, dass man keinem Menschen trauen darf. Allerdings knüpft Frank Kontakte zu einer jungen Frau, die als Operator in der Telefonzentrale seiner Rentenkasse arbeitet. Eines Tages beschließt er, sie zu besuchen. Kaum ist die Idee zu einem Entschluss gereift, klopft auch schon ein bewaffnetes Angriffsteam an seine Tür. Trotz der vielen Jahre im Ruhestand, sind Franks Reflexe noch immer messerscharf und er prügelt sich souverän aus der Misere, nicht ohne die halbe Nachbarschaft in Schutt und Asche zu legen. Dabei hat er unglaublichen Spaß und stürzt sich voller Inbrunst auf die neue Mission. Irgendwer will ihn töten. Er nimmt Kontakt zu seinen ehemaligen Teamkollegen auf, denen es im Grunde nicht anders geht als Frank. Zusammen finden sie heraus, dass es jemand von ganz oben auf die Teilzeitsenioren abgesehen hat.

So abgedroschen die ganze Sache klingt, und so oft und unkreativ umgesetzt diese Idee schon verfilmt wurde; RED macht Spaß. Schuld daran ist, dass sich Regisseur Robert Schwentke nicht zu viel vorgenommen hat. Wir haben glaubwürdige und ulkige Charaktere, einige sehr coole Actionsequenzen und unvermeidlich komisch wirkende Dialoge über Rückenleiden und Probleme mit den Dritten. Bruce Willis hat den stählernen Blick drauf, wie kein Zweiter, auch wenn der manchmal nicht hilft. John Malkovich ist nach jahrelangem LSD-Konsum völlig paranoid, Helen Mirren liebt das Arrangieren von Blumen und das Ausknipsen von Menschen. All das vermittelt, CIA Agenten im Ruhestand seien die nettesten und lustigsten Menschen der Welt. Abgesehen davon wird natürlich das Thema Alter abgehandelt. Auch hier sorgt das Augenzwinkern für Heiterkeitsausbrüche, wenn der altersschwache Frank den wesentlich jüngeren Agenten mitten in einer wilden Verfolgungsjagd an die Polizei verpetzt. Lustig ist auch, wenn der ehemalige KGB Agent mit Frank Klatsch und Tratsch austauscht, wer im kalten Krieg wirklich übergelaufen sei.

RED ist nicht superspektakulär, aber nichts desto trotz unterhaltsam. Hauptsächlich ist das den grandiosen Schauspielern und deren Spaß an ihren Rollen zu verdanken. Es ist einfach schön, sie zu sehen. Hätte man für den Film irgendwelche Schauspieler genommen, hätte er wahrscheinlich den vernichtenden Daumen nach unten bekommen. Ebenso, wenn der Film zum übertriebenen Slapstick-Klamauk verkommen wäre. So aber ist an dieser Stelle eindeutig eine Empfehlung auszusprechen. Musiker nehmen nachdenkliche Best-Of Alben auf. Schrifsteller schreiben toternste Autobiographien und Schauspieler drehen eben ulkige nichtssagende Actionfilme, um sich mit dem Älterwerden auseinander zu setzen. Warum auch nicht?

R.E.D.(USA, 2010): R.: Robert Schwentke; D.: Bruce Willis, John Malkovich, Helen Mirren, u.a.; M.: Christophe Beck; Offizielle Homepage

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Wall Street - Geld schläft nicht

2010-10-29T06:20:00.000-07:00

Eben gab es an dieser Stelle die Rezension zu Oliver Stones "Wall Street" aus dem Jahre 1987. Um den neuen Wall- Street-Film sehen zu können, der seit vergangenem Donnerstag in den deutschen Kinos läuft, hätte man meiner Meinung nach erst den Vorgänger sehen sollen. Nachdem ich das erledigt hatte ging ich bestens gewappnet ins Kino.

Zur Erinnerung: Am Ende vom ersten Teil stand Gordon Gecko vor Gericht, wegen illegaler Insider Geschäfte und dem Tätigen nicht gedeckter Leerverkäufe. Er wurde dafür sehr hart bestraft und wanderte 8 Jahre ins Gefängnis. Nun kommt er wieder raus und stellt fest, die Welt hat sich nicht nur weiter gedreht, sondern sich auch ordentlich verändert. Die Dinge, für die er bestraft worden ist, scheinen längst zur Normalität des Aktiengeschäfts zu gehören. Gecko fristet nun das Dasein einer alt gewordenen Legende. Er veröffentlicht ein Buch über die Gier des Menschen und ist ein gern gesehener Gast in Talkshows, hat aber seine einstige Größe und das Leben, dass er so geliebt hat eingebüßt. An der Börse geht es derweil drunter und drüber. Der junge und hoffnungsvolle Broker Jake arbeitet für eine Agentur, die das gleiche macht, wie seinerseits die Agentur von Bud Fox. Aktien beobachten, Investoren finden und sie bei der Stange halten. Jake lebt mit Geckos Tochter Winnie zusammen. Bei einer Lesung seines Buches lernt Gordon seinen künftigen Schwiegersohn kennen. Er durchschaut ihn sofort und wittert eine Chance, seine kaputte Beziehung zur Tochter durch den jungen Jake wieder zu reparieren. Jake hält das für eine gute Idee und hofft, zwei Fliegen mit einer Klappe schlagen zu können. Einerseits hilft er seiner Liebsten, ihre Familiengeschichte aufzuarbeiten, andererseits hofft er durch Gecko auf ein paar heiße Tipps im Aktiengeschäft. Doch Gordon Gecko wäre nicht er selbst, wenn er nicht längst einen ausgeklügelten Plan auf Lager hätte.

Wenn früher eine Ankündigung für einen neuen Film von Oliver Stone lief, bekam man immer Bauchschmerzen, denn er schaffte es stets, hoch sensiblie Themen schonungslos und schockierend darzustellen. Ganz klar war hier die Provokation das Hauptmotiv. Heute hat Stone viel von seinem Biss verloren und arbeitet Themen mit durchaus hohem Provokationspotential sehr brav und leise auf. Sei das George W. Bush, oder das World Trade Center. Man könnte jetzt fragen, warum Stone sich einen 20 Jahre alten Film schnappt, um ihn nun fortzusetzen. Die Finanzkrise mag der Auslöser gewesen sein, doch kommt der Film ein bisschen zu spät. Die Wogen sind bereits geglättet und das Thema wurde tausendfach auch im Kino abgehandelt. Und da liegt der Hund begraben. Anstatt neue und schockierende Einzelheiten über Machenschaften am Aktienmarkt zu präsentieren, konzentriert sich der Film auf die Lebensgeschichte Gordon Geckos, der vor allem eines gelernt hat, nämlich, dass sich die Welt so verändert hat, dass er in ihr nur noch zum alten Eisen gehört. Zusätzlich wird die Geschichte des ersten Filmes noch einmal erzählt, nur dass es neue Menschen gibt, die im Grunde genau so aussehen und die selben dämlichen Fehler machen, wie damals. Die Message könnte also sein, dass es trotz aller Änderungen immer noch genau so läuft, wie seit eh und je. Ich habe aber viel mehr gesehen, dass die alte Schule heutzutage nicht mehr das ist, was sie mal war. Oliver Stone mag sich handwerklich weiter entwickelt haben, hat aber das Potential dieses Reboots eines absoluten Filmklassikers nicht nur ungenügend ausgeschöpft, sondern sogar nicht einmal erkannt.

"Wall Street - Geld schläft nicht" ist nett an zu schauen, fesselt aber bei weiten nicht so, wie seinerzeit das Original. Der Film avanciert zum Lückenbüßer bis zum nächsten echten Blockbuster und im Nachhinein hat man eher das Gefühl, dass er überflüßig war. Da helfen auch nicht solide Darstellungen von Michael Douglas und Shia LaBeouf und ein Gastauftritt von Charlie Sheen. Schade eigentlich.

Wall Street – Money never sleeps (USA, 2010): R.: Oliver Stone; D.: Michael Douglas, Shia LaBeouf, Carey Mulligan; M: Craig Armstroung; Offizielle Homepage

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Mal wieder gesehen - Wall Street

2010-10-29T06:04:00.000-07:00

Michael Douglas. Cool. Ein Schauspieler, dessen größte Stärke immer seine intensive Ausstrahlung war. Ein Blick von Michael Douglas macht alle schauspielerischen Unzulänglichkeiten wett. Shia LaBeouf. Hmm. Den können ganz viele nicht leiden. Milchbubi. Vorzeigerebell mit goldenem Löffel unterm Kissen. Nervbacke. Aber ich mag ihn irgendwie. Klar ist er jung, aber ich halte ihn für einen fähigen Schauspieler. Irgendwas muss ja dran sein, sonst würde er nicht ständig Rollen in großen Produktionen spielen. Der Trailer zu „Wall Street - Geld schläft nicht“ ist dermaßen nichtssagend, dass man Angst bekommt, nicht zu verstehen, worum es überhaupt geht. So geht es mir jedenfalls. Um „Wall Street“ von 2010 sehen zu können, muss man vorher „Wall Street“ aus dem Jahre 1987 gesehen haben.

Und darum geht's: Bud Fox ist ein junger Aktienbroker, der für eine Agentur Charts analysiert und diverse Aktien den Kunden der Agentur schmackhaft macht. Das läuft ungefähr so: Bud beobachtet einen Kurs. Bud denkt sich, das könnte toll werden und ruft seinen Klienten an. Läuft alles gut, ist der Kunde zufrieden, der Chef ist noch zufriedener und Bud ist ungefähr zwanzig Jahre älter geworden, bevor das Ganze wieder von vorne los geht. Wie viele andere an der Wall Street, hat auch Bud ein Vorbild. Gordon Gecko ist eine absolute Legende. Keiner versteht die Aktien so gut wie er, und Verluste sind ihm fremd. Bud versucht nun, an Gecko heran zu kommen, um für ihn zu arbeiten und von ihm zu lernen. Da er sehr hartnäckig ist, schafft er es tatsächlich eines Tages in Geckos Büro und verschafft ihm durch einen Tipp einen stattlichen Gewinn. Gecko stellt Bud nun an und nimmt ihm gleichzeitig unter seine Fitiche. Bei einem Empfang lernt Bud die atemberaubende Carolyn kennen und verliebt sich in sie. Das Leben beginnt nun, schön zu werden. Er arbeitet für Gecko und lebt mit der Frau seiner Träume zusammen. Doch die Aufträge für seinen Mentor bringen Bud regelmäßig an die Grenzen der Legalität und er beginnt, sich zu verstricken. Außerdem hat Carolyn eine Affäre mit Gecko selbst. Es lässt sich unschwer erahnen, dass dies nicht lange gut gehen kann.

1987 warb 20th Century Fox wie folgt für "Wall Street": "Nach Platoon führt uns Regisseur Oliver Stone in den nächsten Krieg in einem Dschungel, härter als alle anderen der Welt." Aus heutiger Sicht hinkt dieser Vergleich mächtig, aber für Stone war es beinahe die selbe Liga. Als provokanter Regisseur suchte sich Stone stets Themen heraus, die besonders den Amerikanern weh taten. Später änderte er seinen Stil und provozierte durch Bilder. "Wall Street" schildert nun den ganz normalen Alltag an der Börse. Mit sämtlichen Abgründen und Intrigen, die nun mal dazu gehören. Heute bereitet es keine großen Schwierigkeiten mehr, sich vorzustellen, dass es wirklich so läuft, aber 1987 schlug der Film ein, wie eine Bombe und löste weltweite Diskussionen über die Vorgehensweise und Reglementierungen an Börsen aus. Wie im Film, wird über Millionenbeträge beim Frühstück entschieden und ist man zunächst noch fasziniert von der Art und Weise, mit welcher Sicherheit und Beiläufigkeit mit Zahlen jongliert wird, bekommt man bald mit, dass hinter jedem Geldbetrag auch eine Existenz steht, die gleichzeitig mit den sinkenden Aktienkursen baden geht. Michael Douglas ist als großmächtiger Gordon Gecko ohne Gewissen absolut großartig und man merkt ihm den Spaß und die Freude an dieser Rolle förmlich an. Charlie Sheen ist cool und spielt hervorragend den etwas grünen Neuling, der beginnt zu lernen. Noch cooler allerdings ist, dass Martin Sheen den Vater von Bud spielt und dieser das absolute Gegenteil von Gordon Gecko darstellt. Während Gecko eindeutig zu den oberen Zehntausend gehört, ist Buds Vater ein hart arbeitender Flughafentechniker, der allerdings keinerlei Perspektiven hat und für immer der kleine Mann bleiben muss.

"Wall Street" ist ein interessanter aufregender und nicht zu letzt provokanter Film, den man gesehen haben sollte, nicht zuletzt eben, um den neuen Film zu verstehen. Und was ich von dem halte, kommt im nächsten Post.

Wall Street (USA, 1987): R.: Oliver Stone; D.: Charlie Sheen, Michael Douglas, Martin Sheen, u.a.; M.: Stewart Copeland.

Vorschau - Weihnachten 2010

2010-10-14T06:07:00.001-07:00

Eine Gute Nachricht: Seit dem 7. Oktober läuft endlich "The Road" in deutschen Kinos. Die schlechte Nachricht: Alle, die nicht zufällig im Großraum Frankfurt wohnen, werden nicht in den Genuss kommen, diesen Film zu sehen. Nach beinahe dreijähriger Wartezeit stehe ich fassungslos vor den Schaukästen der Weimarer Kinos. Kein "The Road". Geschichte vorbei.
Nun kann man sich einbuddeln, die Schlechtheit und Ungerechtigkeit der Welt verfluchen, sämtliche Kinobetreiber auf den schnellsten Weg zur Hölle wünschen und letztlich einen einsamen Hungertot sterben, oder nicht. Ich entschied mich für "oder nicht" und blicke stattdessen nach Vorne. Was gibt es in diesem Jahr noch an sehenswerten Kinofilmen?

Unglaublich, aber sowas kann nur in Kalifornien passieren. Als Filmquerulanten Rodrigez und Tarantino 2007 ihr Trashfilmrevival "Grindhouse" feierten, tauchte im Vorprogramm von "Planet Terror" der Faketrailer zu einem weiteren Grindhousefilm auf. "Machete" war witzig, so lange es dauerte, und hatte in seinen 2 Minuten alles, was ein trashiger Actionfilm brauchte. Daraufhin bildete sich eine große Fancommunity, die Rodrigez bekniete, den Film zu produzieren. Zunächst glänzte der mit Konsequenz und sagte, "Machete" wird für immer das bleiben, was es ist: Ein Trailer.
Pustekuchen. Jetzt ist es soweit und der Film wurde tatsächlich gedreht. Nicht nur mit Danny Trejo, dem mexikanischsten Mexikaner, der je nicht in Mexiko geboren wurde, sondern auch mit Jessica Alba, Michelle Rodrigez, Steven Segal und Robert DeNiro.
Das Machwerk feierte im September Weltpremiere in LA und wird im November nun auch endlich bei uns laufen. All zu große Spannung ist nicht angebracht, denn es wird albern, trashig und brutal. Aber irgendwie ist das ja auch genau das, was wir von Robert Rodrigez erwarten.

Augen geradeaus: Die kleinen Kinder, die keine kleinen Kinder mehr sind, nehmen ihr letztes Schuljahr in der Zauberschule Hogwarts in Angriff. Zum lernen werden sie kaum Zeit haben, denn es wird sich der große finale Kampf um das Geschick der Welt entfesseln. Die Bücher und FIlme wurden zunehmend tragischer und Teil 6 endete schlimmer, als man es haben wollte. Dieser Trend wird im letzten Film, der uns in zwei Teilen kredenzt wird natürlich auf die Spitze getrieben. Uns erwarten epische Kämpfe, tragische Ereignisse und jede Menge Spaß, bei dem nicht nur Hardcore-Fans der Vorlage auf ihre Kosten kommen werden. Nach langem Hin und Her kommt "Harry Potter und die Heiligtümer des Todes" nun übrigens doch nicht im 3D-Modus in die Kinos. Offensichtlich würde diese Version nicht zum Kinostart fertig werden, Warner will aber dringend das Weihnachtsgeschäfft mitnehmen. Aber nicht traurig sein: Die Glubscher dürfen sich auf die DVD freuen, die sogar ausschließlich als 3D Version erscheinen soll - ebenso wie alle bisherigen Harry-Potter-Filme.

Apropos. Dreamworks schickt sein nächstes 3D Franchise ins Rennen. "Megamind" erzählt im Grunde die klassische Supermanstory, eben nur mit zwei Supermännern. Metro-Man und Megamind werfen sämtliche Klischees von Superhelden und -schurken in die Waagschale und wählen natürlich die Erde als Schauplatz ihres erbitterten Kampfes. Viel Tragik ist nciht zu erwarten. Es wird wohl eher ein sportlicher Ulkfilm, bei dem man merkt, wie sich die Macher in ihren Erinnerungen an ihre alte Comicsammlung austoben. Spaßig kann es aber trotzdem werden. Brad Pitt und Will Farell liehen den Beiden im Original ihre Stimmen und wir dürfen uns zumindest an den erstklassigen Synchronsprechern dieser Schauspieler erfreuen und müssen uns diesmal ausnahmsweise nicht mit semi-prominenten Comedians aus dem Fernsehen begnügen. Man will hoffen und wird sehen, beziehungsweise hören.

Pünktlich zu Weihnachten startet der dritte Teil der angeschlagenen Narnia Reihe. "Die Reise auf der Morgenröte" soll er heißen und bietet uns wieder einmal schöne Bilder, in denen schöne Menschen rumhüpfen und allerlei faszinierendes, computeranimiertes Viehzeugs. Natürlich in 3D! Man hat zusätzlich die Epicness-Schraube noch einmal enorm angezogen, nach dem der zahnlose zweite Teil um Prinz Kaspian hoffnungslos floppte. Diesmal dürfen wir aber auch nicht die Neuerfindung des Rades erwarten. Fans der Bücher werden es lieben, alle anderen werden sprechende Löwen und Ziegenböcke immer noch befremdlich finden. Ich persönlich freue mich auf die Musik von David Arnold, der auch schon den Soundtrack für Tarantinos "Death Proof" beisteuerte, womit wir wieder beim Thema wären...

Goethe!

2010-10-13T05:04:00.000-07:00

Goethe! Die marmorne Allmacht der Weimarer Kultur. Man kann keinen Meter durch die Stadt gehen, ohne nicht sein Gesicht zu erblicken. Zahlreiche Besucher aus aller Herren Länder strömen in die Stadt und leiden unter Schnappatmigkeit, wenn sie vor dem Denkmal am Theaterplatz stehen, oder gar die heiligen Hallen des Theaters selbst betreten dürfen. "Goethe" seufzt es aus allen Ecken und niemand, aber auch niemand wagt es, seine Bedeutung und Position in Frage zu stellen. Wäre Goethe noch am Leben, er würde sich wie ein Gott fühlen, wenn er durch die Weimarer Innenstadt liefe. Dass Goethe kein Gott war, sondern ein ganz normaler, verträumter und etwas tollpatschiger junger Kerl gewesen sein könnte, kann man bald im Kino beobachten. Am 14. Oktober startet "Goethe" in den deutschen Kinos. Vergangenen Mittwoch fand die Weimarpremiere statt und ich habe den Film schon mal sehen dürfen.

Lustig geht's los. Der völlig übernächtigte Goethe stolpert ungeschickt in die Doktorenprüfung hinein. Ist die Prüfungskommission zunächst gar nicht begeistert und äußerst pikiert, wird Goethes Auftritt mit schallendem Gelächter belohnt. Unter Freudentränen und Prusten teilt man ihm das Nichtbestehen der Prüfung mit.
"Scheißich!" sprichts und verlässt fliegenden Fußes die Universität.
Der alte Herr Goethe ist davon gar nicht begeistert und verdonnert seinen Sohn, ins idyllische Wetzlar zu fahren und dort Jura zu studieren.
Goethe, der sich viel lieber mit Poesie beschäftigt, muss sich fügen und widmet sich zähneknirschend aber mit einiger Gewissenhaftigkeit dem unbequemen Studium.
Unter den strengen Augen des Oberrichtiers Kästner bleibt ihm aber auch nichts anderes übrig.
Dennoch schafft es Goethe hin und wieder vor die Tür. Bei einem feuchtfröhlichen Tanzabend trifft er auf die junge und hübsche Charlotte Buff. Natürlich ist es sofort um beide geschehen. Doch, wenn nur immer alles so einfach wäre...Charlotte ist natürlich schon jemand anderem versprochen und ihre familiären Verpflichtungen zwingen sie dazu, sich für die Hochzeit zu entscheiden, die ihren zahlreichen Geschwistern das Dach über den Kopf und das Essen im Mund sichert.
Klar, dass das dem sensiblen und impulsiven Johann Goethe gar nicht gut bekommt.

Die bereits angesprochene steinerne, oder eben marmorne Allgegenwärtigkeit Goethes im Weimarer Alltag sorgt mitunter dafür, dass man als Einheimischer irgendwann nur noch mit den Augen rollen kann, hört man diesen Namen. Das wiederum sorgt dafür, dass ich mir gesagt habe, "Wen interessiert denn bitte schön die x-te Verfilmung Goethes Lebens?" Aber aller Skepsis zum Trotz ist ein schöner Film entstanden, der zwar bestimmt nicht der große Überflieger im deutschen Kino werden wird, aber durchaus zu unterhalten weiß. Abgesehen von solider und bekannter Handwerkskunst bietet der Film vor allem eine große Stärke. Der Quasi-Halbgott und die unantastbare unglaublich weit entfernte historische Figur Goethe wird hier auf einen ganz normalen Menschen reduziert. Der Film bietet zwar zahlreiche Ungenauigkeiten und sehr freie Interpretationen der wahren Begebenheiten, was aber den Unterhaltungswert enorm steigert.
Insgesamt hält sich "Goethe!" nahezu perfekt die Waage zwischen Ulk und Spaß, einer deftigen Prise Dramatik und einer nicht unpassend wirkenden Ernsthaftigkeit beim Thema Selbstmord.
Die Darsteller bieten eine souveräne Performance. Besonders hervor zu heben sind Miriam Stein, die hier ihren ersten Kinoauftritt absolviert hat und Moritz Bleibtreu, der auf herrlich schlichte Art und Weise den pikierten und spießigen Richter Albert Kästner darstellt. Selten hat es so viel Spaß gemacht, jemanden beim Teetrinken zu beobachten.

"Goethe!" ist ein schöner, kleiner Kostümfilm, der ein relativ frisches und angenehmes Bild auf den Goethe wirft. Es gibt schöne Bilder, schöne Menschen, schöne Musik und obendrein noch eine schöne Geschichte. Und selbst als Einheimischer der tagtäglich dem Goethe-Overkill ausgesetzt ist, fühlt man sich genötigt, hinterher zu sagen: "Goethe fetzt vielleicht doch!"

Goethe! (D, 2010): R.: Philipp Stölzl; D.: Alexander Fehling, Miriam Stein, Moritz Bleibtreu, u.a.; M.: Ingo Frenzel; Offizielle Homepage

In Weimar: CineStar, lichthaus

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Mary & Max

2010-10-04T04:43:00.000-07:00

Wir leben in einem über und über technisierten Alltag. Das schlägt sich auf alle möglichen Bereiche unseres Lebens nieder. Um mal zwei Beispiele zu nennen: Wir schreiben heutzutage kaum noch Briefe, sondern nur noch eMails und es kommen immer mehr computeranimierte Filme in die Kinos. Jetzt gibt es einen Film, der nicht nur die althergebrachte Puppenanimation wieder belebt, sondern auch das Phänomen der Brieffreundschaft. Bühne frei für "Mary & Max"

Mary ist ein kleines 8-jähriges Mädchen und lebt in Australien. Max ist ein alter Mann, der in einer kleinen Miniwohnung in New York lebt. Beide sind auf ihre ganz eigene Art Außernseiter in ihrer Gesellschaft und könnten trotzdem nicht unterschiedlicher sein. Durch Zufall findet Mary Max' Adresse in einem Telefonbuch und schreibt ihm einen Brief. Max muss nicht lange überlegen und schreibt ihr sofort zurück. Er beantwortet nicht nur ihre Fragen, sondern erzählt auch von sich und seinem Leben. Daraus entwickelt sich eine Brieffreundschaft über viele Jahre lang. Auch wenn sich Mary und Max nie persönlich getroffen haben, durchlaufen sie alle Hochs und Tiefs, die einer normalen Freundschaft auch eigen sind. So erleben wir die Lebensgeschichten zweier Menschen, die sogar teils epische Ausmaße annehmen.

Regiewunderling Adam Elliot hat es endlich geschafft, sein Außenseiter-Projekt fertig zu stellen. Nach zahlreichen Kurzfilmen und sonstigen Ankündigungen war es Ende 2009 soweit und der Film hatte Premiere. Dass es noch fast ein Jahr dauern sollte, bis "Mary & Max" auch in deutschen Kinos laufen würden, hätte wohl niemand gedacht. Aber nach der ganzen Warterei will man nun nicht weiter meckern, sondern endlich den viel gepriesenen Film sehen. Was einem als erstes auffällt: Mary und Max werden von ganz arg niedlichen und coolen Puppen dargestellt, die liebevoll animiert durch eine überzeugende Miniaturwelt wandeln. Voll gepackt mit lauter schrägen Nebenfiguren und skurrilen Situationen, könnte der Film eine Komödie mit Puppen sein, ist es aber nicht. Ganz im Gegenteil. Der Film ist insgesamt überaus dramatisch und trotz all der kleinen lustigen Szenen, schwingt ununterbrochen eine nicht zu übersehende Melancholie mit und am Ende des Filmes kämpft man mit einem dicken Kloß im Hals. Trotz, oder gerade wegen der niedlichen Puppen wirkt diese Dramatik und Melancholie total überzeugend Es heißt ja auch nicht umsonst, dass der Film auf einer wahren Geschichte basiere.

"Mary & Max" ist ein wunderschöner kleiner Film, der allerdings ganz anders ist, als man denkt, wenn man die Vorschau oder das Plakat gesehen hat. Vor allem ist er nicht geeignet für kleine Kinder, denn auch das könnte man beim Anblick der beiden Hauptfiguren denken.

Mary and Max (USA, 2009): R.: Adam Elliot; OVA: Toni Collette, Philip Seymour Hoffman, Eric Bana, u.a.; M.: Dale Cornelius; Offizielle Homepage

In Weimar: lichthaus

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